TOMORROW MAN : その他美術 - livedoor Blog（ブログ）

その他美術

2008年09月30日11:48

カテゴリ: その他美術

ピカソが現代のレオナルド・ダ・ヴィンチと呼んだ美術家ブルーノ・ムナーリ

冒頭のタイトルは「BRUNO MUNARI Lab」というサイトに書かれていた一文です。私はブルーノ・ムナーリという人のことを知ったのは今日です。いろいろ経歴を見ると、いろんなことを手がけたアーティストであることがわかりましたが、その中で日本との係わりに目が留まりました。

「1958年イタリアを訪れていた詩人・美術評論家の瀧口修造と知り合い、瀧口によって1965年日本で個展を開いている。瀧口を通じて作曲家・武満徹とも親交が深く、ムナーリが贈ったオブジェをモチーフにした武満の曲『ムナーリ・バイ・ムナーリ』がある」。（ウィキペディア）

前述の「BRUNO MUNARI Lab」では、この曲について、「ムナーリの『読めない本』に想を得て書かれたとあります。そんな訳で今日の一枚はその「読めない本」。これは、文字や図版がまったくなく、色や形が持っているメッセージを、視覚や触覚という感性で読む本なのだそうです。

いろんなことを手がけたアーティストであると前述しましたが、ムナーリ自身が自らを次のように説明して書いたフレーズを、「BRUNO MUNARI Lab」で取り上げています。

1907年ミラノに生まれた人/1930年役に立たない機械を作った人/1945年こどものための新しい本を作った人/1945年「Ora X」を作った人/1947年知られざる人々の読めない文字を作った人/1949年「読めない本」を作った人/1950年「陰と陽」を描いた人/1951年「ぎくしゃくした機械」を作った人/1952年偏光投影による作品を作った人/1954年水で遊ぶ噴水を作った人/1958年「ムナーリのフォーク」（もの言うフォーク）を作った人/1958年「旅行者の彫刻」を作った人/1959年「2000年の化石」を作った人/1961年連続する構造を作った人/1964年ゼログラフィアを作った人/1966年「ご先祖様」を作った人/エイナウディ社のグラフィックデザインをした人/1971年「アビタコロ」を作った人/ダネーゼ社の教育玩具を作った人/1976年目の見えない人への触れる手紙を作った人/1977年こどものワークショップを世界各国ではじめた人/1964年伸び縮みする照明器具（ダネーゼ）を作った人/1967年アメリカ・ハーバード大で教えた人/黄金のコンパス賞（イタリア）とＮＹの科学アカデミーに表彰された人/日本デザイン協会から表彰された人/優れたこどもの本の作者としてアンデルセン賞（イタリア）を受賞した人（http://www.fdl-italform.net/brunomunarilabo/munari-bio.html）

ブルーノ・ムナーリ（Bruno Munari、1907年10月24日ミラノ生まれ、1998年9月30日没）は、「イタリアの美術家。美術家、グラフィックデザイナー、プロダクトデザイナー、教育者、研究家、絵本作家など、ムナーリには多くの顔があるため、その全体像が掴みにくい」。

「幼少期を北イタリアのバディーア・ポレージネというちいさな街で過ごし、18歳の時ミラノへ戻り、イタリアの前衛美術運動の一つ『未来派』の活動に参加、『役に立たない機械』を発表する。ムナーリは『未来派』の中でも『後期未来派』に分類され、運動の考え方に共鳴するものの中心的な人物として活動はしていない。絵本『スイミー』などで有名なレオ・レオニともこの時期未来派の芸術家として交流を持つ」。

「1930年代、40年代はグラフィックデザイナー、アートディレクターとして雑誌の編集などに関わる一方、幼い息子の為に仕掛け絵本を企画デザインする。10冊企画された絵本は当時7冊がモンダドーリ社から発行され、後年2冊が追加された。現在はコッライーニ社の復刻版が発行されている」。

「1960年代以降はしばしば日本を訪れ、日本の伝統的な美意識やデザインに共鳴し、影響を受ける。1950年代からイタリアのダネーゼ社のためのプロダクトを数多くデザインし、その後も家具、照明器具などの工業製品のデザインを数多く残している」。

「1967年アメリカ・ハーバード大学へ招かれビジュアル・コミュニケーション・デザインの講義を行う。以後、デザイン教育の分野でも多くの著書を書くと同時に、イタリア・ミラノのブレラ美術アカデミーなどで教鞭を執る。晩年はこどものための造形ワークショップ活動に力を注ぎ、イタリア各地、日本を含む国外でもワークショップを行っている」。（ウィキペディア）

