2012年02月10日
石井輝男シリーズ作品の、その襞の奥…
『黄線地帯』『暴走の季節』
『黄線地帯（イエローライン）』
1960年、監督：石井輝男。 石井輝男の映画を観るってぇと、ついつい、東映時代以降の「ハダカ」が出てくるものを選んでしまう。言い換えれば、新東宝時代の「サスペンス」や「ドンパチ」を後回しにしてしまうわけなんだが、決心して観てみれば、新東宝時代の映画の方が満足度は高い。それなりの品質で安定している。そして、何よりも、石井輝男の演出が鋭いし、天知茂や三原葉子が若くてムンムンしてる。 本作オープニングのモダンでスピーディな映像展開に溜息が漏れた。この時代の石井輝男は映像にキレがあるなぁ。エスニックテイストのギターがビヨンビヨンと響く無国籍なテーマ曲も素晴らしい。劇中にも、インドネシア風やジプシーキングス風の楽曲が（店内BGM等で）聴こえて、ワールドミュージック度が高い。舞台となる神戸の無国籍感を演出したのだろうけど、結果オーライ、かなり。 いきなり依頼殺人して、いきなり罠にかけられ逃亡する天知茂（スピード速ぇ！）。「気持ち悪い男。あの蛇みたいな眼…」なんて言われてる。さて、今回の天っちゃんは悪か正義か！？ってのは、毎度のお楽しみ。…と、唐突に【太る前の三原葉子】が登場して、唐突に天知と出会い、偽装夫婦として共に逃亡させられる。三原のキャラは気が強くて、ドライで、タフで、そのくせ、恋に一途で、頭が回る、そして、何よりも可愛い（これが新東宝での三原の標準で、後の東映での【デブ裸怪女優】として見世物小屋的に扱われる姿は、この時代の映像の前では痛々しい…）。 自分を裏切った組織への復讐に燃える天っちゃんが繰り返し主張する「俺をだまくらかした金持ちの豚野郎、あいつらは札束っていう弾丸で好き勝手なことをしてやがる許せねぇ野郎だ」ってのが、本作のテーマだ。そして、三原の恋人である新聞記者の吉田輝雄が疾走した三原の捜索と平行して【悪の組織】を追う。「外国人に日本人（黄色人種）を斡旋する売春組織＝黄線地帯（イエローライン）」と吉田が滑舌悪い台詞で説明してくれた【悪の組織】 は、当然のことながら、天知が追う組織と一致。男２人、女１人の多次元的三角関係がホンノリとロマンティック。「女の約束と貞操を信じる奴は低脳だ」と強がる天っちゃんが、そのクチで三原葉子に自分の身の上や殺し屋哲学や事件の真相を話す話す。約束と貞操以外の何を信じたって言うんだか…。でも、そんな天知の甘えた男心と、それを許容する三原の母性がなんか心地よく染みた。三原を探す吉田が、すぐそこまで近づいているのに、出会えないニアミス状況もキュンキュンとせつなく甘い。そんなロマンスもヒッチコックばりならば、サスペンスもヒッチ風。メッセージを書き込んだ百円札（！）が（救済信号として故意に失くしたハイヒールを買い換えた）靴屋から、他の客に渡る多重サスペンスの鮮やかさ！でもね、多重化が進み過ぎるあまり、あり得ないほどに状況が複雑化してネジれてしまい、僕は「いくつかの課題が未解決で残留したまま放棄されちゃう事態」すら覚悟。いえいえ、終盤にトントント〜ンと糸が解（ほぐ）れる、っつか、呆気なく収束して呆気にとられた。
で、結果的に、天っちゃんは【けっこう正義】。でも、殺し屋だから最期は悲劇。うむ、好い役柄でしたね。 今回は諦めかけていた【三原葉子のクネクネダンス】、終盤でキター！今回も一段と…。 それから、面白かったのが、黄線地帯の売春婦で殺害される着物姿の白人女。そっか、石井輝男の白人女虐待指向は、この頃から既にあったのか。「黒い肌の女は嫌？」なんつって（片言日本語で）誘ってくるんだけど、思いっ切り白人が黒いドーラン塗ってる。どーいうネジり方なんだ。素直に【白い白人】じゃあ駄目だったんか？
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天知茂 出演作品
三原葉子 出演作品
吉田輝雄 出演作品
メレンゲ自慢会IIの映画レビュー一覧
『暴走の季節』
1976年、監督：石井輝男。 三部作の最終作。一応は、暴走族という（当時の）実社会現象をベースに創作された劇映画、というのが当初のコンセプトであったかと思う。個人と族（組織）の関係性を俯瞰で構図化してみせた第１作目から、族組織同士の対立抗争にフォーカスされた第２作への発展もストレート過ぎる必然だ。（当時の）一般社会が捉える暴走族のイメージが想定内で増幅されたわけですね。ところが、第３作はトーンが違う。シリーズ作として捉えた本作には【（当時の）実社会現象としての暴走族】を見捨ててしまった印象がある。【暴走族映画】というカテゴリーの放棄だ。脱暴走族。一応は、主人公の岩城滉一の仲間がいて、それはチーム化していて、だから、それはつまり、暴走族なのか、と思う、一応は。でも、チームメイトと岩城滉一の関係性が希薄。組織性も連帯性も薄い。チームでの走行シーンも少ない、っつか、本作はバイク走行シーンがそもそも少ない。で、岩城滉一は、少しでもバイクに関係した仕事（自動車整備工とか）をしてれば良さそうなもんを、令嬢に雇われちゃうわけですよ。１〜２作目で見せた誇りなんか無いッスよ、岩城サン。金持ちの「ヨットの舵取り役」って、軟弱な飼い犬っスか、岩城サン？そーいう、岩城サンの【日和った転向】を際立たせるかのように、令嬢役の中島ゆたか（前作では岩城滉一と族仲間）が気取ってんだ。で、【日和って、脱暴走族】の岩城とチームメイトは、すーぐナンパするし（一応、岩城サンはナンパには加わらない）、敵対チームへの報復っつって女の子を複数でレイプしちゃうし、なんか、今回の主役側チームはコスい、男らしくない、筋が通ってない。あげく、レイプの写真撮って敵をゆすってんの。岩城サン、それでも男か？【暴走族から喚起される若者無軌道文化】みたいな社会の色眼鏡的要因を過剰に加味して、暴走族のイメージを【興味本位のスキャンダラス表現】の羅列に飛躍させた結果が本作であるように思える。第1作目で本シリーズに同調した当時の暴走族は、本作に裏切りを感じなかったのかな。何にせよ、【暴走族っぽさ】と【脱暴走族】のスタンスの軸足が確定していないため、岩城の意味無いツッパリが空回りしてたり、大乱闘がとってつけたようで、主要キャラの死に様も漫画ちっく過ぎて、『完』マークが出た時、悲劇のラストなのに「プッ」って笑っちゃったり、うーん、まぁ、【とんでも系】の【カルト映画】にしか着地してないわ…。ま、【石井輝男のカルト映画】ってのはひとつのブランドであるわけでして、それなりの怪シーンも目を引く。■お約束の【金持ちチームで幅を利かしているいけすかない男】が志垣太郎で、清水健太郎とホモ。台詞の無いシミケンの心情が本作唯一の純愛として光る一方、複数名のビキニのネーちゃんがバイクに乗って走りまわる光景は不純にエロい。■岩城滉一が中島ゆたかを担いでヨットから海に落ちるところから、ヨット脇まで泳ぎ着いてハァハァ言うシーケンスが１カットだったことも驚き。スタント使ってくれよぉ。…といった本作の見所の中でも別格が、バイク走行映像。冒頭、岩城と白バイの追いかけっこシーンが執拗。長げぇ。神社の階段をババババッと上り下りするのは、まぁいいとして、一般の建物の中とか、電車と電車の真ん中（つまり、線路の敷地内）をバイクで走行するに至って、異常。狂ってる（暴走族が、でなく、演出が！）。後半で登場する、踏み切りでバイクと電車がギリギリのクロスをするシーンが強引な合成（当然だけど、ＣＧなしの）だったので、撮影上のカラクリがあったのかは微妙ですけど。 第１作目では隊列を組んだバイク走行の圧倒的な勢いを見せ付けられたのに対して、本作ではバイク走行のトリッキーな側面が強調されている。つまり、脱暴走族ってことだ。
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中島ゆたか 出演作品
メレンゲ自慢会IIの映画レビュー一覧
【チャンバラ、ドンパチ、ハダカ、ギラギラ、時々猟奇 東映映画万歳】
『黄線地帯（イエローライン）』
1960年、監督：石井輝男。 石井輝男の映画を観るってぇと、ついつい、東映時代以降の「ハダカ」が出てくるものを選んでしまう。言い換えれば、新東宝時代の「サスペンス」や「ドンパチ」を後回しにしてしまうわけなんだが、決心して観てみれば、新東宝時代の映画の方が満足度は高い。それなりの品質で安定している。そして、何よりも、石井輝男の演出が鋭いし、天知茂や三原葉子が若くてムンムンしてる。 本作オープニングのモダンでスピーディな映像展開に溜息が漏れた。この時代の石井輝男は映像にキレがあるなぁ。エスニックテイストのギターがビヨンビヨンと響く無国籍なテーマ曲も素晴らしい。劇中にも、インドネシア風やジプシーキングス風の楽曲が（店内BGM等で）聴こえて、ワールドミュージック度が高い。舞台となる神戸の無国籍感を演出したのだろうけど、結果オーライ、かなり。 いきなり依頼殺人して、いきなり罠にかけられ逃亡する天知茂（スピード速ぇ！）。「気持ち悪い男。あの蛇みたいな眼…」なんて言われてる。さて、今回の天っちゃんは悪か正義か！？ってのは、毎度のお楽しみ。…と、唐突に【太る前の三原葉子】が登場して、唐突に天知と出会い、偽装夫婦として共に逃亡させられる。三原のキャラは気が強くて、ドライで、タフで、そのくせ、恋に一途で、頭が回る、そして、何よりも可愛い（これが新東宝での三原の標準で、後の東映での【デブ裸怪女優】として見世物小屋的に扱われる姿は、この時代の映像の前では痛々しい…）。 自分を裏切った組織への復讐に燃える天っちゃんが繰り返し主張する「俺をだまくらかした金持ちの豚野郎、あいつらは札束っていう弾丸で好き勝手なことをしてやがる許せねぇ野郎だ」ってのが、本作のテーマだ。そして、三原の恋人である新聞記者の吉田輝雄が疾走した三原の捜索と平行して【悪の組織】を追う。「外国人に日本人（黄色人種）を斡旋する売春組織＝黄線地帯（イエローライン）」と吉田が滑舌悪い台詞で説明してくれた【悪の組織】 は、当然のことながら、天知が追う組織と一致。男２人、女１人の多次元的三角関係がホンノリとロマンティック。「女の約束と貞操を信じる奴は低脳だ」と強がる天っちゃんが、そのクチで三原葉子に自分の身の上や殺し屋哲学や事件の真相を話す話す。約束と貞操以外の何を信じたって言うんだか…。でも、そんな天知の甘えた男心と、それを許容する三原の母性がなんか心地よく染みた。三原を探す吉田が、すぐそこまで近づいているのに、出会えないニアミス状況もキュンキュンとせつなく甘い。そんなロマンスもヒッチコックばりならば、サスペンスもヒッチ風。メッセージを書き込んだ百円札（！）が（救済信号として故意に失くしたハイヒールを買い換えた）靴屋から、他の客に渡る多重サスペンスの鮮やかさ！でもね、多重化が進み過ぎるあまり、あり得ないほどに状況が複雑化してネジれてしまい、僕は「いくつかの課題が未解決で残留したまま放棄されちゃう事態」すら覚悟。いえいえ、終盤にトントント〜ンと糸が解（ほぐ）れる、っつか、呆気なく収束して呆気にとられた。
