ライカとタンノイの日々

私の好きなライカ(モノクロ写真)とタンノイ(オーディオ)を中心に、愛車(アルファロメオALFASUD 1.5ti)や椅子(ハンス ウェグナー)やスペイン旅行(バルセロナ)のことについて徒然なるままに書き綴ります。

バッハ シャコンヌ 1955年頃 モスクワでの録音

先日(2020年6月30日)私の大好きだったポーランド出身の女流ヴァイオリニスト イダ・ヘンデルが亡くなった。享年92歳、生涯独身の孤独な死であった。
父は画家で母は歌の上手なユダヤ人という家庭に育った彼女は3歳半の時すでに姉の使っていたヴァイオリンで母の歌の伴奏をしていたそうである。
その後ワルシャワからロンドンに渡り、1935年の第一回のヴィエニャフスキ国際ヴァイオリン・コンクールに僅か7歳で出場し7位に入賞している。
このコンクールは15歳のジネット・ヌヴーが優勝、2位は23歳の後の大巨匠ダヴィド・オイストラフで、そのダヴィド・オイストラフが15歳のジネット・ヌヴーの「情熱」に完敗したことを自ら認めたという有名なコンクールである。それから彼女はヌヴーと同じようにカール・フレッシュのみならずジョルジュ・エネスコにも師事することになる。(ちなみにこのコンクールではその後精神病を患い夭折する11歳の同じポーランド出身で同じカール・フレッシュ門下の悲劇の天才ヨーゼフ・ハシッドが名誉ディプロマを受賞している)
5年ほど前来日した時、年齢からいってもおそらくこれが最後の来日だろうと思った私は妻と二人分のチケットを買い遠路東京は汐留の朝日新聞のホールへでかけた。そのコンサートは主催者の不手際で散々待たされた挙句中止になってしまったのだけれど、ホールの最前列や通路で実物の彼女を見ることができたのはせめてもの救いであった。

イダ・ヘンデルが出すあの「音」は何によって作られたのだろうか?ユダヤ系のポーランド人の家庭の第二次世界大戦における運命を考えた時、幼少期にその才能によってロンドンへ(結果的に)逃れることができた彼女の戦争体験や、身近で見た姉弟子であるジネット・ヌヴーの影響等が大きいと思われるけれど、後年は何といっても指揮者セルジュ・チェリビダッケとの「音楽的恋愛」とでも言っていい出会いに因るところが大きいのだろう。チェリビダッケとのブラームスのV協の演奏は霊感と生のエネルギーに満ちた素晴らしい演奏である。彼女の告白によるとチェリビダッケとは音楽を超えて本当の恋愛に近いものがあったらしいけれども・・・