武満徹:四季

2008年09月16日14:06

カテゴリ: その他美術

「オブジェ言語」としての彫刻、ジャン・アルプの創造

今日の一枚、ベネズエラ国立カラカス大学にあるジャン・アルプの「雲の羊飼い」(1953)という作品。このなんとも言えない丸い感じは、イギリスの彫刻家ヘンリー・ムーア（1898-1986）を思い起こします。（「パブリック・アートの彫刻家ヘンリー・ムーア」(8/31付け記事)

アルプはさまざまな身近な自然物から独自の形を抽出して「オブジェ言語」と称して造形作品に応用したそうです。髭やへそ、唇などの人体の部分は、瓶、帽子、時計のような人工の日用品とでさえ等価値という例に代表されるように、アルプの皮肉とユーモアに満ちたそれらの配置や構成は、偶然性も交えて彼の探求の中心となっていた、と。

今日は時間がないので、コピペで失礼します。

ジャン・アルプ（Jean Arp）独名ハンス・アルプ（Hans Arp）（1886年9月16日 - 1966年6月7日）は、「現フランス・アルザス地方の首府ストラスブール（シュトーラスブルグ）出身の彫刻家、画家、詩人である。父ユルゲンはドイツ人の葉巻製造業で、母ジョゼフィーヌはアルザス人であった。アルザス地方の地域性からドイツとフランスの両方の文化、教育の影響を受けて育つ。幼い頃から絵を描くことを好み、造形芸術と詩に強い興味を持っていて、自然と芸術家への道を歩んだ」。

「両親からも熱心に支援を受けたアルプは1901年、16歳のときにシュトーラスブルグの美術工芸学校へと入学する。だが、その伝統的な美術教育に拒否反応を示し、専ら新しい芸術表現の可能性を模索しながら、パリの美術館を巡り、そして詩作を続けていた」。

「後に、ドイツのヴァイマルの美術学校へ通い、1908年頃にはパリのアカデミージュリアンなどで学んで、マティスやシニャックらと展覧会を開くなどをしたが、その全てに満足できず、ほどなくスイスのルツェルンへと移り住んでいた実家に戻ることとなる」。
「1911年、25歳のときにスイスの同世代の作家たちと共に『デア・モデルネ・プント（近代同盟）』と名づけたグループを立ち上げて展覧会を開き、これ以降アルプは数年の間、まるで自分の方向性を模索するようにパリやケルン、ミュンヘンをまわり、同時代の多くの芸術家たちを交流を持っていく。その中には青騎士のカンディンスキー、クレー、ピカソ、エルンスト、モディリアーニなどがいる」。

「1915年には後に彼の妻となるスイス人芸術家、ゾフィー・トイバーとも出会い、彼女との共同制作を行うようになる。木や紙、布を使った幾何学的コラージュ作品を多く制作した。まさにゾフィーとの出会いは、アルプ自身の方向性を定める重要なものであった」。（ウィキペディア）

2008年09月13日08:34

カテゴリ: その他美術

「彫刻的ポエム」、ロバート・インディアナの「LOVE」

「LOVE」、この英語はきっと米英の音楽の中で最も使われている言葉ではないでしょうか？この「LOVE」について、「コトバ雑記」（http://wedder.net/kotoba/love.html）というサイトに興味深い記事がありましたので引用させていただきます。

英語で「愛」はもちろん「love（ラヴ）」ですが、テニスで「love」といえば何故「０点」を意味するのか、ご存知の方は少ないのではないでしょうか？これは「for money（＝金のために）」に対して「for love（＝好きで、無料で）」という表現があり、ここから「for love」＝「for nothing」すなわち「love」＝「nothing」＝「０点」の等式が導かれたからです（「０」の形からフランス語の「l'oeuf（ルフ）」＝「le（＝冠詞）」＋「oeuf（ウフ＝卵）」が語源という説もあり）。

同じゲルマン語系のドイツ語で「love」にあたる語は「liebe（リーベ）」。雪印のアイスクリーム「Liebender（リーベンデール）」はこの単語から派生した「恋する人」の意味。1600年にウィリアム・アダムズ（三浦按針）が乗ってきた「liefde（リーフデ）」号もオランダ語で「愛」の意味です。