で、結果的に、天っちゃんは【けっこう正義】。でも、殺し屋だから最期は悲劇。うむ、好い役柄でしたね。 今回は諦めかけていた【三原葉子のクネクネダンス】、終盤でキター！今回も一段と…。 それから、面白かったのが、黄線地帯の売春婦で殺害される着物姿の白人女。そっか、石井輝男の白人女虐待指向は、この頃から既にあったのか。「黒い肌の女は嫌？」なんつって（片言日本語で）誘ってくるんだけど、思いっ切り白人が黒いドーラン塗ってる。どーいうネジり方なんだ。素直に【白い白人】じゃあ駄目だったんか？■石井輝男監督作品検索MENU
天知茂 出演作品
三原葉子 出演作品
吉田輝雄 出演作品
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『暴走の季節』
1976年、監督：石井輝男。 三部作の最終作。一応は、暴走族という（当時の）実社会現象をベースに創作された劇映画、というのが当初のコンセプトであったかと思う。個人と族（組織）の関係性を俯瞰で構図化してみせた第１作目から、族組織同士の対立抗争にフォーカスされた第２作への発展もストレート過ぎる必然だ。（当時の）一般社会が捉える暴走族のイメージが想定内で増幅されたわけですね。ところが、第３作はトーンが違う。シリーズ作として捉えた本作には【（当時の）実社会現象としての暴走族】を見捨ててしまった印象がある。【暴走族映画】というカテゴリーの放棄だ。脱暴走族。一応は、主人公の岩城滉一の仲間がいて、それはチーム化していて、だから、それはつまり、暴走族なのか、と思う、一応は。でも、チームメイトと岩城滉一の関係性が希薄。組織性も連帯性も薄い。チームでの走行シーンも少ない、っつか、本作はバイク走行シーンがそもそも少ない。で、岩城滉一は、少しでもバイクに関係した仕事（自動車整備工とか）をしてれば良さそうなもんを、令嬢に雇われちゃうわけですよ。１〜２作目で見せた誇りなんか無いッスよ、岩城サン。金持ちの「ヨットの舵取り役」って、軟弱な飼い犬っスか、岩城サン？そーいう、岩城サンの【日和った転向】を際立たせるかのように、令嬢役の中島ゆたか（前作では岩城滉一と族仲間）が気取ってんだ。で、【日和って、脱暴走族】の岩城とチームメイトは、すーぐナンパするし（一応、岩城サンはナンパには加わらない）、敵対チームへの報復っつって女の子を複数でレイプしちゃうし、なんか、今回の主役側チームはコスい、男らしくない、筋が通ってない。あげく、レイプの写真撮って敵をゆすってんの。岩城サン、それでも男か？【暴走族から喚起される若者無軌道文化】みたいな社会の色眼鏡的要因を過剰に加味して、暴走族のイメージを【興味本位のスキャンダラス表現】の羅列に飛躍させた結果が本作であるように思える。第1作目で本シリーズに同調した当時の暴走族は、本作に裏切りを感じなかったのかな。何にせよ、【暴走族っぽさ】と【脱暴走族】のスタンスの軸足が確定していないため、岩城の意味無いツッパリが空回りしてたり、大乱闘がとってつけたようで、主要キャラの死に様も漫画ちっく過ぎて、『完』マークが出た時、悲劇のラストなのに「プッ」って笑っちゃったり、うーん、まぁ、【とんでも系】の【カルト映画】にしか着地してないわ…。ま、【石井輝男のカルト映画】ってのはひとつのブランドであるわけでして、それなりの怪シーンも目を引く。■お約束の【金持ちチームで幅を利かしているいけすかない男】が志垣太郎で、清水健太郎とホモ。台詞の無いシミケンの心情が本作唯一の純愛として光る一方、複数名のビキニのネーちゃんがバイクに乗って走りまわる光景は不純にエロい。■岩城滉一が中島ゆたかを担いでヨットから海に落ちるところから、ヨット脇まで泳ぎ着いてハァハァ言うシーケンスが１カットだったことも驚き。スタント使ってくれよぉ。…といった本作の見所の中でも別格が、バイク走行映像。冒頭、岩城と白バイの追いかけっこシーンが執拗。長げぇ。神社の階段をババババッと上り下りするのは、まぁいいとして、一般の建物の中とか、電車と電車の真ん中（つまり、線路の敷地内）をバイクで走行するに至って、異常。狂ってる（暴走族が、でなく、演出が！）。後半で登場する、踏み切りでバイクと電車がギリギリのクロスをするシーンが強引な合成（当然だけど、ＣＧなしの）だったので、撮影上のカラクリがあったのかは微妙ですけど。 第１作目では隊列を組んだバイク走行の圧倒的な勢いを見せ付けられたのに対して、本作ではバイク走行のトリッキーな側面が強調されている。つまり、脱暴走族ってことだ。■石井輝男監督作品検索MENU
中島ゆたか 出演作品
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【チャンバラ、ドンパチ、ハダカ、ギラギラ、時々猟奇 東映映画万歳】
2012年02月08日
いつもの神代辰巳ワールド
『恋人たちは濡れた』『黒薔薇昇天』
『恋人たちは濡れた』
1973年、監督：神代辰巳。 なんだか、【いつもの神代辰巳ワールド】で嬉しくなっちゃった。 ここで、【いつもの神代辰巳ワールド】に関する中間報告をしておく。いい機会だから。って、どんな機会だ…。 時代の空気を腹いっぱいに吸い込んで、その結果、活力を得たりするわけではなく、時代の空気を含んだゲップをしただけ。そんで、【餃子臭の漂う時代の空気】をそこに歴然と刻んでしまう、そーいう類の【作家性（だけ）に牽引された映画】ってのが、【いつもの神代辰巳ワールド】なのかな、と。神代映画の根幹を成す【神代辰巳の気分】が、何の比喩でもなく、そのまんま【気分】なものだから、一方的に【時代の気分】を象徴してしまうのだろうか。都合いいけど、それ、事実なんだろうなぁ。で、【神代の気分】と【時代の気分】に、【役者の気分】が加われば、【極上の神代辰巳ワールド】が完成（聴くとこによれば、神代監督って、役者の感性や発想に任せた自由な芝居や台詞回しをさせちゃうんでしょ？）。その点、ショーケンは【神代や時代の気分】と完璧にシンクロし、増幅させたってわけなのだけど（あ、僕にとって、神代作品の最高傑作って『青春の蹉跌』なんスよ）、本作にはショーケンが不在。【無目的で無気力で無軌道な若者達】という、いつものアレが描かれているわけなのだけれども、【役者に委ねられたはずの表現力】があまりに薄い。ショーケンみたいにはいかないね。役者の技量の問題だろう。下手すぎ。マチャアキ崩れみたいな主役の男（大江徹）、グサグサ刺さるほどに平坦な芝居と存在感だ。コイツが何度か繰り返す「こんにちは〜、こんにちは〜、世界の国から〜♪」（『世界の国からこんにちは』）の薄さと、ショーケンの「エンヤ〜トット、エンヤ〜トット」の濃さの違いってどうよ？ だからさ、結局、本作は【文学性の高いポルノ】ではあるけれども、神代作品の中では【ポルノはポルノ】ってステータスでしかないように思える。
けどさ、ポルノとして本作は機能性が高い、意外にも。あ、エロいッスよ、充分に。ビクビク、オドオドと挑発する絵沢萌子、エロ〜〜〜！（それこそ）崩れた体型が、また、エロ〜〜〜〜！たいしてロマンティックでもなく、ただただムキ出しの野外セックスの貧乏臭さがエロ〜〜〜〜〜！ラストの【裸の馬跳び】、エロい上に、これ、名場面だ、悔しいけど…。「あなたって【崩れたこと】言うのね。」（絵沢萌子）「“みっともねぇ”っての嫌いじゃないよ、俺は･･･」（大江徹）などの空虚さを精一杯に昇華させたような台詞も、なんか、僕には気分だった。エロと文学性が【気分】として融合。文学性が高まり、観念的になる一歩手前でポーンと空っぽになっちゃう感覚がいいなぁ。そこで、無気力なセックスシーンにトーンと突入。【気分的】でありながらも、ユッタリとしたリズムだけは持っている。それも、緻密な計算や設計であるよりは、神代個人のリズム感（＝鼓動や呼吸）が自然に出ているだけって気もするけど。 そして、最終シーンは、『青春の蹉跌』同様に【スカッと空振りしたかのような絶望感】。これ、気持ちいいんだ。充分想像の範疇にはあったはずの絶望も「ホヨ〜ン」と訪れることで、そのイベント性以上に、その空虚感を引き出し、だから、その絶望感すらをササッと立ち去らせて、映像内と鑑賞側の空虚だけがポツンと残って余韻を残す。そんなラストシーンに相変わらずの神代節を感じ、僕の気分は、またしても、神代ワールドに同調。あぁ、これ、いい映画じゃんか。悔しい。またしても、やられた。
絵沢萠子 出演作品
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『黒薔薇昇天』
