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マーティンさんと私たちのコラボレーションは、2010年まで遡ります。デュオ活動を開始したのはよいものの、箏とチェロのための曲が殆どない…となると、オリジナル曲を作曲家に書いていただきたい、と思い始めたときに、まず白羽の矢を立てたのが、マーティンさんでした。それ以来、「花鳥風月組曲」の連作4曲、箏・チェロ・唄の「黄鶴楼」、「花鳥風月」CDの制作、日米でコンサートの企画など、様々なかたちで深い関わりを持つうちに親交も温まり、今では私たちの信頼する友人の一人となりました。

来る6月14日、バイオリニストの岩谷祐之さんを迎えて、初めて箏(あるいは三味線)・バイオリン・チェロという編成の コンサートを京都の青山音楽記念館・バロックザールで開催(公財・青山財団助成公演)させていただきますが、この三つの楽器編成で曲を書いていただける作曲家は、私たちの中ではマーティンさんをおいて他にはいませんでした。

そして完成した作品、「You left me, sweet, two legacies」はエミリー・ディキンソンの詩をもとに、マーティンさんが「アパッショナート」というテーマを多義的に 捉え、深い哀愁に満ちた作品となりました。

この編成での作品はもしかして世界初の試みかもしれませんし、この珍しい機会を関西の皆様には逃していただきたくないのですが、その前に、私たちの質問に「情熱」を持って答えていただいた、マーティンさんのインタビューを読んでいただき、期待を高めていただきたいと思います!

それではどうぞ!

1) When did you first became interested in composing? When did you decide to become a composer? 

Marty Regan: I first became interested in composing when I was in high school. I was taking classical piano lessons, but did not have the discipline and patience to practice scales and etudes like I was instructed. My practice sessions would morph into improvisations. When my piano teacher noticed that I was more interested in “creating” repertoire rather than “learning" repertoire, he recommended that I switch to jazz piano lessons. My first compositions were short works for solo piano. My band instructor suggested I try my hand at jazz arranging, and in my junior year I transcribed and arranged the Chicago song “Beginnings” for jazz band. In my senior year, I composed my first large-scale, “extended” work, a piece for jazz band entitled “Somewhere Between Now and Soon,” featuring a solo flugelhorn part that I played.

1) マーティンさんはいつ作曲に興味を持たれるようになられたのですか?いつ作曲家になろうと決意されたのですか?


マーティン・リーガンさん(以下敬称略):最初に作曲に興味を持ったのは高校生の時でした。私はクラシックピアノのレッスンを受けていましたが、教えられた通りにエチュードや音階を練習する忍耐がなく、練習時間は即興演奏に費やされました。ピアノの先生は私が「習い事」よりも「創造する事」に興味を持っていることに気づき、ジャズピアノのレッスンを受けるよう、勧めてくれました。従って、私の最初期の作品はピアノの小品です。やがて高校のジャズバンドの先生がジャズのアレンジをするように勧めてくれ、
2年生のとき、シカゴというロックバンドによる「Beginnings」をバンド用に編曲、3年生のときには初めてジャズバンドの「大作」に挑戦、私のフリューゲルホルン・ソロを含む「Somewhere Between Now and Soon」という曲をアレンジしました。
 

After graduating from high school I went to Oberlin College/Conservatory of Music and majored in composition. The five years I spent in Oberlin were so crucial to my development as a composer and my insatiable quench for knowledge and novel experiences–not to mention wanderlust! I studied abroad in London in my sophomore year and during winter term 1993 I took a seminar at the Schönberg-House in Mödling, Austria with Richard Hoffman, Schönberg’s assistant during his last years living in Los Angeles in the late 1940s. During my summers, I was in residence at the American Conservatory in Fontainebleau, France, the Aspen Music Festival and School, and took a three-week master class in Madison, WI where I studied with John Corigliano, John Harbison, and George Rochberg. I graduated from Oberlin with a B.M in Composition and a B.A. in English and East Asian Studies in 1995.
 