一方でラテン語の「愛」を意味する単語「amor（アモール）」から派生した言葉も多くあります。モーツァルトの謎の死を描いた映画「Amadeus（アマデウス）」はモーツァルトのミドル・ネームですが、原義はラテン語で「amare（＝愛する）」＋「deus（＝神）」＝「神の愛」です（映画をご覧になった方はナルホドと思われるでしょう）。

「l'amant（ラマン）」という映画もありましたが、これはフランス語「amant（アマン＝愛人）」に冠詞がついたもの。さらに時代を遡ると、中森明菜のヒット曲「ミ・アモーレ」というのもありました。これは何語かは謎なのですが、おそらく「私の愛」のような意味でしょう。「ami〔仏〕（アミ＝友達）」、「amigo〔西〕（アミーゴ＝友達）」も同じ語源を持つ言葉。「愛する人」＝「友達」というわけです。「萌奈実（モナミ）」という女性の名前があるけれど、あれはフランス語の「mon ami（モナミ＝私の友達）」に掛けているのではなかろうか？というのは私の勝手な憶測です。

前置きが長くなりましたが、そんな訳で今日の一枚は、ロバート・インディアナの彫刻「LOVE」。ウィキペディアには次の解説があります。

「インディアナの作品の中でもっとも知られたイメージは大文字の『LOVE』であり、正方形の中に四つの文字が納められ『O』の字が右へ傾いている。このデザインは絵画や版画、彫刻と様々に活用されているがすべて同じ比率・同じ字体のデザインになっている」。
「彼は子供時代に通っていた教会の『神は愛なり』のサインに影響を受け、1960年代前半から繰り返しこのフレーズの派生形を用いてきた。1964年のクリスマスカードではじめて『LOVE』が登場し、1965年にはこの四文字を使った作品を数多く制作し、1965年のニューヨーク近代美術館のクリスマスカードのデザインに採用され大成功をおさめた。1970年にはインディアナポリス美術館に12フィートの大きさの『LOVE』彫刻が制作され、1973年にはアメリカの切手デザインにも採用された。現在ではアメリカの主だった大都市や美術館にこの彫刻は置かれ、アメリカ国外でもスペイン、カナダ、シンガポール、台湾（台北101ビル）、日本（新宿アイランドタワー）に設置されている」。

ロバート・インディアナ（Robert Indiana, 本名ロバート・クラーク Robert Clark、1928年9月13日インディアナ州ニューカッスル生まれ）は、「アメリカ合衆国の現代美術家・舞台美術家・コスチュームデザイナー。ポップアートの作家のひとりであり彫刻作品などで名高い。彼はインディアナポリスの北東70kmの小都市ニューカッスルに生まれ、1945年よりシカゴのアート・インスティテュートやエジンバラ芸術大学、ロンドン大学に学び、1954年にニューヨークへ出てローワー・マンハッタンの芸術家街に住みアグネス・マーチンやエルスワース・ケリーらと知り合った。出身州から取った『インディアナ』という名前はこのころから使用している」。（同上）

ちなみに日本語の愛の語源は、「平安文学では『愛（かな）し』と読ませ、いとおしみ離れ難い心境をあらわす。近代に入り、西洋から新しい意味が導入された。その際に、『1. キリスト教の愛の概念、2.ギリシャ的な愛の概念、3. ロマン主義小説の恋愛至上主義での愛の概念』などの異なる概念が同時に流れ込み、混乱の中から、現在の複雑な愛の意味が作られてきた」といいます。

あることはわかっていても、時にその存在が疎ましくなったり、その存在を喪失し絶望したり。それが「愛」。この概念を最も単純な目に見える形で表現したのが、インディアナの作品と言うことになりましょうか。仕事で、人間関係で疲れて街並みを歩いていると、目の前に突如現われる４つの文字。「ほら、あなたは忘れているかもしれないけれど、こんなところにもそれはあるんだよ」と語りかけてくるような文字の彫刻。これこそまさに「POWER OF LOVE」。

2008年08月31日08:14

カテゴリ: その他美術

パブリック・アートの彫刻家ヘンリー・ムーア

私にとって彫刻といえば、ロダン（1840-1917）とヘンリー・ムーアが思い浮かびます。いや、しか浮かばないといった方が正しい。今思えば、ロダンは教科書によく出てきたのでさもありなんですが、ムーアが何で思い浮かぶのか？と思い巡らすと、東京にいたときに行った箱根の彫刻の森美術館にあるコレクションを見たからだと思います。そんな訳で、今日の一枚はそのコレクションの一つ、「ふたつに分けられた横たわる像」（1979-81）です。