1975年、監督：神代辰巳。 より私小説的な手法においてこそ、神代辰巳の【気分的表現】の特性は優位性を帯びるだろう。ブルーフィルムの制作チームが主役。全てが等身大っぽくて、そこに、特殊な愛情とか思い入れを注入するでもなく、「これが普段の俺等ですけどぉ･･･」なんつって、無愛想に差し出されたビデオレターみたいな質感だ。それでもその内容が、あまりにも、等身大で、無思想で、気分的であるが故に、本作の場合もまた、充分に【作品】として成立している。神代辰巳は、自分の何ら価値の無い寝言さえも【作品】化できるタイプのとんでもない表現者なのかも知れない。本作のチンタラした、何も語っていない（＝テーマ不在の）物語が見事に【気分的文学】の質感を帯びる。そう、つまりは私小説的ってことで。【「だから何なの･･･？」な感覚】は、もはや、それが前提条件でさえあるかに思え、そんでまた、これは、妙に納得させられちゃうし、不思議と退屈じゃない、っつか、面白いんだからまいっちゃう。 本作においては、【神代辰巳の気分】と【時代の気分】に対してガップリと互角以上に【役者の気分】が食い込んでいる。岸田森の登場だ。いいぞ〜。岸田森の調子よくて、小さくアウトローなスタイルとスタンスが抜群だ。下品なのに品格がある。悪いのに優しさがある。ロクデナシなのに信念がある。そんな矛盾した人格が、全く違和感を伴わずに、確かにそこに在る。在るんだから仕方がない。そんな岸田森が【ブルーフィルム制作】を【芸術活動】だって言い張るわけなのだけれども、それも、仕方が無いです、岸田森が言い張るんだから。で、言うに事欠いて、「（ブルーフィルム監督としての）ワイの心理は、ワイが尊敬する大島渚（「なぎは」と発声）ハンや今村昌平ハンと少しも変わらんつもりやで！」とか主張しちゃう。くーっ！この発言、世間的にはアウトでも、岸田森の中では充分にセーフで、しょうがないから、そうやって生きて行ってもらうしかない（故人だけど…）。で、そんな姿勢を軽蔑する気にはなれない。いいなぁ、岸田森って得だなぁ。そんでまた、女優陣がいい。その生活臭が強ければ強いほど可愛い芹明香は、中盤以降の妊婦姿は、相変わらず素敵な細い身体への冒涜とさえ思えた。やば、俺、芹明香の身体、まじで好きだぁ。その芹明香と対比されるようにフックラしたボディを晒すのが谷ナオミ。谷ナオミの品格と美貌がエロとせめぎあう様は、確かに瞬間的に【芸術】だ（岸田森は「女菩薩や」と表現）。そこには、確かに、AVなんぞでは太刀打ちできない真性のエロがある！ついでに「ありきたり」を言わせてもらえば、【ブルーフィルム】と【ＡＶ】はやっぱ違うと思う。【ＡＶ出身の女優がテレビでアイドルになっちゃうの】と、【ブルーフィルムにヒッソリと出演していた女が、とある大物女優の過去だった】ってな話は全く違う。だから、きっと、ブルーフィルムとＡＶでは哀しさが違う。そんで、ブルーフィルムの監督とＡＶの監督では意識が違う。そんで、神代辰巳はブルーフィルムの監督像を等身大で提示し、軽く誇らしげにしている実情が本作の主張なのであって、ま、そんな主張は、普通に生活している我々一般市民にはど〜でもいいことであって、だからこそ、そんな神代の誇りが僕にはクスクスと可笑しくて、なんだか、ジンワリと好きだ。ナニの最中、ず〜っと喋りっぱなしの岸田森が、当人と相方の谷ナオミを燃えさせるんだろうけど、鑑賞者にはうっとおしくて耳障りな光景さえも、その状況を等身大で投げつけた神代の感覚と、それを完全に体現する岸田森の肉体がある限り、僕は、そこに、今の時間を全て託すことができる。おっと、いつの間にか信頼関係が出来てるぞ･･･。 そんな【気分】で観れば、ブルーフィルムのアフレコ用の音源採集の場面など、楽しくて、哀しくて、素敵に創造的で芸術的に思えてきた。【犬のハアハア】や【猫の（ミルク）ピチャピチャ】はまだしも、【歯医者で「痛い、堪忍して･･･」と悶絶する声】や、【力士の勝利インタビューの「ハァハァ】に至って爆笑。
芹明香 出演作品
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『恋人たちは濡れた』
1973年、監督：神代辰巳。 なんだか、【いつもの神代辰巳ワールド】で嬉しくなっちゃった。 ここで、【いつもの神代辰巳ワールド】に関する中間報告をしておく。いい機会だから。って、どんな機会だ…。 時代の空気を腹いっぱいに吸い込んで、その結果、活力を得たりするわけではなく、時代の空気を含んだゲップをしただけ。そんで、【餃子臭の漂う時代の空気】をそこに歴然と刻んでしまう、そーいう類の【作家性（だけ）に牽引された映画】ってのが、【いつもの神代辰巳ワールド】なのかな、と。神代映画の根幹を成す【神代辰巳の気分】が、何の比喩でもなく、そのまんま【気分】なものだから、一方的に【時代の気分】を象徴してしまうのだろうか。都合いいけど、それ、事実なんだろうなぁ。で、【神代の気分】と【時代の気分】に、【役者の気分】が加われば、【極上の神代辰巳ワールド】が完成（聴くとこによれば、神代監督って、役者の感性や発想に任せた自由な芝居や台詞回しをさせちゃうんでしょ？）。その点、ショーケンは【神代や時代の気分】と完璧にシンクロし、増幅させたってわけなのだけど（あ、僕にとって、神代作品の最高傑作って『青春の蹉跌』なんスよ）、本作にはショーケンが不在。【無目的で無気力で無軌道な若者達】という、いつものアレが描かれているわけなのだけれども、【役者に委ねられたはずの表現力】があまりに薄い。ショーケンみたいにはいかないね。役者の技量の問題だろう。下手すぎ。マチャアキ崩れみたいな主役の男（大江徹）、グサグサ刺さるほどに平坦な芝居と存在感だ。コイツが何度か繰り返す「こんにちは〜、こんにちは〜、世界の国から〜♪」（『世界の国からこんにちは』）の薄さと、ショーケンの「エンヤ〜トット、エンヤ〜トット」の濃さの違いってどうよ？ だからさ、結局、本作は【文学性の高いポルノ】ではあるけれども、神代作品の中では【ポルノはポルノ】ってステータスでしかないように思える。 
けどさ、ポルノとして本作は機能性が高い、意外にも。あ、エロいッスよ、充分に。ビクビク、オドオドと挑発する絵沢萌子、エロ〜〜〜！（それこそ）崩れた体型が、また、エロ〜〜〜〜！たいしてロマンティックでもなく、ただただムキ出しの野外セックスの貧乏臭さがエロ〜〜〜〜〜！ラストの【裸の馬跳び】、エロい上に、これ、名場面だ、悔しいけど…。「あなたって【崩れたこと】言うのね。」（絵沢萌子）「“みっともねぇ”っての嫌いじゃないよ、俺は･･･」（大江徹）などの空虚さを精一杯に昇華させたような台詞も、なんか、僕には気分だった。エロと文学性が【気分】として融合。文学性が高まり、観念的になる一歩手前でポーンと空っぽになっちゃう感覚がいいなぁ。そこで、無気力なセックスシーンにトーンと突入。【気分的】でありながらも、ユッタリとしたリズムだけは持っている。それも、緻密な計算や設計であるよりは、神代個人のリズム感（＝鼓動や呼吸）が自然に出ているだけって気もするけど。 そして、最終シーンは、『青春の蹉跌』同様に【スカッと空振りしたかのような絶望感】。これ、気持ちいいんだ。充分想像の範疇にはあったはずの絶望も「ホヨ〜ン」と訪れることで、そのイベント性以上に、その空虚感を引き出し、だから、その絶望感すらをササッと立ち去らせて、映像内と鑑賞側の空虚だけがポツンと残って余韻を残す。そんなラストシーンに相変わらずの神代節を感じ、僕の気分は、またしても、神代ワールドに同調。あぁ、これ、いい映画じゃんか。悔しい。またしても、やられた。絵沢萠子 出演作品
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『黒薔薇昇天』
1975年、監督：神代辰巳。 より私小説的な手法においてこそ、神代辰巳の【気分的表現】の特性は優位性を帯びるだろう。ブルーフィルムの制作チームが主役。全てが等身大っぽくて、そこに、特殊な愛情とか思い入れを注入するでもなく、「これが普段の俺等ですけどぉ･･･」なんつって、無愛想に差し出されたビデオレターみたいな質感だ。それでもその内容が、あまりにも、等身大で、無思想で、気分的であるが故に、本作の場合もまた、充分に【作品】として成立している。神代辰巳は、自分の何ら価値の無い寝言さえも【作品】化できるタイプのとんでもない表現者なのかも知れない。本作のチンタラした、何も語っていない（＝テーマ不在の）物語が見事に【気分的文学】の質感を帯びる。そう、つまりは私小説的ってことで。【「だから何なの･･･？」な感覚】は、もはや、それが前提条件でさえあるかに思え、そんでまた、これは、妙に納得させられちゃうし、不思議と退屈じゃない、っつか、面白いんだからまいっちゃう。 本作においては、【神代辰巳の気分】と【時代の気分】に対してガップリと互角以上に【役者の気分】が食い込んでいる。岸田森の登場だ。いいぞ〜。岸田森の調子よくて、小さくアウトローなスタイルとスタンスが抜群だ。下品なのに品格がある。悪いのに優しさがある。ロクデナシなのに信念がある。そんな矛盾した人格が、全く違和感を伴わずに、確かにそこに在る。在るんだから仕方がない。そんな岸田森が【ブルーフィルム制作】を【芸術活動】だって言い張るわけなのだけれども、それも、仕方が無いです、岸田森が言い張るんだから。で、言うに事欠いて、「（ブルーフィルム監督としての）ワイの心理は、ワイが尊敬する大島渚（「なぎは」と発声）ハンや今村昌平ハンと少しも変わらんつもりやで！」とか主張しちゃう。くーっ！この発言、世間的にはアウトでも、岸田森の中では充分にセーフで、しょうがないから、そうやって生きて行ってもらうしかない（故人だけど…）。で、そんな姿勢を軽蔑する気にはなれない。いいなぁ、岸田森って得だなぁ。そんでまた、女優陣がいい。その生活臭が強ければ強いほど可愛い芹明香は、中盤以降の妊婦姿は、相変わらず素敵な細い身体への冒涜とさえ思えた。やば、俺、芹明香の身体、まじで好きだぁ。その芹明香と対比されるようにフックラしたボディを晒すのが谷ナオミ。谷ナオミの品格と美貌がエロとせめぎあう様は、確かに瞬間的に【芸術】だ（岸田森は「女菩薩や」と表現）。そこには、確かに、AVなんぞでは太刀打ちできない真性のエロがある！ついでに「ありきたり」を言わせてもらえば、【ブルーフィルム】と【ＡＶ】はやっぱ違うと思う。【ＡＶ出身の女優がテレビでアイドルになっちゃうの】と、【ブルーフィルムにヒッソリと出演していた女が、とある大物女優の過去だった】ってな話は全く違う。だから、きっと、ブルーフィルムとＡＶでは哀しさが違う。そんで、ブルーフィルムの監督とＡＶの監督では意識が違う。そんで、神代辰巳はブルーフィルムの監督像を等身大で提示し、軽く誇らしげにしている実情が本作の主張なのであって、ま、そんな主張は、普通に生活している我々一般市民にはど〜でもいいことであって、だからこそ、そんな神代の誇りが僕にはクスクスと可笑しくて、なんだか、ジンワリと好きだ。ナニの最中、ず〜っと喋りっぱなしの岸田森が、当人と相方の谷ナオミを燃えさせるんだろうけど、鑑賞者にはうっとおしくて耳障りな光景さえも、その状況を等身大で投げつけた神代の感覚と、それを完全に体現する岸田森の肉体がある限り、僕は、そこに、今の時間を全て託すことができる。おっと、いつの間にか信頼関係が出来てるぞ･･･。 そんな【気分】で観れば、ブルーフィルムのアフレコ用の音源採集の場面など、楽しくて、哀しくて、素敵に創造的で芸術的に思えてきた。【犬のハアハア】や【猫の（ミルク）ピチャピチャ】はまだしも、【歯医者で「痛い、堪忍して･･･」と悶絶する声】や、【力士の勝利インタビューの「ハァハァ】に至って爆笑。芹明香 出演作品