彼女は「芸術とはテクニックではなくそのテクニック使ってする<何か>なのだ」と言っている。テクニックさえあれば食べていけると思っている数多くの「演奏家」はこの言葉を噛み締めていただきたいと切に思う。
<他の追随を許さない>という言い方がある。私もそのように評価される演奏が大好きなのだが、<何によって>他の追随を許さないのかが大問題である。ヤッシャ・ハイフェッツが<テクニックの完璧さ>において他の追随を許さないというのは多分衆目の一致するところだが、イダ・ヘンデルは「演奏家」の真の目的=<深い精神性を感じさせる解釈と驚異的な集中力による情熱的・確信的な表現>において他の追随を許さないのである。コレルリの「ラ・フォーリア」もバッハの「シャコンヌ」もタルティーニの「悪魔のトリル」も大戦後から今世紀までの色々な演奏家の録音を聴いたけれども彼女以上の演奏には私は未だ出会っていない。全くもって他の追随を許さないのである。
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ヤフオクで安く落札したEL34PP全段差動平衡型アンプの改良がついに終わりました。
重複もあるけど、主な改良点は
1.信号経路の配線をカップリングコンデンサまではwestern Electricの22GAの単線に交換
(エナメル線でスズメッキはされてないものというのがポイントです。スズメッキがされているとちょっと音がギラっとするような気がします)
2.入力のボリュームを省略し固定とし、信号経路の抵抗をすべてVAR(Z201naked)に交換
(高域・低域の伸びとしなやかさが全然違いますが、たかが抵抗なのにメチャ高いです。8本でン万円!)
3.カップリングコンデンサを0.22μfのフィルムコンからデル・リトモの0.39μfオイルペーパコンに交換
(ビックリの効果!ヴァイオリンの弓がはり金から馬の毛に変わりました)
4.カップリングコンデンサ以降OPTまでのケーブルをsound geekのブラックエナメル絹2重巻き撚線に交換
(この線材は優れものですが処理が大変です、半泣きで頑張りました)
5.スピーカー端子を純銅非メッキに、XLR入力端子もテフロン絶縁金メッキに交換
(ヤフオク、ebayで安く手に入れました)
6.今回のハイライト、OPTをISO(タンゴ)のFC-25-8からアンディクス・オーディオのファインメットトランスFT-40P(1次側5KΩなので4Ωに繋いで10kΩとして使用)に交換
(大正解でした。HiFiなのにしなやか、低域は聴感上はアンプジラのような制動力、音量を上げてもうるさくない。平衡型なので正帰還にならないように気をつけてNFBは配線しました)
駄耳による主観ですが、マジで聴こえていなかった音が聴こえます。ゾクゾクするような生々しさ、もうこれで十分、これ以上何が要るのか?というような音になりました。
普遍的(ユニバーサル)な良い音というのはやはりあるような気がします。
オーディオにおける理想の音とは、主観(好み)とHiFi(情報量)の間に咲く「あだ花(幻想)」に過ぎないのでしょう。
この音を聴いて、25年以上前に、後にケーブルのブランド「ACdesign」を立ち上げることになる今は亡きK君の「情報量は主観(好き嫌い)を超越するよ」という言葉に反発して「HiFiなんかクソくらえ!オレはオレの好きな音を出す!」と息巻いた自分が少し恥ずかしい気持ちになりました。
出力は3結A級なので13Wくらいだろうけど何も問題なしです。
全段差動平衡型という素晴らしい回路に思い切って高級なパーツを使えばここまで出るんだ・・・と思いました。
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この本は2年ほど前から歴史研究所の思想史ゼミでずっと読み合わせをしていました。
それが偶然講談社のモーニングという漫画雑誌でもこの日記の連載が始まりまったのです。ビックリしました。
風太郎は東京医専(東京医科大学)の医学生でずっと日記を書いており、この大学の疎開先で終戦を迎えます。その疎開先が長野県飯田市でした。
風太郎は早熟な文学青年であり、年齢(当時23歳)を考えればその見識、思惟の深さ鋭さは恐ろしいほどです。後に忍法帖シリーズ等で大売れっ子作家になるわけですが、この日記は終戦前後の飯田市も含めた社会の様子が多感だった青年風太郎の眼を通してリアルに生々しく書かれています。
「この戦争が何であったのか」を考える時、この日記は今でも傑出した歴史の証言の一つでもあります。
当時の風太郎の同級生でもあり、疎開先である病院の一つでもあったT病院のT先生は5年前に死んだ私の父のポン友でもあり、まだ元気に御存命です。
先日講談社の担当の部長の方が取材に来られ、私がT先生のご自宅へ案内し、一緒に当時のお話を聞き貴重な写真等も複写させていただきました。漫画の単行本の飯田編は10月に発売されるそうで、それも楽しみです。私も少しだけそのお手伝いができたかなあと思っています。
写真の右端はその時講談社の担当の部長から頂いた第1巻の単行本です。