改めてムーアの作品を追うと、その特長は抽象、分割、横臥と穴。穴についてはウィキペディアに「ムーアのつくる人体は穴が開いているか、空洞を含んでいることが特徴的である。多くの人々は、横たわる人体の起伏にとんだ形を、ムーアの生まれたヨークシャーの、丘の連なる風景から参照されたものだと解釈している」と解説されています。

分割と横臥について、「二つの・・・」とされた分割は、対立、並立、陰陽、共存、「横たわる・・・」には、解放、平穏、従属などのイメージのようにいろいろ解釈はできますが、作家の真意は今の私には全くわかりません。彼の作品がなぜ高い評価を受けたのかもよくわかりませんが、1948年に受賞下ヴェネツィア・ビエンナーレ展での国際彫刻賞が契機になったようです。

ヘンリー・ムーア（Henry Spencer Moore、1898年7月30日～1986年8月31日）は、「20世紀のイギリスを代表する高名な芸術家・彫刻家。炭鉱夫の息子としてヨークシャーのキャッスルフォードで生まれ、大理石やブロンズを使った大きな抽象彫刻で知られる。イギリスの美術界から大いに援助を受けてきた彼は、イギリスにモダニズム美術を紹介するのに大きな役割を果たし、イギリス美術を国際的なものにすることに大きく貢献した」。

「大規模なモニュメントなどの注文をこなす能力により、彼はその生涯の後半に美術家としては並外れて財力豊かになった。しかし、彼は質素な生活を死ぬまで送り、その富のほぼすべてが『ヘンリー・ムーア財団』の基金として寄付され、美術教育や普及の支援のために使われている」。

「彼の特徴的な作品は、穴が貫通している横たわる像（横たわる人体）である。当初はオルメカ文明、トルテカ文明やマヤ文明などの石像、とりわけ1925年にパリで見た、チチェン・イッツアから出土したチャック・モールの石膏模型から大きな影響を受けた」。

「最初の『横たわる像』は体の横でひじを付いて曲げた腕が空洞をかたち作るものだった。後の『横たわる像』では、凹凸のある表面のある量塊を探求するかのように、胴体に直接穴があけられた抽象的な形態になっている。これらの極端な穴は、同時代の優れたイギリス人彫刻家バーバラ・ヘップワースの作品と同時並行で試みられたものだった。ヘップワースは、ヘンリー・ムーアの初期の個展の展覧会評を誤読して、ためしにトルソに穴を開けてみたといわれる」。（ウィキペディア）

2008年08月29日09:44

カテゴリ: その他美術

彫刻の歴史を変えたハイパーリアリズムの彫刻家・ロン・ミュエク

先日、フジテレビ「ザ・ベストハウス123」で紹介されたロン・ミュエク。ご覧になった方も多いと思いますが、私は初めて知りました。驚きです。番組では「MaskⅡ」(2001-2002)、「Spooning Couple」(2005)、「In Bed」(2005)が取り上げられていました。ちなみに、「spoon」とは「さじ」のことですが、どう派生したのか「(俗)女に甘い男、おつむの弱い人」、「いちゃつく」の意味があるようで、「Spooning Couple」には「いちゃつくカップル」という、とてもそうは思えない直訳タイトルが。

「ロンの彫刻は粘土でリアルな作品を作り…それを元に巨大な型を作る。その型にグラスファイバーを混ぜたシリコンを流し込み固めているのだ。それは『彫刻の歴史を変えた』と言われる新しい技法。この技法のおかげで、このリアルさと大きさを実現できたのだ。巨大な顔の彫刻・マスク２。その寝顔は我々に眠れないほどのインパクトを与えてくれる」。（公式サイト）

こんなハイパーリアリズムの彫刻家ですから、もっとリアルな作品もあるのだろうとネットで検索したところ、ここまで表現するかというのが今日の一枚です。「Mother and Child」（2001）とタイトルがつけられています。生身の人間の半分のサイズだということですが、2倍のサイズでなくて良かったなとも思えます。さすがにこれはテレビで放映はできませんね。