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2012年02月03日
呪縛のブラックスワン
『ブラック・スワン（原題： BLACK SWAN）』
2010年、監督：ダーレン・アロノフスキー。 心の奥底に軽くタッチされたような気分。あぁ、僕は、わかるわ。主人公ニナ（ナタリー・ポートマン）が抱えているものが理解できるわ（理解できないのは、ニナがバレエ界の頂点から見下ろした光景だけ。理解できない、っつか、知らない。見渡せるものなら見渡したい！）。 必死に勝ち取った大役のプレッシャーをきっかけにニナの精神がガタガタに揺れ始めるわけなのだけれども、ニナの苦難を【『白鳥の湖』主演のプレッシャー】って次元で捉えたら、ニナは過剰にセンシブルな人間ってことになって、ちょっと、問題の核心がズレるような気がする。だからと言って、濃厚な色欲の演出家とか、奔放なライバルからの外圧とも違う。だって、ニナには、この状況に至る以前からの特性が大きいわけですから。
うん、やっぱ、母親の存在が大きいと思えるわけです。自身がバレリーナとして大成することを目指し、ニナを身篭ったことで、その目標を諦めた母親の存在。母親は、「ニナに自身の夢を託す」という立場と動機でニナと接しているわけなのだけれども、真実ってのは、常に美しい言葉の背後で腐敗しているわけで、つまり、ニナに対する母親の感情は憎悪が勝っているわけなんですね。だから、母親は、ニナが一流のバレリーナのスキルを獲得することに自分の人生を捧げさえするけれども、実は、ニナの成功を願ってはいない、という大きなジレンマをニナの人生に突きつけ続けたわけです。だから、ニナの心の奥底には、自分の成功を阻止する要因が予め備わっていて、それが、重大な場面で発動される。それは、ニナの母親がニナにかけた呪いの分量と等分だ。ニナは、母親がかけた呪いの実態を知らずに、まるで、自分の【負の資質】であるかのように内省し、悶え苦しんでいるわけです。心の中が始終ミシミシと軋（きし）んでいるわけです。そして、いつも、母親の視線を感じている。見張られているようで、充分にストレスの要因であるはずなのに、それを【自分が依存する大好きで優しい母親の慈愛】であるように思い込んでいる（親子関係で最も悲劇的な関係性であると僕は思う）。母親の視線に脅えながら隠れて行う性行為の背徳感は、ニナを満足させないし、自己嫌悪に追い込むだけ。しかし、バレエ以外の出口は母親によって封鎖されている。ニナの部屋に積まれたヌイグルミは、母親がニナを幽閉するために作った要塞であり監獄だ。あらゆる矛盾を、自分の人生の標準として成長してきたニナだから、常に違和感を感じ続け、その違和感がピークに達するとパニックを起こしてしまう。背中を爪で掻き毟るわけだ。これは、ニナの魂がヘルプを出しているわけですね。【人生の変化】が日常を揺るがすことで、違和感は簡単に増幅するわけで、全てのイベントが違和感→パニックに連鎖してしまう人生は過酷だ。バレエで誰かに認められるとか、入賞するとか、キャスティングされるといったイベントのたびに、パニックが起きるってことで、やっぱり、母親の仕掛けた罠は残酷だ。バレエのスキルを上げさせ、上がったスキルで獲得した名誉が、本人を苦しめるというスパイラル型の罠。 で、本作では、ニナが母親の呪縛を脱し、解放される物語なのだけれども、ニナを救済するのがリリーというバレエのライバル。背中に黒いタトゥーを背負うリリーはニナにとって、邪悪でもあり、希望でもあり、憧れでもある、そんな存在。そして、リアルなのか、夢想なのか、境界が曖昧な【ニナのビジュアル】にリリーは執拗に登場する。ニナにとってはリリーからの直接的なプレッシャーに感じられるのだけれども、リリーとのアレコレが母親の呪縛を融解し、また、立ちすくむニナの背中を強く押し出す。この視点の変化や立体性が、本作のパースペクティブを形成し、僕の集中力を向上させる。息を飲みながら観た。
取り立てて特殊ではない人間の心の闇（精神症の臨床例）を、特殊な立場の人間に託し、ドラマとして発展させる。そんな構成は、デヴィッド・リンチの映画作品を思わせる。ニナがストレスからの逃避も含め、幻想的なビジョンを見続ける経緯もリンチ的だし、ニナの救済者が【異形】の形状をとっている点もリンチ的。 ナタリー・ポートマンはリンチ映画にも似合いそうな気がする。
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2010年、監督：ダーレン・アロノフスキー。 心の奥底に軽くタッチされたような気分。あぁ、僕は、わかるわ。主人公ニナ（ナタリー・ポートマン）が抱えているものが理解できるわ（理解できないのは、ニナがバレエ界の頂点から見下ろした光景だけ。理解できない、っつか、知らない。見渡せるものなら見渡したい！）。 必死に勝ち取った大役のプレッシャーをきっかけにニナの精神がガタガタに揺れ始めるわけなのだけれども、ニナの苦難を【『白鳥の湖』主演のプレッシャー】って次元で捉えたら、ニナは過剰にセンシブルな人間ってことになって、ちょっと、問題の核心がズレるような気がする。だからと言って、濃厚な色欲の演出家とか、奔放なライバルからの外圧とも違う。だって、ニナには、この状況に至る以前からの特性が大きいわけですから。
うん、やっぱ、母親の存在が大きいと思えるわけです。自身がバレリーナとして大成することを目指し、ニナを身篭ったことで、その目標を諦めた母親の存在。母親は、「ニナに自身の夢を託す」という立場と動機でニナと接しているわけなのだけれども、真実ってのは、常に美しい言葉の背後で腐敗しているわけで、つまり、ニナに対する母親の感情は憎悪が勝っているわけなんですね。だから、母親は、ニナが一流のバレリーナのスキルを獲得することに自分の人生を捧げさえするけれども、実は、ニナの成功を願ってはいない、という大きなジレンマをニナの人生に突きつけ続けたわけです。だから、ニナの心の奥底には、自分の成功を阻止する要因が予め備わっていて、それが、重大な場面で発動される。それは、ニナの母親がニナにかけた呪いの分量と等分だ。ニナは、母親がかけた呪いの実態を知らずに、まるで、自分の【負の資質】であるかのように内省し、悶え苦しんでいるわけです。心の中が始終ミシミシと軋（きし）んでいるわけです。そして、いつも、母親の視線を感じている。見張られているようで、充分にストレスの要因であるはずなのに、それを【自分が依存する大好きで優しい母親の慈愛】であるように思い込んでいる（親子関係で最も悲劇的な関係性であると僕は思う）。母親の視線に脅えながら隠れて行う性行為の背徳感は、ニナを満足させないし、自己嫌悪に追い込むだけ。しかし、バレエ以外の出口は母親によって封鎖されている。ニナの部屋に積まれたヌイグルミは、母親がニナを幽閉するために作った要塞であり監獄だ。あらゆる矛盾を、自分の人生の標準として成長してきたニナだから、常に違和感を感じ続け、その違和感がピークに達するとパニックを起こしてしまう。背中を爪で掻き毟るわけだ。これは、ニナの魂がヘルプを出しているわけですね。【人生の変化】が日常を揺るがすことで、違和感は簡単に増幅するわけで、全てのイベントが違和感→パニックに連鎖してしまう人生は過酷だ。バレエで誰かに認められるとか、入賞するとか、キャスティングされるといったイベントのたびに、パニックが起きるってことで、やっぱり、母親の仕掛けた罠は残酷だ。バレエのスキルを上げさせ、上がったスキルで獲得した名誉が、本人を苦しめるというスパイラル型の罠。 で、本作では、ニナが母親の呪縛を脱し、解放される物語なのだけれども、ニナを救済するのがリリーというバレエのライバル。背中に黒いタトゥーを背負うリリーはニナにとって、邪悪でもあり、希望でもあり、憧れでもある、そんな存在。そして、リアルなのか、夢想なのか、境界が曖昧な【ニナのビジュアル】にリリーは執拗に登場する。ニナにとってはリリーからの直接的なプレッシャーに感じられるのだけれども、リリーとのアレコレが母親の呪縛を融解し、また、立ちすくむニナの背中を強く押し出す。この視点の変化や立体性が、本作のパースペクティブを形成し、僕の集中力を向上させる。息を飲みながら観た。 取り立てて特殊ではない人間の心の闇（精神症の臨床例）を、特殊な立場の人間に託し、ドラマとして発展させる。そんな構成は、デヴィッド・リンチの映画作品を思わせる。ニナがストレスからの逃避も含め、幻想的なビジョンを見続ける経緯もリンチ的だし、ニナの救済者が【異形】の形状をとっている点もリンチ的。 ナタリー・ポートマンはリンチ映画にも似合いそうな気がする。
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2012年02月01日
理屈女の性に理屈っぽく興奮
『ＴＡＮＮＫＡ 短歌』
2006年、監督：阿木燿子。 え〜、これが俵万智の原作なの？ まずは、そのことに驚きだ。 本作の特性は、生々しい恋愛と性の光景であり、それ以上に、その光景にビシシッと張り付いた当事者である女性の生々しい心情であり、その光景と心情が【目の前の実寸大】という程にヌラヌラと生々しいベクトルで絡み合っている実情が本作のスキャンダラスな側面を形成しているわけなのだけれども、この光景や心情は実体験に基づいた鼓動のようなものが注入されない限りアウトプットされ得ないものだと思うわけなんです。もちろん、監督である阿木燿子の感性がドピュドピュと注入された成果でもあると思う。しかし、エピソードの都度に紹介される艶めかしい短歌は、すなわち、原作者である俵万智からダイレクトに発せられる告白であり、やっぱ、俵万智の功績が大きいのだと単純に思う（劇中で紹介される短歌はどれも着眼が鋭く、表現が鋭い。）。そっかぁ、万智は性の歓びに目覚めてくれたかぁ。僕の勉強不足なんだけど、『サラダ記念日』でイメージが停止・定着している俵万智に似つかわしくないはずの【性の（それも、大胆で積極的な性の）イメージ】が、この映画を通して、俵万智の【実生活の性】として匂い立つ、そのギャップにドギマギする。隣の家の勉強が出来るけど、魅力の乏しかったお姉さん（血縁でなく）が出産して「そっかぁ、セックスしたのかぁ…」という実態に改めて気づき、グラビアアイドルへの欲情とは全く別の形で興奮しちゃう、とか、そーいうドギマギ感（あ、そーいう経験があるわけじゃないんスけどね）。ドギマギしっぱなしの僕にとって唯一の救いは、女の身体や性に対するアプローチがすんごく思考的であって、肉体的ではないところが、さすがは【隣の家の勉強が出来るお姉さん（血縁でなく）】ってところだ。救われてもしょうがないけど…。