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初めてスペイン旅行へ行った30年前、旅行前にこの国がどういう国か勉強しようとして選んだ本が堀田善衛著「スペイン断章」でそれが堀田との出会いであった。その後は「ゴヤ」「ミシェル 城館の人」等たくさん読んでいるけれども、今回は堀田が日本の平安末期を描いた本の中から「方丈記私記」を選ばせてもらった。
堀田の原点はやはり戦争体験である。その中でも強烈なのは3月10日の東京大空襲の後の描写だ。大空襲の何日か後、堀田は知り合いの女性を心配し隅田川方面へ行き、ある光景に出会う。それは、革長靴を履いてベンツから降りてくる小柄な男の大空襲惨禍の視察の光景であった。焼け野原を、隅田川の累々たる死体を平然と眺める革長靴を履いた小柄な男の前に、かろうじて生き残り焼け出された人たちが集まってきて跪き「陛下、申し訳ありません。私たちの力不足でこのようなことになってしまいました」とオデコを地面に擦り付けてあやまっている光景である。それを見て堀田は日本と日本人に絶望する。なぜこの大惨禍の原因を作った側の首謀者の男に被害者である民衆が謝らなければならないのかと・・・。
そしてこの焼け野原の光景が堀田の内面で平安末期の鴨長明の描写「古都は荒れ果て、新都いまだならず。人はみな浮雲の思いをなせり」とシンクロするのである。この本で鴨長明の見方を通して乱世の無常観というようなものを堀田は私に判り易く教えてくれている。
私の大好きな、方丈記の中でも有名な言葉を紹介させていただく。
「世にしたがへば身くるし。したがはねば狂せるに似たり。いづれの所をしめて、いかなるわざをしてか、しばしもこの身をやどし、玉ゆらも心をやすむべき」
時代を冷静に見る力(人)を堀田は評価する。フランスのモンテーニュを描いた「ミシェル 城館の人」も素晴らしかった。

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この本は私のゼミ(飯田市歴史研究所・思想史ゼミ)の仲間・先輩たちが中心になって刊行した日記です。私も少しお手伝いさせていただきました。
胡桃沢・盛(くるみざわ・もり)は昭和初期から戦後すぐまで河野村(現豊丘村・河野)の村長であり、戦後間もなく自殺します。その彼の十代後半から自殺直前までのほとんど毎日の日記です。
彼(胡桃沢)は二十歳前にロシア文学を読み感動するような知的で早熟な文学青年であり、その豊かな感受性は左翼運動や宗教(天理本道)への興味や傾倒にも見て取れる。その彼がなぜ自殺しなければならなかったのか・・・
一般には彼が送り出した河野村満蒙開拓団の全滅の知らせを聞き、責任を取っての自殺と思われているけれども・・・。
確かに河野村の開拓団の最後は本当に悲惨でした。若い人が中心になって村人を皆順々に殺していったのです・・・。そして最後に生き残った(殺しつくした)人間が一人生還し、その人が今も語り部となってその様子をアチコチで伝えています・・。
言っておくけれども、その語り部の方本人はもちろん一番多くの村民を殺した殺人者であり、本人も含めた殺人行為を自分なりに正当化・美化(誰も知らないのだから当然そうなるのは止むをえないが)し、それで生きているのを私は許せない。自らの殺人を語って生きる?そんなことが道義的にも許されるのか?自らの殺人というネタを「踊り」にして<おヒネリ>をもらうなどというのは前代未聞史上最低の男芸者ではないのか?

アツくなってしまった、閑話休題
胡桃沢村長は決して開拓団の全滅の責任をとって自殺したのではない。日記を読むと全滅の知らせを本当に受け取っていたかどうかも微妙であるし、何よりその半年以上前から精神状態が不安定になっているのが判る。感性が鋭く若いころから「死」を意識してきたまじめな彼が、左翼的意識と宗教的な葛藤を内側に持ちながらも自身の決断として、村長として、その精一杯を「皇国」に尽したあげく、その「皇国」は無残にも惨めにも滅びるのである。そしてコロンと手のひらを返したように「民主主義の時代」が始まるのである。一見、思想的に深く皇国主義(天皇陛下バンザイ)を信じ、あの軍部と関係していい思いをしていた輩も平気でコロンと民主主義の旗を振ることをしたその時代の中で(その変わり身の早さ、厚顔無恥ぐあいの典型の典型はだれなのか?岸信介か?)自身の内側から純粋に皇国を、国体を信じてきた胡桃沢は一種の「燃え尽き症候群」ともいえる状態になり、精神に異常をきたすようになるのである。それが自死の主な原因である。ちゃんと日記を読めば判る。
しかしながら、歴史研究所の主な人達も取材にきた信濃毎日新聞の記者も、死因は村長として開拓団の全滅の責任をとったのだと短絡的に書く。そう書くのがストーリーとして<左翼的に>説明・納得しやすいのでそう書きたいのだろう。(イヤな人達だ)
人間は皆単純ではない、それぞれが重層性や背反性の中を生きている。胡桃沢 盛についても解釈しやすい(都合の良い)単純な一つの理由だけで死んだなどと言える訳はあるまい。
ちゃんと読もうよ!自分の脳内の都合の良いストーリーに合わせて事実(真実)を曲げるなよ!