ロン・ミュエク（Ron Mueck, 1958年 - ）は、「イギリスで活躍するオーストラリアのハイパーリアリズム（en:Hyperrealism (painting)）彫刻家。ミュエックとも表記される。ミュエクは最初、児童向けテレビ・映画のためのモデルやパペットを作っていた。有名な作品としては『ラビリンス/魔王の迷宮』（1986年）があり、ミュエクは声優としてもルドの声をあてている」。

「その後、ロンドンで自分の会社を立ち上げ、広告用の写実的なプロップ（小道具）やアニマトロニクスを制作した。プロップは非常に精密であるが、反対側のごちゃごちゃした構造を隠すアングルから撮られた写真のようにデザインされていた。しかしミュエクはどのアングルから見ても完璧なリアルな彫刻を作りたいと思っていた」。

「1996年、義母のポーラ・レゴの協力を得てミュエクは美術界に転身し、ヘイワード・ギャラリーでのレゴのタブローの一部として、小さなフィギュアを制作した。レゴはミュエクをチャールズ・サーチ（en:Charles Saatchi）に紹介し、サーチはすぐにミュエクが気に入り、ミュエクの作品の収集と委嘱をはじめた。そして出来上がったのがミュエクの名を一躍世間に知らしめた『デッド・ダッド』で、これは翌1997年、ロイヤル・アカデミーのセンセーション展（en:Sensation (exhibition)）に出品された」。

「『デッド・ダッド』はシリコン製のミクスドメディア彫刻で、ミュエクの父親の死体を2/3スケールでぞっとするほどリアルに再現したものである。この作品の仕上げにミュエクは自分の髪の毛を使ったが、それをやったのはこの作品だけである」。

「ミュエクの彫刻は人間の肉体を微細に再現してはいるが、不安で不調和な視覚的イメージを生み出すため、大きさについては工夫をしている。ミレニアム・ドームの目玉で、後にヴェネツィア・ビエンナーレでも展示された『ボーイ』（1999年）は高さが5mもある。2002年、ミュエクの彫刻『プレグナント・ウーマン』を、オーストラリア・ナショナル・ギャラリー（en:National Gallery of Australia）は800,000オーストラリア・ドルで購入した」。（ウィキペディア）
ちなみにこの写真は、1977年に制作されたミュエクの自画像「MASK」。

「Ron Mueck: Hyper-Realist Sculptor」
http://paintalicious.org/2007/09/14/ron-mueck-hyper-realist-sculptor/

2008年07月15日07:39

カテゴリ: その他美術

彫刻家ジャン＝アントワーヌ・ウードンとそのモデルたち

前回、1900年代の半世紀に活躍した人々を撮ったカナダの写真家ユーサフ・カーシュを取り上げました。今日の一枚は、1788年、フランス彫刻家、ジャン＝アントワーヌ・ウードンによって制作された、現在リッチモンドのバージニア州議事堂にあるアメリカ合衆国初代大統領ジョージ・ワシントン（1785年-1788年）の立像です。ウードンは18世紀の後半世紀に活躍した人々の彫像を作った作家でした。

「ウードンの作ったワシントン像は、ベンジャミン・フランクリンからわざわざ大西洋の向こうのアメリカ、マウント・バーノンに招かれた、その所産に作られたものだった。1785年、ワシントンはモデルとしてウードンの前に座り、湿った粘土で体の、石膏で顔（ライフ・マスク）の型を取られた。ワシントンの型からたくさんの像が作られ、その中には、バージニア州議会の依頼で作られ、現在リッチモンドのバージニア州議事堂にある立像も含まれる。ワシントンの胸像も、さまざまなバリエーションで多数作られた。将軍として軍服を着せられたものもあれば。筋骨隆々に見えるよう古典的様式に作られたもの、あるいは、トーガを着せてルキウス・クィンクティウス・キンキナトゥスにされたものもあった。ワシントン＝キンキナトゥス像はバーモント州議事堂にある」。

その他モデルとなった人物を挙げると、「ドゥニ・ディドロ（1771年）、ベンジャミン・フランクリン(1778年 - 1809年）、ジャン＝ジャック・ルソー（1778年）、ヴォルテール（1781年）、モリエール（1781年）、トーマス・ジェファーソン（1789年）、ルイ16世（1790年）、ロバート・フルトン（1803年 - 1804年）、そしてナポレオン・ボナパルト（1806年）がいる」。