俵万智の視点は観察的だ。自分の身体の変化にさえ容赦ない。突如起動した身体の隅々の反応に対して脅威を感じるよりは、研究対象として細かく確認・検証して、その１つ１つに詳細に意味を与えて定義しているような生真面目なエロ。そのスタンスは、【性の表現】としては、僕にとっては、それなりに斬新（女性誌などでは、定番的な表現なのかも知れませんけど…）。でもね、ベリーダンスとセックスを直線的に結びつける事例に顕著な【融通が利いていないセンス】は硬くて直線的だ。生真面目で理屈っぽい。セックスの奥座敷に入る前に玄関口で理屈っぽく騒ぎ立てているような感じ（本作での中山忍は、まさにそーいうキャラ。そのクチで「（亭主の）アレが立たないって」とか言われても、全然興奮しねぇや）。で、その理屈臭いエロのセンス自体は軽くうっとおしいのだけれども、でもさ、その理屈女が理屈を放棄しないままに、結果的には鮮度の高い愛液をジュクジュクに滴らせている、っていう構図は、ありがたいくらいにエロい。あ、だから、【隣の家の勉強が出来るお姉さん（血縁でなく）】の脳内で猛り狂う性欲求の正体を知った時の隠微な味わいと同質ってことですよね。
エロな視点から離れて言うならば、表現者の視点が自分の身体と心情に完全にフォーカスしているから、「恋愛（セックス）って、こーいうもんよね」的な汎用性よりも「汎用的なセックスで特異な瞬間を得た私」だけを語りきる姿勢が、すっごく微細な心境を見事に拾い上げている面も見逃せない。例えば、初めてヤッて、嬉しくなっちゃって、相手にドドーンと入り込んで、相手がドドーンと入り込んでくる、あの感じ（ほらほら、女の子が男の子の肩に頭を預けて、歓びを噛み殺しながら「私達、付き合うの？」なんつって問いかける、あの感じ）がすっごくリアルに溢れ出している。なんか、懐かしい。これさ、【その人との一回目のセックス】だけに有効な感覚だと思うのだけれども、そんな感覚を、表現物からリアルに味わったのは初めてかも。もう、初セックスの歓びへのアプローチにおいて、一切の妥協なしって感じよ。
で、セックスシーン満載で（ロマンポルノより頻度も比率も高いと思う）、出演者は確実に全裸で、そりゃ確かに黒谷友香のオッパイは見えるのだけれども、局部に意識を集中させる映像なんて皆無で（男目線じゃないですね、完全に）、ソッチ側（外観的なビジュアル）の期待は裏切られる反面、内面的なエロさの尖がり方は尋常じゃない。ＡＶとは完全に間逆の作用がある。
…と、概ね好感を抱いた映画だったのだけれども、２点ミソがついたな。１つは恋愛対象の男のイメージ。仕事熱心でちょっと冷たくてズルい中年の不倫相手（村上弘明）と、軽くて思想の無い若い恋人（黄川田将也）という設定が、すっごく凡庸だ。フォーカスした【自分の身体と心情】を論証するための論拠として並べられている【超汎用要因】みたいで薄っぺらい。そんで、恋愛対象を、判り易い凡例としてカテゴライズするってことは、その後に、自分の言い訳が始まる、ってのが世の中の道筋だ。はい、来た来た。不倫愛と二股愛の総括。そこで理屈と自己憐憫が爆発。でもさ、不倫に苦しんでいる女の心境を一方的に語られるのは、やっぱ、物語的には凡庸で面白くないや。毎度お馴染のアレ、って感じ。僕達は、そーいう楽曲も物語もたくさん知ってきたはずなのにね。という点で、この映画の終着点が不満だった。不倫愛における一方的な辛さばかりを強調して露呈されてもなぁ。女サイドから力説された「申し入れ」みたいな匂いを感じた瞬間に、密着していた俵万智の身体を引き剥がしたい気持ちになった。そーいう男の野蛮な反応に対する（もしかしたら、敵対する）女の心境についての汎用例とも言えますね、本作は。あとさ、結局、女友達同士で「私、辛くって…」とか悩みを打ち明けて互いに同情し合う（本作における黒谷友香と中山忍のような）【ランチタイム相談】を映画表現に拡大しただけのことなのかも知れんね。そう考えると、それって 【隣の家の勉強が出来るお姉さん（血縁でなく） 】にお似合いだと思わない？
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2006年、監督：阿木燿子。 え〜、これが俵万智の原作なの？ まずは、そのことに驚きだ。 本作の特性は、生々しい恋愛と性の光景であり、それ以上に、その光景にビシシッと張り付いた当事者である女性の生々しい心情であり、その光景と心情が【目の前の実寸大】という程にヌラヌラと生々しいベクトルで絡み合っている実情が本作のスキャンダラスな側面を形成しているわけなのだけれども、この光景や心情は実体験に基づいた鼓動のようなものが注入されない限りアウトプットされ得ないものだと思うわけなんです。もちろん、監督である阿木燿子の感性がドピュドピュと注入された成果でもあると思う。しかし、エピソードの都度に紹介される艶めかしい短歌は、すなわち、原作者である俵万智からダイレクトに発せられる告白であり、やっぱ、俵万智の功績が大きいのだと単純に思う（劇中で紹介される短歌はどれも着眼が鋭く、表現が鋭い。）。そっかぁ、万智は性の歓びに目覚めてくれたかぁ。僕の勉強不足なんだけど、『サラダ記念日』でイメージが停止・定着している俵万智に似つかわしくないはずの【性の（それも、大胆で積極的な性の）イメージ】が、この映画を通して、俵万智の【実生活の性】として匂い立つ、そのギャップにドギマギする。隣の家の勉強が出来るけど、魅力の乏しかったお姉さん（血縁でなく）が出産して「そっかぁ、セックスしたのかぁ…」という実態に改めて気づき、グラビアアイドルへの欲情とは全く別の形で興奮しちゃう、とか、そーいうドギマギ感（あ、そーいう経験があるわけじゃないんスけどね）。ドギマギしっぱなしの僕にとって唯一の救いは、女の身体や性に対するアプローチがすんごく思考的であって、肉体的ではないところが、さすがは【隣の家の勉強が出来るお姉さん（血縁でなく）】ってところだ。救われてもしょうがないけど…。俵万智の視点は観察的だ。自分の身体の変化にさえ容赦ない。突如起動した身体の隅々の反応に対して脅威を感じるよりは、研究対象として細かく確認・検証して、その１つ１つに詳細に意味を与えて定義しているような生真面目なエロ。そのスタンスは、【性の表現】としては、僕にとっては、それなりに斬新（女性誌などでは、定番的な表現なのかも知れませんけど…）。でもね、ベリーダンスとセックスを直線的に結びつける事例に顕著な【融通が利いていないセンス】は硬くて直線的だ。生真面目で理屈っぽい。セックスの奥座敷に入る前に玄関口で理屈っぽく騒ぎ立てているような感じ（本作での中山忍は、まさにそーいうキャラ。そのクチで「（亭主の）アレが立たないって」とか言われても、全然興奮しねぇや）。で、その理屈臭いエロのセンス自体は軽くうっとおしいのだけれども、でもさ、その理屈女が理屈を放棄しないままに、結果的には鮮度の高い愛液をジュクジュクに滴らせている、っていう構図は、ありがたいくらいにエロい。あ、だから、【隣の家の勉強が出来るお姉さん（血縁でなく）】の脳内で猛り狂う性欲求の正体を知った時の隠微な味わいと同質ってことですよね。
エロな視点から離れて言うならば、表現者の視点が自分の身体と心情に完全にフォーカスしているから、「恋愛（セックス）って、こーいうもんよね」的な汎用性よりも「汎用的なセックスで特異な瞬間を得た私」だけを語りきる姿勢が、すっごく微細な心境を見事に拾い上げている面も見逃せない。例えば、初めてヤッて、嬉しくなっちゃって、相手にドドーンと入り込んで、相手がドドーンと入り込んでくる、あの感じ（ほらほら、女の子が男の子の肩に頭を預けて、歓びを噛み殺しながら「私達、付き合うの？」なんつって問いかける、あの感じ）がすっごくリアルに溢れ出している。なんか、懐かしい。これさ、【その人との一回目のセックス】だけに有効な感覚だと思うのだけれども、そんな感覚を、表現物からリアルに味わったのは初めてかも。もう、初セックスの歓びへのアプローチにおいて、一切の妥協なしって感じよ。
で、セックスシーン満載で（ロマンポルノより頻度も比率も高いと思う）、出演者は確実に全裸で、そりゃ確かに黒谷友香のオッパイは見えるのだけれども、局部に意識を集中させる映像なんて皆無で（男目線じゃないですね、完全に）、ソッチ側（外観的なビジュアル）の期待は裏切られる反面、内面的なエロさの尖がり方は尋常じゃない。ＡＶとは完全に間逆の作用がある。
…と、概ね好感を抱いた映画だったのだけれども、２点ミソがついたな。１つは恋愛対象の男のイメージ。仕事熱心でちょっと冷たくてズルい中年の不倫相手（村上弘明）と、軽くて思想の無い若い恋人（黄川田将也）という設定が、すっごく凡庸だ。フォーカスした【自分の身体と心情】を論証するための論拠として並べられている【超汎用要因】みたいで薄っぺらい。そんで、恋愛対象を、判り易い凡例としてカテゴライズするってことは、その後に、自分の言い訳が始まる、ってのが世の中の道筋だ。はい、来た来た。不倫愛と二股愛の総括。そこで理屈と自己憐憫が爆発。でもさ、不倫に苦しんでいる女の心境を一方的に語られるのは、やっぱ、物語的には凡庸で面白くないや。毎度お馴染のアレ、って感じ。僕達は、そーいう楽曲も物語もたくさん知ってきたはずなのにね。という点で、この映画の終着点が不満だった。不倫愛における一方的な辛さばかりを強調して露呈されてもなぁ。女サイドから力説された「申し入れ」みたいな匂いを感じた瞬間に、密着していた俵万智の身体を引き剥がしたい気持ちになった。そーいう男の野蛮な反応に対する（もしかしたら、敵対する）女の心境についての汎用例とも言えますね、本作は。あとさ、結局、女友達同士で「私、辛くって…」とか悩みを打ち明けて互いに同情し合う（本作における黒谷友香と中山忍のような）【ランチタイム相談】を映画表現に拡大しただけのことなのかも知れんね。そう考えると、それって 【隣の家の勉強が出来るお姉さん（血縁でなく） 】にお似合いだと思わない？
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2012年01月31日
エイリアン映画の終焉とスタート『第９地区』
『第９地区（原題：DISTRICT 9）』