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先輩の樽沢さんに手をあげてブックカバーチャレンジに挑戦しようと思ったのだけれど一冊も紹介しないうちにすでに後悔し始めている。
本を紹介するというのは自分自身の内面を晒すのに等しく、見る人が見れば、その人の問題意識のあり方や知性の低さがそのまま判ってしまうのである。だから常に「申し訳ありません、恥ずかしながら未だこんな本しか読んでいないのです・・・」という卑下した意識も少しは持たなければならないのだ。
いずれにしてもこういうものはカッコつけていてもすぐにバレるので、正直に読めた(理解できた)本も、頑張ったが読めなかった(理解できなかった)本も紹介させていただくことにした。
思春期に読んで感動した太宰や宮沢賢治等は除外して、30代前後から好奇心を以て接してきた何人かの作家の本を紹介したいと思う。

最初は何といっても「吉本隆明全著作集」である。若い人たちも含め1980年代以降の語りを中心にした吉本さんしか知らない方は吉本さんといえば「好々爺」のイメージがあるかもしれないけれども、仕事のし盛りだった頃の吉本さんの凄味は恐ろしいほどのものである。
人によって<何所から>吉本隆明に入っていったのかは違うだろうし、「共同幻想論」から入ったという人も多いのだろうけれども私には「転向論」が一番強烈であった。
「転向論」・・・戦争前の共産党幹部の転向を「日本封建主義の良性因子」との出会いの結果と看破し、返す刀で転向しなかったという宮本百合子らを「時代の認識・流れと関係ないところで念仏のように共産主義唱える」だけの「非転向の転向」に過ぎぬと言い切った鋭さに戦慄したのを思い出す。

この大全集は未だすべて読み切ったわけではないけれど、この頃は何故か吉本さんの初期の詩集を読むことが多い。
吉本隆明は結局「詩集」が一番凄いのかもしれないと思いながら・・・。
吉本さんはいくつもの鋭い「言葉」を残していて「日本のナショナリズム」という文の中で「井の中の蛙は,井の外に虚像をもつかぎりは,井の中にあるが,井の外に虚像をもたなければ,井の中にあること自体が,井の外とつながっている,という方法を私は択びたいと思う」と書いている。難解だが素晴らしい言葉だと思う。
吉本さんは有名な「言語にとって美とは何か」等、私には難かしい文章も多いのだけれど、その思惟の骨の太さ、射程の深さは戦後の日本人の知性の最高到達点だと個人的に確信している。
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もうソフトは買わないという宣言をしていたのだが、また買ってしまった。
買ったのは写真の右上のミルシテインのバッハ無伴奏ヴァイオリンソナタ・パルティータの単品のLPである。
同じキャピトルの手前のセット物があるのになぜこれを買ったかというと、この単品のLPは1954年のプレスで他は1955年以降らしいのである。キャピトルは1955年にEMIに吸収合併されていて、それ以前のプレスは音が違う(らしい)のである。友人はこの単品の米キャピトル盤を持っていて良い音がしていたが、私が今回買ったのは英キャピトル盤で、それはなんとDECCAのプレスだと書いてあった。聴き比べてみると確かに違う。セット物の音も古今東西ヴァイオリンの録音としては屈指の音なのだが、単品の方はさらにそれから「虚飾を剥いだ」ような、余分なものを一切取り払ったかのような音である。
ミルシテインの精神性がむき出しのまま音となって出てくるかのようだ。実に美しい・・・

考えてみれば小品というのは編成の大きなものと比べ「その演奏家個人そのもの」が表れるというのは間違いないのだろう。ただバッハの無伴奏ヴァイオリンソナタ・パルティータともなると演奏家にとってはもっとずっとずっとシビアなのではないだろうか。
(ここからは私的なドグマだけれども)バッハの無伴奏ヴァイオリンソナタ・パルティータは演奏しようとするヴァイオリニストに対して「すべての虚飾を取り去った時、音楽家として(そして一人の人間として)お前にはいったい何が残るのだ?」という命題・試験・試練を与える音楽と言っても良いと思う。