ジャン＝アントワーヌ・ウードン（Jean-Antoine Houdon, 1741年3月20日 - 1828年7月15日）は、「新古典主義のフランス人彫刻家。啓蒙時代の哲学者、発明家、政治家の彫像ならびに胸像で知られる。ウードンはヴェルサイユに生まれた。1761年、ローマ賞を受賞し、ローマに行くが、古代ローマやルネサンス美術の影響はまったく受けなかった」。

「ウードンはローマ滞在中に2つの特徴的かつ重要な作品を制作した。1つは堂々たる『エコルシェ』（1767年）で、その解剖学的な造型は、その時代以来、多くの美術家たちの手本とされた。もう1つはローマ、サンタ・マリア・デッリ・アンジェリ大聖堂の『聖ブルーノ（ケルンのブルーノ）』像である。ウードンはそれから10年イタリアで過ごした後、パリに戻った」。

「1771年、ウードンは芸術アカデミーの会員となり、1778年には教授になった。また、ルイ16世の宮廷とつながりがあったことからブルジョワとわかって、フランス革命の間は人気を失ったものの、投獄だけは免れた。逆に執政政府およびフランス第一帝政期には人気を取り戻した。ウードンはパリで死んで、モンパルナス墓地に埋葬された。またウードンは、フリーメーソンの9姉妹ロッジのメンバーでもあった」。（ウィキペディア）

2008年07月05日10:14

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作家・幸田真音が描いた幻の陶磁器「湖東焼」

昨日、幸田真音さんの小説「あきんど～絹屋半兵衛～」（上、下/新潮文庫）を読み終えました。この作品の登場する「湖東焼」が今日の一枚です。写真の作品は、中川一志郎氏による1988年の「金襴手菊蝶図煎茶碗」。多くの方にとって、焼きものと言えば、土を練り固め焼いて作った陶磁器、有田焼（伊万里焼）や九谷焼を思いかばれると思います。「あきんど～絹屋半兵衛～」は、幕末期、実在した古着商を営む彦根(滋賀県)の商人が、湖東焼という陶磁器ビジネスに陶器ではなく磁器にチャレンジした物語です。史実は次のようになっています。

あきんど―絹屋半兵衛〈上〉 (新潮文庫)

幕末文政の頃、彦根の商人絹屋半兵衛が当時先端技術の華であった磁器（＊１）の焼成導入を考えて伊万里の職人を招き、佐和山山麓に築いた窯で成功させたのがそもそものはじめである。国産奨励は諸藩の風潮彦根藩は特に強力に援助し、十年にして彦根焼・湖東焼の名は確立された。

天保年間、井伊直亮(なおあき)のとき、召上げて藩直営に移した。藩窯は直亮の代八年、直弼の代十年が盛期、直憲の代二年は終末期で、通算二十年の短い歴史にすぎないが、焼成技術は景徳鎮・伊万里に劣らない世界最高の水準、絵付けにいたっては緻密豪華高尚湖東焼独特の味を完成した。

磁器の原料石は天草産に少量の彦根物生山の石を混ぜ、呉須染付の品はすべて藩の茶碗山の窯で焼き、赤絵金欄手（＊２）の類は、素地すべて藩の窯で焼いたのち、藩の絵付窯で絵付けすることも多かったが、城下町や近在の民家に据えられた錦窯と呼ぶ小さい絵付け窯でも焼かれた。民家赤絵湖東焼と呼ばれるものである。

このように盛大におもむき地場産業として定着しかけた矢先、桜田門外の変がおこり世情不安となり、百人近い茶碗山の職人はおびえて四散、彦根生まれの四人を残すのみで創業不能となって藩窯は廃止された。

＊１）磁器（じき）とは、高温で焼成されて吸水性がなく、叩いた時に金属音を発する陶磁器。
＊２）金襴手（きんらんで）とは、器に金箔や金粉で表した文様のことで、あたかも金襴を散りばめたようにみえることから名づけられたものです。色絵の上に金彩色を施した磁器。中国、明代に流行し日本に輸入された。器物は碗が最も多い

この写真の赤絵を描くための素地(きじ)については、絹屋半兵衛らの並々ならぬ努力があったことが小説で語られます。後に箱根藩主、江戸幕府の大老となる井伊直弼が、彼等に課した宿題でした。半兵衛が育てた袋物職人の喜平がこの素地を完成させたときの様子を次のように描いています。