2009年、監督：ニール・ブロンカンプ。 おい、ふざけんなよ！ってくらい面白かったわ。完璧だわ。 まず、巨大な宇宙船が南アフリカ共和国に飛来してきて、難民となった宇宙人を地球側は受け入れた、って事実を客観的にサラリと前提としちゃうのがいい。「それは事実なんだから、それでいいの！」という強引さが気持ちいい。宇宙人とのコンタクトプロセスで客の心を暖める気なんか無いし、宇宙人受け入れに関するアジャコジャした政治プロセスなんかもスルー。宇宙人は地球に住んでるの！それでいいの！で、ドサクサに紛れて、宇宙人達が地球人に近い食事をするとか、オシッコを排泄するとか、その生態もサラリと紹介。そんなことの解明に割く時間が惜しいわ、とでも言いたげだ。ともかく、宇宙人が地球に住まうことに関して、誰かが歯を食いしばったり、ヒューマニズム全開で涙を流したり、眉間に皺寄せて研究したり、そんなのは皆無。過去の【宇宙人映画】が２時間かけて表現した内容を、「そんなのはただの前提」っつって10分間で切り上げちゃう。合理性だとか、効率性だとか、あながち、そーいうことだけではない。先輩に対する強烈な挑発であり、批判でもあるように思える。「スピルバーグのバ〜カば〜か！」って言ってるようなもんだってこと。事実、80年代の宇宙人映画が稚拙な幻想論・理想論に思えてくる。
本題に入る。地球上の特定区域（＝第９地区！）に住まわされた宇宙人を、地球人は当然のように差別するし、宇宙人は当然のように（列悪環境ゆえに）食い物欲しさに犯罪に走る。うんうん、当然だ。そして、宇宙人関連の闇ビジネスに群がる地球人の犯罪組織（ナイジェリア人！）。宇宙人相手に売春（！）し、食料を違法で販売し、宇宙人達の武器・兵器を回収調達する。つまり、第９地区のスラム化は宇宙人と一部の地球人の手によって加速しちゃう。で、（宇宙人と結託していない）地球人と宇宙人の対立は深まり、宇宙人を強制移住させる、と。第10地区の環境は更に劣悪。 この構図における宇宙人とは、当然、白人社会に強制的に移住させられたアフリカ人のメタファーであり、どこまで行っても、折り合えない関係がシンボライズされている。だってさ、地球人から見た宇宙人の姿は気持ち悪くて恐ろしいわけで（宇宙人は『エビ』と呼ばれている）、その気持ち悪さが払拭できない以上、融和なんか無理（白人が見た黒人も気持ち悪かったに違いない、ってことだ）。人権論とか道義論で融和を図るほどに、その関係は遺恨となって悪化しちゃう。地球上で白人と融和し得なかったナイジェリア人が（どのような動機であれ）宇宙人に近い位置に立脚している関係性が皮肉だ。でもね、『エビ』の姿の宇宙人は気持ち悪いのだけれども、宇宙人から見た地球人は（プヨプヨした）『ブタ』に見えて、それもかなり気持ち悪いんじゃないだろうか？そんで、白人と黒人は互いに気持ち悪がっていたんじゃないか。
ともかく、前提としての設定だけで、すでに、メッセージありありの本作なんだが、事情を更に混乱させるのが、エイリアン管理企業の職員（主人公のディカス）がウイルスに感染して、宇宙人のＤＮＡを体内に受け入れちゃう展開。そんで、刻々と宇宙人化。【宇宙人のＤＮＡを持たない身体では操作できない宇宙人の武器】をディカスが扱ってみせることで、宇宙人化するディカスの実態を証明するシナリオ、素晴らしい（いや、万事につけ、アクションシーンと論証を１つのエピソードシーンで同時に表現しちゃうような大技が炸裂するんだ）。 シナリオと表現発想だけではない。映像も素晴らしい。そりゃ、『エビ』も宇宙船もロボットも、明らかにＣＧなんだけど、存在感それ自体が自然で、実写の被写体との合成も完璧。火星人の来襲をチープなＣＧでオチョクってみせた『マーズ・アタック』から時代は流れたのだなぁ、と、つくづく感嘆。ＣＧ表現をコストカット手段としか考えていない全ての映画は本作に恥じるべきだ！ 宇宙船内の【３次元的タッチパネル】とも言うべき、インターフェースの鮮やかさ！こーいうディティールが完璧にイメージ設計されていないと、ここまでハイレベルのCGメイキングは不可能か、と思う。登場人物の主観を、すぐさま、防犯カメラ映像などの無機質で客観的な映像に差し替えて見せるなどの演出も効果的だった。それに、ドキュメントタッチの映像は、つまり、通常の【間をたっぷりととった芝居】を拒み、それどころか、中間点の無いピークの芝居だけをピックアップしてつないでいるようなもので、その制作工程（芝居や演出）や編集工程の気の遠くなるような集中力に恐れ入る。音楽も完璧。 それにしても、これだけ、シニカルで、バイオレンスで、ダークで、ブラックな映画で、ジンワリとヒューマニックな感動が出来るとは思わなかった。 この映画を観ていない人、人生の数％を損してるぞ。
メレンゲ自慢会IIの映画レビュー一覧
2009年、監督：ニール・ブロンカンプ。 おい、ふざけんなよ！ってくらい面白かったわ。完璧だわ。 まず、巨大な宇宙船が南アフリカ共和国に飛来してきて、難民となった宇宙人を地球側は受け入れた、って事実を客観的にサラリと前提としちゃうのがいい。「それは事実なんだから、それでいいの！」という強引さが気持ちいい。宇宙人とのコンタクトプロセスで客の心を暖める気なんか無いし、宇宙人受け入れに関するアジャコジャした政治プロセスなんかもスルー。宇宙人は地球に住んでるの！それでいいの！で、ドサクサに紛れて、宇宙人達が地球人に近い食事をするとか、オシッコを排泄するとか、その生態もサラリと紹介。そんなことの解明に割く時間が惜しいわ、とでも言いたげだ。ともかく、宇宙人が地球に住まうことに関して、誰かが歯を食いしばったり、ヒューマニズム全開で涙を流したり、眉間に皺寄せて研究したり、そんなのは皆無。過去の【宇宙人映画】が２時間かけて表現した内容を、「そんなのはただの前提」っつって10分間で切り上げちゃう。合理性だとか、効率性だとか、あながち、そーいうことだけではない。先輩に対する強烈な挑発であり、批判でもあるように思える。「スピルバーグのバ〜カば〜か！」って言ってるようなもんだってこと。事実、80年代の宇宙人映画が稚拙な幻想論・理想論に思えてくる。
本題に入る。地球上の特定区域（＝第９地区！）に住まわされた宇宙人を、地球人は当然のように差別するし、宇宙人は当然のように（列悪環境ゆえに）食い物欲しさに犯罪に走る。うんうん、当然だ。そして、宇宙人関連の闇ビジネスに群がる地球人の犯罪組織（ナイジェリア人！）。宇宙人相手に売春（！）し、食料を違法で販売し、宇宙人達の武器・兵器を回収調達する。つまり、第９地区のスラム化は宇宙人と一部の地球人の手によって加速しちゃう。で、（宇宙人と結託していない）地球人と宇宙人の対立は深まり、宇宙人を強制移住させる、と。第10地区の環境は更に劣悪。 この構図における宇宙人とは、当然、白人社会に強制的に移住させられたアフリカ人のメタファーであり、どこまで行っても、折り合えない関係がシンボライズされている。だってさ、地球人から見た宇宙人の姿は気持ち悪くて恐ろしいわけで（宇宙人は『エビ』と呼ばれている）、その気持ち悪さが払拭できない以上、融和なんか無理（白人が見た黒人も気持ち悪かったに違いない、ってことだ）。人権論とか道義論で融和を図るほどに、その関係は遺恨となって悪化しちゃう。地球上で白人と融和し得なかったナイジェリア人が（どのような動機であれ）宇宙人に近い位置に立脚している関係性が皮肉だ。でもね、『エビ』の姿の宇宙人は気持ち悪いのだけれども、宇宙人から見た地球人は（プヨプヨした）『ブタ』に見えて、それもかなり気持ち悪いんじゃないだろうか？そんで、白人と黒人は互いに気持ち悪がっていたんじゃないか。
ともかく、前提としての設定だけで、すでに、メッセージありありの本作なんだが、事情を更に混乱させるのが、エイリアン管理企業の職員（主人公のディカス）がウイルスに感染して、宇宙人のＤＮＡを体内に受け入れちゃう展開。そんで、刻々と宇宙人化。【宇宙人のＤＮＡを持たない身体では操作できない宇宙人の武器】をディカスが扱ってみせることで、宇宙人化するディカスの実態を証明するシナリオ、素晴らしい（いや、万事につけ、アクションシーンと論証を１つのエピソードシーンで同時に表現しちゃうような大技が炸裂するんだ）。 シナリオと表現発想だけではない。映像も素晴らしい。そりゃ、『エビ』も宇宙船もロボットも、明らかにＣＧなんだけど、存在感それ自体が自然で、実写の被写体との合成も完璧。火星人の来襲をチープなＣＧでオチョクってみせた『マーズ・アタック』から時代は流れたのだなぁ、と、つくづく感嘆。ＣＧ表現をコストカット手段としか考えていない全ての映画は本作に恥じるべきだ！ 宇宙船内の【３次元的タッチパネル】とも言うべき、インターフェースの鮮やかさ！こーいうディティールが完璧にイメージ設計されていないと、ここまでハイレベルのCGメイキングは不可能か、と思う。登場人物の主観を、すぐさま、防犯カメラ映像などの無機質で客観的な映像に差し替えて見せるなどの演出も効果的だった。それに、ドキュメントタッチの映像は、つまり、通常の【間をたっぷりととった芝居】を拒み、それどころか、中間点の無いピークの芝居だけをピックアップしてつないでいるようなもので、その制作工程（芝居や演出）や編集工程の気の遠くなるような集中力に恐れ入る。音楽も完璧。 それにしても、これだけ、シニカルで、バイオレンスで、ダークで、ブラックな映画で、ジンワリとヒューマニックな感動が出来るとは思わなかった。 この映画を観ていない人、人生の数％を損してるぞ。メレンゲ自慢会IIの映画レビュー一覧
2012年01月27日
新春の武蔵、完結
『宮本武蔵 巌流島の決斗』
1965年、監督：内田吐夢。 シリーズ１〜４作の懇切丁寧な振り返りあり。ぶっちゃけ、第５作だけを観ても、物語の全貌は掌握できる。でも、それは勧めないね。断固、ね。物語の大まかなあらすじだけをダイジェストで掌握するようなスタンスは、本シリーズにおいては損。…と言うのも、うーん、まぁ、言いにくいんですけどぉ、そのぉ、こほん…、だから、えーと、その…、あー、本シリーズ、回を追うごとに内容が薄くなってきますよ。いや、４作目はそれなりに手応えはあったし、だから、その、回ごとに出来不出来のバラツキがありますよ。で、５作目は、うーん、その、こほん…、残念な出来栄え（躊躇しつつもキッパリ）。 本作の、そして、この物語のハイライトである【小次郎との決戦】というイベントの大きさを存分に活用できていない、と僕は思う。最終決戦があるからこそ、そして、そのことを多くのユーザーが知り得て待ち詫びているからこそ、その最終イベントが控えるラストが高価値の存在バランスとして担保される余り、その他のイベントへのアプローチが過剰に甘くなっているように思える。で、細々としたエピソード群を小さく並べながら、その向こうのゴール地点を最大限に期待させた挙句に、そのゴールが意外と呆気なくて、まぁ、なんつうか、つまり…、第５作は最初から最後までテンション低いですわ、こほん…（猪木とアリやウイリーとの異種格闘技の幕切れみたいな印象なんスよ）。