そしてその答えは(もちろん一言では言えないのだが)演奏家により様々である。
・虚飾を取り去ったら何も残っていなかった演奏家
・虚飾を取り去ったら技術(テクニック)だけが残った演奏家
・虚飾を取り去ったら精神(誠実さ)が残った演奏家
・虚飾を取り去ったら精神(情熱)が残った演奏家
・虚飾を取り去ったら精神(individualism)が残った演奏家
・虚飾を取り去ったら精神(humanism)が残った演奏家
・そのようなことは考えたこともない演奏家

ハイフェッツはどれで、シゲティはどれで、ミルシテインはどれであろうか・・・・

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例の必殺VAR=Z201 nakedがほぼ5日間でアメリカから届いた。私はparts connexionというところから買ったのだけれど、アメリカはほぼ戒厳令下だと思っていたのでデリバリーに不安があったのだが州によって違うのだろう。ビックリした。
買ったのは入力のところにシリーズで入っている47kΩが4個、2段目の6DJ8のグリッドに入るところが3.3kΩで4個、さらにEL34のグリッドのところが同じく3.3kΩで4個である。
とりあえず入力側から8個をヘタクソな半田付けで換えてみたのだが・・・・
驚いた・・・言葉を失った・・・
一言で言うと、このEL34のアンプが「ハイエンド機」になったのだ。高域は限りなく伸び、低域は深く沈む、中低域の濁りは消えて、聴こえていなかった音まで聴こえる。決定的なのはダンピング感である。昔聴いたマークレヴィンソンの20.5LやCelloのPerformance、Sumoのパワーアンプのようなウーファーを完全に制御できているかのような音の出方をするのである。このたかだか14Wの真空管アンプがThreshold SA3.9Eの上を行くのである。にわかには信じられない・・・・
この回路を推奨し続けてきた「ぺるけ」さんには脱帽である。
ただ、しかし、自作で全段差動を作っておられるような回路に詳しい方たちは掲示板・ブログ等を見る限り、得てしてパーツや線材にはあまり拘っておられないような気がする。幸か不幸か私は人文系の脳みそしかなく電子回路のことなど全く素人なので(今もコンデンサの役目など多分解っていない)その分測定器では判らぬ電線・抵抗・コンデンサの音の違いに興味を持ち、この駄耳だけで判断してきた。その成果?として良いと信じたwestern electricのエナメル単線やVishayのVARをこのアンプに使ってみようという気になったのだ。
全段差動アンプを持っておられる方はこれらを是非試していただきたい。特にお薦めのVishayのVARという抵抗は1個2500円以上というアンプを自作される方たちにすればとんでもない金額なのだけれど、やってみる価値は絶対あると思う。

さて、最後に残る問題は、この音が私のemotional responseを喚起するのか?さらにハイエンドぽくなったこの音で聴くジネット・ヌヴーやフルトヴェングラーが私のハートを、魂を揺さぶってくれるのか?ということだろう。
この30年以上の間に自分自身も装置もずいぶん変わってきた・・・。
確かに、あのふっくらしたaudio reseachのSP10+D79CやSME SPL2HE+Mcintosh MC60の音も懐かしいには違いないのだが・・・
そして、残念ながらThreshold SA3.9Eは都落ち・・・(定価100万のNelson Passの傑作がマジか?)ただ、売り払うには忍びない。多分私の店の方へ持って行ってMcintosh C28と繋いでレクタンギュラー・ヨークを鳴らすことになると思う。
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あれから何度となくThresholdのパワーと比較して聴いてみたのだが、Thresholdに比べ中低域にモヤっと濁る感じがある。低音もやや締まりすぎ(少ない)で最低域のズシンとした伸びもなくピラミッドバランスとは言い難い。その他の点は十分満足だしソロ楽器の存在感や厚みはむしろこのアンプの方が好ましいと思えた。
それで考えていたカップリングコンデンサの変更をしてみることに・・・
コンデンサも高いのは1ケ1万円以上するのだけれど、今回は前にネットワークの改造の時に良い結果だったお値打ちなPARC AUDIOの0.33uf400Vにすることにした。容量を0.22から0.33に変えれば低域もすこしは多めになるはずだ。
結果は成功で、高域の伸びは少しだけ抑えられてしまったが、他は問題なし!2段目の真空管を6DJ8の代わりに7DJ8を使っているせいもあるかもしれないけど中域は厚い音で生々しい。それでいて前にある楽器は前に、奥にある楽器はちゃんと奥にあるように聴こえる。
CDの音のチェックをする時、私がいつも聴くのはカルロス・クライバーの最初の方のニューイヤーコンサートとズスケのバッハの無伴奏のCD(断っておきますが、特に愛聴盤という訳ではなくチェックに調度良いので以前からいつもこれ)なのだけれど、どちらも少しオンぎみながら実在感がある音でけっこう感動した。
超低域のズシンとした響きはさすがに負けるのだけれどトータルではもう今の時点でSA3.9Eに近いところまできているのかもしれない。つくづくこの全段差動という回路(私のはさらに平衡型)はすばらしいと思う。
ただちょっと不思議なことは、CDは虚像が実像になったかのようで圧倒的に良いのだけれど、アナログレコードの方はThreshold SA3.9Eとそれほど変わらないのだ。
これはいったいどういうことなんだろう???・・・