高校を卒業してオバーリン大学の作曲科に入学。この5年間は私の作曲家としての成長にとって重要であったばかりでなく、汲めども尽きない音楽への興味を満たした時期でもありました。そして私の旅への欲求も!2年生のときロンドンに留学、1993年冬の学期にオーストリア、モールディングのシェーンベルクハウスにて、リチャード・ホフマン(1940年代、ロサンジェルスにて晩年のシェーンベルクのアシスタントをしていた)のセミナーを受講しました。夏はフランス、フォンテーヌブローのアメリカ音楽院のレジデンスプログラム、アスペン音楽祭、ウィスコンシン州、マジソンにてジョン・コリリアーノ、ジョン・ハービソン、そしてジョージ・ロックバーグによるマスタークラスなどに参加しました。1995年、オバーリン大学より作曲科、英語、東洋学の修士号を得ました。

I fell in love with Japan more or less by chance towards the end of my undergraduate career when I was planning to go to graduate school in music composition. The lure of Japan was irresistible, and I was first pulled to its shores for a three-year hiatus. By the time my first foray of living in this fascinating country was about to end, I had resolved to find a way to somehow engage myself with music anew without feeling that my time spent in Japan was in vain. In essence, I wanted to combine these two passions into one synergetic pursuit. I put the wheels in motion to return to Japan, this time to study Japanese instruments and music.
 

作曲科で音楽院に進もうとしていた頃、偶然、私は日本を愛するようになりました。日本への抑えがたい魅力に惹きつけられ、私は3年間も作曲から離れてしまいました。興味の尽きないこの国から離れなければならない時期が近づいた時、日本での経験を活かしつつ、作曲への新たな意欲をかきたてることはできないか、と考えました。つまり、この二つの関心を互いに促進させるかたちで、一つの方向性を与え、邦楽器を学ぶために日本に滞在できるよう、準備を始めました。
 

 From 2000-2002 I was awarded a two-year scholarship from the Ministry of Education of Japan–now known as the Monbukagakusho Scholarship–to study and research Japanese music at Tokyo College of Music. I took applied lessons on the shakuhachi, koto, and shamisen, enrolled in graduate seminars and various performing ensembles, and studied composition with prominent Japanese composer Minoru Miki. My relationship with Mr. Miki was an integral part of my educational experience, as he entrusted me to help him with countless musical projects that helped me to become intimately familiar with orchestration and idiomatic writing for traditional Japanese instruments, most importantly translating Composing for Japanese Instruments into English, which was published by the University of Rochester Press in 2008.
 

2000年から2002年の間、日本音楽の研究のため、文部科学省の奨学金を得て東京音楽大学にに入学しました。尺八、箏、三味線のレッスン、大学院のゼミや様々なアンサンブルにも所属し、日本を代表する作曲家であった三木稔先生に作曲のレッスンを受けました。三木先生を通じて得られた経験は、私が音楽を学ぶ上で重要で、数えきれないほどのプロジェクトに参加させていただいたことにより、邦楽器のオーケストレーション、特徴的な奏法など、つぶさに知ることができました。しかし、最も多くを学んだのは、先生のお書きになられた「日本楽器法」を英語に翻訳、ロチェスター大学より出版したことでした。
 

In 2002, I became affiliated as a composer with an ensemble that was founded in 1998 called AURA-J, a professional chamber ensemble dedicated to performing and promoting new music composed for traditional Japanese and Asian instruments. Largely due to my affiliation with AURA-J, I received numerous commissions where I gradually learned how to compose idiomatically for the instruments, receiving invaluable guidance and feedback from my colleagues. Since 2000, I have focused on expanding the repertoire of contemporary music for traditional Japanese instruments and creating hybrid musical soundscapes that transcend imagined musical boundaries between cultures.

邦楽器とアジア楽器のための現代曲を専門に演奏し、1998年より活動するプロフェッショナルのクループ、オーラJ2002年に作曲家として参加させていただきました。この活動のお陰で、こういった楽器に即した作曲法を習得し始め、メンバーの皆様から貴重な示唆をいただきました。2000年より邦楽器のためのレパートリーの開拓に専念するようになり、固定観念的な「異文化の壁」を乗り 越えるような新しい音の融合を目指しています。



2) What was the first thing that came to mind when you were asked to compose a piece about "Appassionato"?  