小次郎との決戦を前に、武蔵が農作業方面に寄り道するのも、妙に緊張感を欠く（その時点で、まだ、小次郎からの果し状は出ていなかったはずなので、【決戦前の寄り道】というニュアンスではないわけなんだけど、物語としての緊張感がね…）。と、僕的には不服な農作業シーンなのですが、このシーン、実は見所が多い。まず、錦之助、農作業のフォームが素晴らしい。いや、僕が、農業のオーソリティってわけでは全くないわけなのですが、なんつーか、光景として、すっごく自然。すっごく自然に【プロの綺麗な型】として目に映ります。昔の役者はすげーなぁ。で、武蔵が農作業に没頭するに至った経緯ってのが、旅の途中、偶然、少年に出会うわけですよ、例によって偶然に。で、この少年は伊織といって、元武士＆現農業従事者の父親に死なれた直後で、その境遇に同情した武蔵が父親急死で担当者不在になった農作業を買って出たわけなんです。で、伊織を演じているのが金子吉延。『河童の三平』や『仮面の忍者・赤影』でお馴染の…、えーと、「大丈夫！」の…、つまり青影ですね。この人、1965年に子役として既に熟成している。あ、子役が成熟してるわけだから、【一端（いっぱし）の俳優として成立している】って意味になりますね。実年齢では１０歳前後の金子吉延、とっくに名人の風格だ。言っちゃあ悪いけど、芦田愛菜ちゃんとか鈴木福くんとはレベルが違う。空前絶後の天才子役なんだろうな。で、その伊織少年が「お通さん」の弟ってんだから、世間は狭い。っつか、狭いにも程がある。【袖刷り合う】が肉親・血縁ばっかりなんだもの。で、肉親・血縁だけでなく、同郷人であるオババ、又八関係との確執がボンヤリと収束。そりゃそうだ、オババは武蔵を「仇」と狙うが、武蔵に又八を殺されたわけではない。役人もその点を訝しがってたし。一方、武蔵は、肉親でも血縁でもない不特定多数のターゲットにその名を馳せ、まぁ、バリッバリの売り出し中で、訴求力抜群で、「人気が数字に出始めてますよ〜」ってなもんで、「武蔵」の名を聴けば、誰もが「む、武蔵！」とたじろぐ。ここまででも、かなり、人を斬っているし、吉岡一門の幼い大将まで斬殺しているし、「外道！」とまで罵られた武蔵であるが、どうやら、【悪い噂】は立っていない様子。【強い剣豪】という認識だけで、まぁ、なんつうか、憧れられていて、そうね、スターですね。また、因縁つけた町の衆にしたら、「武蔵」という看板の権威ではなく、箸で蝿を摘み取るという神業を目の前で見たことで、もう圧倒的に崇拝。神格化ですよ。蕎麦を食べながら、妙に蠅を気にした挙句、町衆の言い掛かりを無視するように、ヒョイヒョイと蝿も複数匹摘んでみせるシークエンス、これ、映像にするとむちゃくちゃ面白い（僕は、もっと、集中して、「ハァッ！」なんつって力んで蝿を摘むのかと思ってた）。町衆が武蔵に酔う気持ちを実寸大で理解できるわ。
で、評価急上昇の武蔵の剣を『心の剣』と目の前で評されムッとした小次郎。「そのような剣がございましょうか？剣はあくまでも力と技。その二点の配合と覚えますが」 あぁ、小次郎に死相が顕れ始めたぞ。この一件以降、ピリピリし過ぎの小次郎。焦りが出ている。もはや、敗北は必然。で、待ちに待った武蔵・小次郎決戦。長かった。待ち詫びた。本作だけでも100分ほど待ったし、シリーズ全体で言えば、僕は３週間待った。通算の鑑賞時間にして約５５８分間待った。1960年代の日本人は４年間待った。小次郎は武蔵の到着を待った。待ちに待ったハイライトシーン。しかし、最終決戦が始まろうという時点で、DVDプレイヤーで確認する映画の残り時間はおよそ１０分間。５５８分間に渡って待ち続けてていたものが、この１０分間。５７０分間の中の頂点。 期待に満ち溢れ、ゴクリと飲み込んだ息を吐く間も無く、呆気ない秒殺で小次郎は敗北（あれぇ、ネタバレしちゃいましたぁ？）。互いに出した手は一太刀のみ。チャンバラはなし。ほんと、数秒間のバトル。金返せ。世紀の凡戦？いや、一方が死んでいるし…。なんか、ボーッとハイライトが終了。そして、過去の斬殺を思い出しながら血で汚れた自らの手を見つめる武蔵。空虚を噛み締める。「しょせん、剣は武器か…」と、重い命題を後世に残し『終』のマーク。武蔵、どこへ行く！？ って、終わってなくないか？５７０分間が終着してなくないか？ 僕の心も武蔵と共に漂いながらフェードアウト。
しょうがないので総括しちゃいますけど、僕は、１作目と２作目が格別に面白かったですね。画面から俳優やスタッフの熱意が熱く伝わってきた。その熱が宮本武蔵という剣豪の精神と素晴らしく呼応し合っていた。この先、本シリーズを観返すのであれば、第１作、第２作。そして、その先まで進みたくなったなら、第４作かな。 ともあれ、宮本武蔵、腹が満ちた。高カロリーだが、栄養価もバカ高い。うむ、馳走になった！
萬屋（中村）錦之助 出演作品
高倉健 出演作品
三國連太郎 出演作品
田村高廣 出演作品
内田朝雄 出演作品
【チャンバラ、ドンパチ、ハダカ、ギラギラ、時々猟奇 東映映画万歳】
メレンゲ自慢会IIの映画レビュー一覧
【シリーズ作】
第１作『宮本武蔵』
第２作『宮本武蔵 般若坂の決闘』
第３作『宮本武蔵 二刀流開眼』（1963）
第４作『宮本武蔵 一乗寺の決斗』（1964）
1965年、監督：内田吐夢。 シリーズ１〜４作の懇切丁寧な振り返りあり。ぶっちゃけ、第５作だけを観ても、物語の全貌は掌握できる。でも、それは勧めないね。断固、ね。物語の大まかなあらすじだけをダイジェストで掌握するようなスタンスは、本シリーズにおいては損。…と言うのも、うーん、まぁ、言いにくいんですけどぉ、そのぉ、こほん…、だから、えーと、その…、あー、本シリーズ、回を追うごとに内容が薄くなってきますよ。いや、４作目はそれなりに手応えはあったし、だから、その、回ごとに出来不出来のバラツキがありますよ。で、５作目は、うーん、その、こほん…、残念な出来栄え（躊躇しつつもキッパリ）。 本作の、そして、この物語のハイライトである【小次郎との決戦】というイベントの大きさを存分に活用できていない、と僕は思う。最終決戦があるからこそ、そして、そのことを多くのユーザーが知り得て待ち詫びているからこそ、その最終イベントが控えるラストが高価値の存在バランスとして担保される余り、その他のイベントへのアプローチが過剰に甘くなっているように思える。で、細々としたエピソード群を小さく並べながら、その向こうのゴール地点を最大限に期待させた挙句に、そのゴールが意外と呆気なくて、まぁ、なんつうか、つまり…、第５作は最初から最後までテンション低いですわ、こほん…（猪木とアリやウイリーとの異種格闘技の幕切れみたいな印象なんスよ）。 
小次郎との決戦を前に、武蔵が農作業方面に寄り道するのも、妙に緊張感を欠く（その時点で、まだ、小次郎からの果し状は出ていなかったはずなので、【決戦前の寄り道】というニュアンスではないわけなんだけど、物語としての緊張感がね…）。と、僕的には不服な農作業シーンなのですが、このシーン、実は見所が多い。まず、錦之助、農作業のフォームが素晴らしい。いや、僕が、農業のオーソリティってわけでは全くないわけなのですが、なんつーか、光景として、すっごく自然。すっごく自然に【プロの綺麗な型】として目に映ります。昔の役者はすげーなぁ。で、武蔵が農作業に没頭するに至った経緯ってのが、旅の途中、偶然、少年に出会うわけですよ、例によって偶然に。で、この少年は伊織といって、元武士＆現農業従事者の父親に死なれた直後で、その境遇に同情した武蔵が父親急死で担当者不在になった農作業を買って出たわけなんです。で、伊織を演じているのが金子吉延。『河童の三平』や『仮面の忍者・赤影』でお馴染の…、えーと、「大丈夫！」の…、つまり青影ですね。この人、1965年に子役として既に熟成している。あ、子役が成熟してるわけだから、【一端（いっぱし）の俳優として成立している】って意味になりますね。実年齢では１０歳前後の金子吉延、とっくに名人の風格だ。言っちゃあ悪いけど、芦田愛菜ちゃんとか鈴木福くんとはレベルが違う。空前絶後の天才子役なんだろうな。で、その伊織少年が「お通さん」の弟ってんだから、世間は狭い。っつか、狭いにも程がある。【袖刷り合う】が肉親・血縁ばっかりなんだもの。で、肉親・血縁だけでなく、同郷人であるオババ、又八関係との確執がボンヤリと収束。そりゃそうだ、オババは武蔵を「仇」と狙うが、武蔵に又八を殺されたわけではない。役人もその点を訝しがってたし。一方、武蔵は、肉親でも血縁でもない不特定多数のターゲットにその名を馳せ、まぁ、バリッバリの売り出し中で、訴求力抜群で、「人気が数字に出始めてますよ〜」ってなもんで、「武蔵」の名を聴けば、誰もが「む、武蔵！」とたじろぐ。ここまででも、かなり、人を斬っているし、吉岡一門の幼い大将まで斬殺しているし、「外道！」とまで罵られた武蔵であるが、どうやら、【悪い噂】は立っていない様子。【強い剣豪】という認識だけで、まぁ、なんつうか、憧れられていて、そうね、スターですね。また、因縁つけた町の衆にしたら、「武蔵」という看板の権威ではなく、箸で蝿を摘み取るという神業を目の前で見たことで、もう圧倒的に崇拝。神格化ですよ。蕎麦を食べながら、妙に蠅を気にした挙句、町衆の言い掛かりを無視するように、ヒョイヒョイと蝿も複数匹摘んでみせるシークエンス、これ、映像にするとむちゃくちゃ面白い（僕は、もっと、集中して、「ハァッ！」なんつって力んで蝿を摘むのかと思ってた）。町衆が武蔵に酔う気持ちを実寸大で理解できるわ。