「強い金気を含む水を、何度も繰り返し、金気を抜いては使ってみたのだろう。土の配合や、水簸（すいひ）の仕方や、そのひとつずつの忍耐強い作業が、喜平に成功をもらした。これまで少しずつ白さを増してきたとはいえ、今日喜平が見せてくれたのは、いままでになく純白に、堅く焼き締まった素地だった。硬質で、そのくせ滑らかなその肌は、そのまま職人としての喜平のまっすぐな心を表すようで、半兵衛はいつまでも触れていたい気がしたものだ」（下巻P430）

＊３）水簸とは、固体粒子によって水中での沈降速度に差があることを利用して、粒子の大きさ別に分ける方法。陶土の調整や、砂金の採取などに用いる。

あきんど―絹屋半兵衛〈下〉 (新潮文庫)

2008年06月18日05:38

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青葉城、伊達政宗騎馬像、そして彫刻家・小室達

先週、14日に起きた岩手・宮城内陸地震は、規模の割りに犠牲者が少なかったことが不幸中の幸いと思わざるを得ません。30年前の1978年、6月12日に起きたのが宮城県沖地震でした。マグニチュード7.4で死者が28名と記録されています。あの栗駒山における「山体崩落」を見ると、震源地がここでまだ良かったとも。

そんな訳で、今日の一枚は、仙台・青葉城の象徴、伊達政宗騎馬像を取り上げます。1933年に小室達氏の手によるものだと今日初めて知りました。

昭和8年、伊達政宗(1567-1636）の300回忌にあたり、その記念事業として、宮城県青年団から政宗の銅像制作を依頼された。小室はこれを名誉として、帝展への出品を取りやめ、アトリエを改築するなど、全エネルギーを銅像制作に傾け、準備を開始した。

銅像制作にあたって、小室は「馬学」という研究書を読むかたわら、岩沼の渡辺豊蔵氏や横田獣医官からも指導を受け、馬の研究に取りかかるとともに政宗を中心とした仙台藩の歴史の研究などを昼夜をとわずに続けた。

そして、その年の12月に製作が開始され、約1年半の年月をかけて昭和10年5月に見事、騎馬像は完成し青葉城址に据え付けられた。政宗像の重厚な雄志を目の当たりにした多くの観衆の間には、感動の拍手が鳴りやむことなく青葉山に響き渡った。（柴田町HP）

小室徹

小室達（こむろとおる、1899年8月10日-1953年6月18日）は、「日本の彫刻家。宮城県柴田郡柴田町出身。旧制白石中学（現・宮城県白石高等学校）卒業、東京美術学校（現・東京芸術大学）彫刻科を首席で卒業。現在、仙台城（青葉城）にある『伊達政宗騎馬像』は、小室が制作した政宗公騎馬像の複製である。初代は仙台市博物館庭（胸像のみ）、二代は仙台城、原型は竹駒神社（岩沼市）馬事博物館」（ウィキペディア）

2008年06月13日07:21

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梱包とアンブレラの芸術、「クリスト＆ジャンヌ＝クロード」

今日の一枚は、1991年10月に行われた茨城県里美村、日立市、常陸太田市）「Christo：The Umbrellas」クリスト・アンﾌﾞﾚラ展からの写真。このときの模様は次のように伝えられています。

太平洋両岸のアメリカと日本に高さ数メートル近い傘を設置。カリフォルニアの砂漠地帯には1760本の黄色い傘、茨城北部の山間部の水田地帯には1340本の青い傘を数十キロにわたり点在させた。1ヶ月弱に日本で50万人、アメリカで200万人を動員したが、日本は台風シーズンにあたり傘は閉じていることが多く観客を残念がらせた。設置中と会期中にそれぞれ1人死者が発生し（アメリカでの展示中、風で傘が倒れた）会期は3日短縮された。

1970年代以降一般化した、絵画・彫刻・映像・写真などと並ぶ現代美術における表現手法・ジャンルの一つにインスタレーション（Installation art）があります。ある特定の室内や屋外などにオブジェや装置を置いて空間全体を変化させ、場所や空間全体を作品として体験させる芸術だとされています。昨年11月28日付の記事では「インスタレーション・アートのイギリスの旗手、アントニー・ゴームリー」を取り上げました。

クリスト（Christo, 1935年6月13日-）は、「ブルガリア生まれの美術家。本名はフリスト・ヴラディミロフ・ヤヴァシェフ（Christo Vladimirov Javašev (Javacheff) ）。妻のフランス人美術家、ジャンヌ＝クロード（Jeanne-Claude、1935年6月13日モロッコ生まれ）とともに「クリスト＆ジャンヌ＝クロード」（Christo and Jeanne-Claude）の名で活動している」。