MR: When asked to compose a work based on the theme of “Appassionato,” I immediately considered the musical-rhetorical figures found in the music of Monteverdi. In short, I sought to “discover” a musical-rhetorical element that would succinctly evoke a sense of passion. In “You left me, sweet, two legacies,” that element consists of a descending diatonic scale cast in 3/4 time that is harmonized with diatonic 9ths that resolve to 10ths from below, creating a consistent “ebb and flow” of tension (i.e. dissonance) and resolution (i.e. consonance) that fervently pushes the music forward. The primary melodic material is so simple that it allows me to embark on a series of contrapuntal variations that appear throughout the work in a variety of guises.

2)最初に「アパッショナート」のテーマで作曲を依頼されたとき、どのようなイメージを頭に思い浮かべましたか?

マーティン:「アパッショナート」で作曲を依頼を受けた時、私はすぐにモンティヴェルディ―の音楽のスタイルを思い浮かべました。つまり、情熱をかきたてる簡潔な音楽の用法を「発見」しようと努めました。「愛しいひとよ、あなたは二つの思い出を残した」では、緩急が和音による緊張と緩和の絶え間ない連続で形作られ、音楽が熱を帯びて前進するように構成しました。シンプルなメロディーを使っており、それが複旋律的な変奏を繰り返して、曲中に様々な形で現れます。



 
3) What was your favorite thing about writing a piece for this instrumentation? What were some of the challenges?  

Between the violin and violoncello, nearly five octaves can be covered, so possibilities for expressive leaps abound. The koto blends in very well with the violoncello, and various left hand techniques that subtly alter the timbre can easily be mirrored in the strings. In short, this is an instrumentation in which the imagined boundaries between the “East” and “West” can be blurred and transcended and the instruments can simply engage in a rich dialogue with each other.

3) 箏・バイオリン・チェロという楽器編成の魅力は何だと思いますか? 作曲するうえで困難なことはありましたか?


バイオリンとチェロの間では5オクターブもの音域がありますので、表現の幅は広がります。箏はチェロとブレンドし易いので、左手を使った微妙な音色の変化も、二つの弦楽器に反映させることも可能になります。端的に言いますと、この編成で固定観念的な「東と西」の境目があやふやになり、楽器同士の豊かな対話に演奏家が心砕くことができます。

It is always a challenge when incorporating a Japanese instrument in a soundscape of Western orchestral instruments because it is very difficult for Japanese instruments to modulate along with their Western counterparts. Needless to say, this can be problem because modulation is one of the most dramatic, expressive techniques used in Western compositional practices. My solution is to strategically change the tuning of the koto when there is an extended passage in the strings. Also, I often leave one or two “rogue” strings in the koto which are theoretically not in the pitch collection used. By introducing these particular pitches rather sparingly and at structurally significant moments, it gives aural illusion that the work is more chromatic than it actually is.

邦楽器を西洋楽器と組み合わせる際、常に難所となるのは、邦楽器が西洋楽器に比べて、和声の変化に対応しきれないという点があります。私が申すまでもないかもしれませんが、西洋の作曲において最も効果的にドラマを生み出すテクニックである、和声の変化が制限されるのは悩ましいことです。私の解決法は、弦楽器だけが弾く長いフレーズの間に、箏の調弦を変えることです。また、調性にない音の弦を設定し、しばらく「放置」しておく、というテクニックもよく使います。曲の転換部で、この新しい音を入れることにより、聴き手は実際よりも曲が豊かな和声で成り立っている、という印象を受けるでしょう。



4) What are some of the things you love spending time besides composing? 

MR: I have countless hobbies (too many, really!); I enjoy cycling, yoga, photography, visiting art museums, pastel and acrylic landscape painting, indigo and resist-dyeing, craft and design, and of course, traveling to foreign countries.