いずれにしてもさらに抵抗を必殺VAR=Z201naked(アメリカに注文済)にすればメインアンプの位置を奪うことになるとかもしれない。
ほんとうにそうなるのか?
そしてその時、長い間苦楽を共にしてきたThreshold SA3.9Eはどうなるのだろう・・・

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この二つのレコード(演奏)は全く違う。
何を今さら・・・の話題で、前にも書いたことがあるかもしれない。
フルトヴェングラーのベートーヴェン3番のレコードは有名なウラニア盤の他、HMVの1952年のウィーンフィルとの盤、メロディアの青松明の盤、等がある。
私はウラニア盤とメロディアの青松明の盤の比較では、聴き比べの上、メロディアの青松明の盤だけを手元に残したのだが、世間の定説では、この両者は同じ演奏ではなく、写真のメロディア盤とHMVの1952年のウィーンフィルとの盤が同じ演奏だというのである。
個人的な判断と一応断っておくが、この2つは全く違う演奏である。緊迫感、テンションがぜんぜん違うのだ。詳細に聴けばいくつかの楽器の入り方、速さ(テンポ)等の確定的な違いもあるのだが「音楽」にとって重要な緊迫感、テンションの違いの方がもっと決定的だ。
丸山真男は戦後のフルトヴェングラーの演奏を「茹で過ぎたうどん」と言ったが、まさに言いえて妙である。1952年のウィーンフィルとの盤はメロディアの青松明に比べればまさに「茹で過ぎたうどん」なのである。
断言するがメロディアの青松明は間違いなく戦時中の録音である。ただこれがウラニア盤と同じかどうかば100%の確信はもてない。昔はよく聴き比べたが、ウラニア盤はご存じのようにかなり特殊な録音(プレス)である。全体にヴェールをとったような生々しさと厚みがあり、低音はくっきりしているものの量感は少なく、ふわっとは広がらない。金管楽器は目の前で吹いているかのように「オン」で鳴る。凄い録音、演奏なのだが、私はメロディアの方を採った。メロディアは緊迫感は同じようにあるのに、全体がピラミッドバランスであり低域の広がりも自然で鳴り方はやや「オフ」だがウィーンフィルらしいハーモニーが心地よいのである。
まあ、人それぞれ、好きのものを聴けばよいのであるが・・・・
因みに1990年代に新世界レコードから出たメロディアのM10番号の盤だけはウラニアと一緒だという人もいるけど、そんなことはない、音は悪いだけで中身は青松明と同じだ。さらに私の持っている青松明がたまたまウラニア盤と同じ大珍品なのかも・・と思い、GOST56のレニングラードプレスも買ってみたし、青松明ももう一枚微妙にラベルの印刷が違うのを買ってみたけれどみな同じ演奏だった。
定説ではピッチの問題や冒頭の出だしがどうとかこうとか言っていて装置を使って調べた人もいるらしいのだけれど、どうして「音楽」を聴いて判断しないのか・・と思う。
外国のレコードショップではメロディアの3番は「戦時中」とはっきりと書いてある。
メロディア=HMV1952年説は日本の中だけの話なんじゃないのか?
比較測定なんかしないでも「音楽」を聴けば判る。
時には「データ」より「観念」の方が信用できるのである。
生き抜く上では、カラシニコフよりラスコーリニコフを知っていることの方が有益なこともあるのだ。この例えは違うか・・(笑)
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