「20世紀の美術は芸術概念の拡張からさまざまな流派や傾向を生み、『アースワーク』『ハプニング』のような、従来の『美術』の枠組みからはずれたものも多い。ランド・アートの作家とされることもあるが、クリスト自身は自らの作品をランド・アートとみなしていない。こうした活動の美術史的評価はまだ定まっているとは言い難いが、クリストの活動はそれを肯定的に評価するかどうかは別問題として、『芸術とは何か』という問いをあらためて投げかけた点で、後世に記憶されるであろう」

「その『作品』は一言で言えば『梱包』である。彼の『梱包』は1958年、日用品の梱包から始まったが、もともとそのころから巨大な建物（後述のライヒスタークなど）や自然や公園の風景全体を梱包するアイデアはあった。1960年代以降、梱包は次第にその規模を巨大化させていく。美術館の建物を丸ごと梱包することにはじまり、オーストラリアの高さ約15メートル、長さ2キロメートルにおよぶ海岸を丸ごと梱包した『海岸の梱包』（1969）など、途方もない作品もある」。

「『梱包』ではない作品には、コロラド州にあるロッキー山脈の幅400メートルもある谷に巨大なカーテンを吊るした『ヴァレー・カーテン』（1970-72）がある。これらの『作品』はその性格上（布の性質、天候による破損のおそれ、自然に対する影響、担当役所による設置許可期間など）永続することは不可能で、もとよりクリストには恒久展示して永続させる意図はまったくなく（作品は夢のように現れ、夢のように消えて観客の中にしか残らない）、今は記録写真によってしか見ることはできない。見た者は、人工的な色の布で自然の風景が変わることや、見慣れた都会の風景が梱包で一変することに新鮮なショックをうける。もっとも巨大化する一方の梱包や、産業化したクリスト夫妻の作品制作に対する疑問もある」。

「1973年よりアメリカ国籍を持つ。それぞれのプロジェクトにかかる巨額の費用は、美術館や政府や企業などから一切の援助を受けることなく、プロジェクトの完成を予想したドローイングやコラージュ作品など、クリストの手によるオリジナル・アート作品の販売でまかなっている。また、プロジェクトは毎回、その梱包や作品設置の舞台となる場所の住民・政府官僚などとの許可が必要であり、しばしば反対運動や『これは芸術か否か』といった論争に巻き込まれており、1960年代の構想からそれぞれの実現まで数年から数十年がかかっている」。（ウィキペディア）

2008年05月24日06:04

カテゴリ: その他美術

影を自在に創り出すシャドーアーティスト・山下工美

昨日「金スマ」を観ていたら、まさにイリュージョンという芸術作品を知りました。今日の一枚は、そのイリュージョンを見せてくれるニューヨーク在住の作家・山下工美さんの、2005年に札幌ステラプレイス（3階）に設置された、インスタレーション作品「雲」。平板なアルミ板と照明によって作り出される影絵です。光と影の特性をこうもうまく表現できるものかと脱帽モノの驚きです。

「山下工美氏の作品は、同一次元上に、現在と過去、虚構と現実、不変と変化をテーマとして創作し、今まで制作したものの代表的な表現に「人の影」があるが、それはモノ越しに映る『存在』のリアリティーなのではないだろうか」。

彼女の作品には、インスタレーション作品「Dialogue」（会話1999年）もあります。
＜Artist Kumi Yamashita- Dialogue＞
http://www.flixya.com/video/1139834/Artist_Kumi_Yamashita-_Dialogue
この作品で影が喋っている言葉が何だったか忘れてしまいました。

また、キャンバスにパチンコの釘状に無数の針を刺し、それを一本の糸で引っ掛けて人物の顔を描いた作品もありました。

山下工美；「美術作家。1968年群馬県生まれ。山下工美氏は、中学まで前橋に住み、その後アメリカの高等学校に進学。そしてワシントン州コーニッシュ芸術大学を卒業後、イギリスのグラスゴー美術大学大学院を卒業。大学生活中、個展、グループ展、公募展など意欲的な創作活動をしており、昨年の『キリン・アート・アワード』では優秀賞に選ばれました」。

（公式サイトhttp://www5.wind.ne.jp/data/nude/yamashita/kunst0.htm）