4)作曲以外で好きな時間の過ごし方はありますか?

マーティン:私の趣味は多岐に渡ります(多すぎるぐらいです!)。自転車、ヨガ、写真、美術館に行くこと、パステルとアクリルを使った風景画、藍染と絞染、工芸とデザイン、そして勿論、外国旅行です。

 




5) Please tell us about your future plans or projects. 

MR: During the summer of 2015 and will be spending ten weeks in Taos, NM immersing myself in various composition projects under the auspices of a Helen Wurlitzer Foundation Artist Residency Grant. I also plan to take pastel landscape painting workshops and classes to develop my skills in this new-found hobby further.

5)これからのプロジェクトなどありましたら、教えて下さい。
 

マーティン:2015年の夏、ニューメキシコ州のタオスにて、ヘレン・ウーリッツァー奨学金を得て、様々な作曲のプロジェクトに10週間打ち込みます。また、パステルによる風景画のワークショップと教室に参加し、新しく見つけた趣味のテクニックを磨きたいとも考えています。
 

In August I have been invited as the guest composer for the Prague Shakuhachi Festival and will be composing a new work for event. During academic year 2015-2016 I have been granted faculty development leave from Texas A&M and have been awarded a Clare Hall Visiting Research Fellowship from Cambridge University, UK. I am planning to write a book tentatively entitled “Cross-Cultural Approaches to Composition.”
 

8月にはプラハ尺八フェスティバルの招待を受け、新曲を発表します。201516年の学業期間は、私の所属するテキサスA&M大学から研究期間として休暇をいただき、奨学金を得てケンブリッジ大学のクレア・ホール客員研究員として、「作曲における文化交流へのアプローチ」(仮題)という本を執筆する予定です。
 

The proposed book will discuss ways in which globalization has affected cross-cultural approaches to composition, briefly trace the historical roots of this emerging genre from the late nineteenth-century up to the present day, and outline the current state of the field from the point of view of the contemporary cross-cultural composer. Analysis of several representative works–with accompanying interviews for works by living composers–will provide a framework by which one can understand different ways in which a cross-cultural composition can be approached. This project will be a way for me to crystallize issues I have been exploring in my compositional activities since 2000.
 

この本では、作曲における文化交流へのアプローチに、グローバリゼーションがどのような影響を与えたか、19世紀末に始まったこのジャンルが、現在までどのような発展を遂げたか簡単に辿り、文化交流を目指す作曲家として、この分野の現状をまとめることができれば、と願っております。このジャンルにおける代表的な作品の解析(存命中の作曲家へのインタビューも交えつつ)をすることにより、作曲においてどういったアプローチで文化交流を目指せばよいか、この分野の枠組みを示すことにより、読者が理解できるよう努めたいと思っております。このプロジェクトは、私が2000年に始めた活動において、自身の課題としている問題を総括するものとなるでしょう。





6) Please tell us more about yourself.

MR: Many people often ask me why I am drawn to music composition. The answer I usually give is this: music composition is a poetic way for my to critically engage with the world and document my experiences while developing a life-affirming sensitivity to the changes in my life and society at large. Also, it is a tool to passionately connect with other human beings, both in the sense of reaching out to audiences who become familiar with my creative work, as well as opening up doors to forge life-long bonds of friendships with performers, choreographers, directors, actors, librettists, dancers, visual artists and others involved in the creative arts who I have opportunities to collaborate with.

6)他にメッセージなどありましたら、お伝えください。
 

マーティン:私は多くの人からよく、何故作曲の道へと進んだのか、と聞かれます。私の答えはだいたいこのようなものです:作曲とは、私の人生とそれを取り巻く社会の変化を察知・肯定する能力を養いつつ、世界と批評的に関わる芸術活動です。それは私の作品に親しむ観客や、長年に渡り友情関係を培ってゆく演奏家、振付師、演出家、俳優、台本作家、ダンサー、映像作家を始めとした、表現活動に携わる人々と、情熱を持って繋がり、コラボレーションする手段でもあります。