で、評価急上昇の武蔵の剣を『心の剣』と目の前で評されムッとした小次郎。「そのような剣がございましょうか？剣はあくまでも力と技。その二点の配合と覚えますが」 あぁ、小次郎に死相が顕れ始めたぞ。この一件以降、ピリピリし過ぎの小次郎。焦りが出ている。もはや、敗北は必然。で、待ちに待った武蔵・小次郎決戦。長かった。待ち詫びた。本作だけでも100分ほど待ったし、シリーズ全体で言えば、僕は３週間待った。通算の鑑賞時間にして約５５８分間待った。1960年代の日本人は４年間待った。小次郎は武蔵の到着を待った。待ちに待ったハイライトシーン。しかし、最終決戦が始まろうという時点で、DVDプレイヤーで確認する映画の残り時間はおよそ１０分間。５５８分間に渡って待ち続けてていたものが、この１０分間。５７０分間の中の頂点。 期待に満ち溢れ、ゴクリと飲み込んだ息を吐く間も無く、呆気ない秒殺で小次郎は敗北（あれぇ、ネタバレしちゃいましたぁ？）。互いに出した手は一太刀のみ。チャンバラはなし。ほんと、数秒間のバトル。金返せ。世紀の凡戦？いや、一方が死んでいるし…。なんか、ボーッとハイライトが終了。そして、過去の斬殺を思い出しながら血で汚れた自らの手を見つめる武蔵。空虚を噛み締める。「しょせん、剣は武器か…」と、重い命題を後世に残し『終』のマーク。武蔵、どこへ行く！？ って、終わってなくないか？５７０分間が終着してなくないか？ 僕の心も武蔵と共に漂いながらフェードアウト。しょうがないので総括しちゃいますけど、僕は、１作目と２作目が格別に面白かったですね。画面から俳優やスタッフの熱意が熱く伝わってきた。その熱が宮本武蔵という剣豪の精神と素晴らしく呼応し合っていた。この先、本シリーズを観返すのであれば、第１作、第２作。そして、その先まで進みたくなったなら、第４作かな。 ともあれ、宮本武蔵、腹が満ちた。高カロリーだが、栄養価もバカ高い。うむ、馳走になった！
萬屋（中村）錦之助 出演作品
高倉健 出演作品
三國連太郎 出演作品
田村高廣 出演作品
内田朝雄 出演作品
【チャンバラ、ドンパチ、ハダカ、ギラギラ、時々猟奇 東映映画万歳】
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【シリーズ作】
第１作『宮本武蔵』
第２作『宮本武蔵 般若坂の決闘』
第３作『宮本武蔵 二刀流開眼』（1963）
第４作『宮本武蔵 一乗寺の決斗』（1964）
2012年01月25日
グニャグニャのファンタジー
『Ｄｒ．パルナサスの鏡』『Disney’sクリスマス・キャロル』
『Ｄｒ．パルナサスの鏡（原題：THE IMAGINARIUM OF DOCTOR PARNASSUS）』
2009年、監督：テリー・ギリアム。 最初から最後までグニャグニャしている映画。…が、どのように考えても、このグニャグニャは正しい。それなりに取扱には注意が必要かと思う。「グニャグニャが嫌いな奴は本作には近づくな！」ってなもんだ。 まずは、永遠の命を苦痛に感じながら生きる1000歳のパルナサス博士がグニャグニャだ。馬車に舞台を積んで旅をする芸人一座の長。舞台には不思議な鏡。この鏡の中に入り込むと、その人の願望を映し出した世界を見ることが出来る。で、その光景は文字通りにグニャグニャしてる。ファンタジックだったり、グロテスクだったり、騙し絵的だったり、まぁ、イカレてる。こーいう世界観を創出するために、労力もスペックも（つまりはコストを）無駄遣いするＣＧへのスタンスが素晴らしい。ＣＧと人間様の関係とはそーいうものだ。人間様の脳内にだけ存在する光景をＣＧで再現させるのが正しいのであって、ＣＧ様がスペックにモノ言わせて作り出した現実世界風の絵に人間が感心なんかしてる場合じゃねぇ。あ、そうか、ここで言うＣＧってのが、そもそも、願望を投影するパルナサスの鏡と同等ってことなのか。哲学的なＣＧ活用だぞ、ギリアム。 話を戻す。 で、このパルナサス博士は、様々な人生の節目で悪魔に運命を握られている。悪魔との対比で一瞬、「キリストのメタファーか！？」と思わせぶりなところもグニャグニャだ。いや、その前に、この悪魔を演じているのがトム・ウェイツだという事実こそがグニャグニャしてる。僕は途中まで気づかなかった。特有のリズムとイントネーションによる台詞回しを聴いて、やっと「まさか、トム・ウェイツか！」と。 話を戻す。 で、博士の娘ヴァレンティナが美人なんだかブスなんだか微妙だけど、さしあたって飛び切りチャーミングってのもグンニャリだ。この主要メンバーの掌握だけでも、もうひとつ整理がつかない僕に新たな刺客。詐欺師のトニーだ。これ、まっじで性質が悪いぞ。ヒース・レジャー（本作が遺作なんですってね）として登場し、パルナサス博士の鑑の中の世界では顔がジョニー・デップに変貌。で、鏡から出てきたら、あれ？今度はジュード・ロウ？一見してジョニー・デップに見えなかった僕は、デップの変装能力を讃えるべきか、僕の観察力を疑うべきか、まぁ、ともかく混乱。で、いつになったら、トニーはジョニー・デップないしはヒース・レジャーの顔に戻るのだろうと期待していたら、コリン・ファレルの顔に変貌。実を言って、最後のクレジットロールまで、トニー役が４人も存在したことを知らなかったのだけれども、トニーの顔が変わり続ける件が、僕にとって最大のグニャグニャだったかな。
トニーの変容によって、現実と非現実がグニャグニャに連鎖・反転し続ける幻想的な映像をガンガン見せつけられた上に、パルナサス博士と悪魔が異常に高い視座から事態を俯瞰しちゃって、そんなこんなにブンブンと振り回される僕は、実を言って、この映画が語る真相には全く接近していないことを自覚。でも、悪夢の中で漂うような感覚にドップリと漬かり、それが、無性に快感。【八方塞（ふさがり）の悪夢】って、すんごく怖くて、不快なのだけれども、あれは、その夢の中で脅えて立ち尽くす自分を認め、だから、自分が依存する対象（お母さんとか）を暗に認めるための方便なんじゃないか、と思えてきた。「悪夢って生暖かいなぁ」なんて本気で思えた。本作は眠らずに見る悪夢だ。【八方塞の悪夢】を拡大した成果が『未来世紀ブラジル』なのだ、と仮定した時、『ブラジル』の最終シーンの意味合いが全て解決するような気がした。本作、『ブラジル』的なアプローチが多かったと思うのだけれども、さしあたって、『ブラジル』よりも傑作であるような気がする。
メレンゲ自慢会IIの映画レビュー一覧
【2011年に出会えてよかった映画 第１０位】
『Disney’s クリスマス・キャロル（原題： A CHRISTMAS CAROL）』
2009年、監督：ロバート・ゼメキス。 某サイトの解説によれば、「ロンドンが大不況にみまわれた1843年に出版されたチャールズ・ディケンズの『クリスマス・キャロル』は、絶望の日々を送っていた当時の市民たちに希望の光を灯し、今なお世界中で愛され続けている“世界で最も有名” なクリスマス・ストーリー」である、と。ごめん、存在も知らなかったわ。物語も初めて知った。ぶっちゃけ、『クリスマス・キャロル』ってのは、特定楽曲のタイトルなのだろうと思い込んでいた。 大雑把に言えば「冷酷な金貸しの老人に対し、精霊たちが過去・現在・未来のビジョンを見せ、改心させる」という物語。それが、クリスマスイブの夜に起きる奇跡として扱われていて、僕は、即座に「信仰心の薄い老婆を牛に変化した仏様が善光寺に誘う」というエピソードを思い出した。つまり、信仰心を煽る寓話ってライン。心の中のビジョンを実体化する手法は芥川龍之介の『杜子春』なんかも思い出す。いずれにせよ、【人間の弱い心】を宗教的側面から映し出した寓話ってことですね。一報、過去から未来に至るビジョンが一個人の心の闇を照らし出すといった発想は藤子不二雄のＳＦ短編作っぽいような気もする（ＦもＡも）。藤子作品には潜在的に宗教観があるのかも知れませんね。 「あぁ、宗教心を煽るクリスマス礼賛系な･･･」なんつって毒づきつつ、リアルに人間の表情を再現するＣＧには「だったら、人間が演じればいいじゃん」と批判的な態度で、本作を観始めたはずの僕だったんですが、まんまと説得された。面白かったですよ、本作。物語の構成力もさることながら、えぇ、ＣＧにも説得されました、まんまと。時空を移動する、移動し続ける状況を的確に表現するために３ＤＣＧの手法が採用された、ってわけですよね。で、その効果は抜群。ビュンビュンと飛ばしていく。このスピード感の中で一個人の人生を、しかも、一個人の人生のより闇の部分を俯瞰で観ることは、その人生を客観視し、カタログ的にペラ〜ッと並べることになって、でも、そのことが、不思議なくらいに、一個人の情感を照らし出す。これは、魔法でしたね。表現演出の魔法。僕は主人公のスクルージの後悔や苦悩や迷いをズドーンと実感。あぁ、その意味では、血が通い合ったわ、ＣＧのキャラクターと…。 クリスマスに特別の意味合いを認めず、一人ぼっちで過ごすスクルージは、物語の冒頭では、単なる個人の主義を実践しているだけに見える。しかし、スクルージが【他者のクリスマスへの想い】を否定し、拒否するに至り、どうしようもなく冷酷で喜びの無い人間に思えてくる。一方、スクルージと対比される人々は、家族や友人達と【特別な１日】を大事に過ごし、互いをもてなし合い、そのことに感謝し合い、その喜びを分け与えようとしている。スクルージは、自分にはクリスマスを共に過ごすべき人間が存在しないと思い込んでいるし、すぐ隣にいる人々が、クリスマスを共に過ごす要員であることを拒絶している。つまりは、人間関係の定義の仕方が違う。そこには、彼の生い立ちが影を落としたりもするわけなのだけれども、自身の過去に執着すればするほど、自分も周囲も不幸になっていることを、過去から現代に至るビジョンの中で知るわけですね。そして、「クリスマスという日に、他者をもてなし、感謝し、共に過ごす」というシンプルな形の中に無限の喜びを発見する。 あのね、僕、わかりますよ。こーいう言い方はマズいのかも知れないけど、敢えて言わせていただけば、結婚して子供が産まれて家族が出来てから、「クリスマスという日に、他者をもてなし、感謝し、共に過ごす」というシンプルな形の中に無限の喜びを見つけることが出来た。そーいう喜びを再定義できた映画。
メレンゲ自慢会IIの映画レビュー一覧
『Ｄｒ．パルナサスの鏡（原題：THE IMAGINARIUM OF DOCTOR PARNASSUS）』
2009年、監督：テリー・ギリアム。 最初から最後までグニャグニャしている映画。…が、どのように考えても、このグニャグニャは正しい。それなりに取扱には注意が必要かと思う。「グニャグニャが嫌いな奴は本作には近づくな！」ってなもんだ。 まずは、永遠の命を苦痛に感じながら生きる1000歳のパルナサス博士がグニャグニャだ。馬車に舞台を積んで旅をする芸人一座の長。舞台には不思議な鏡。この鏡の中に入り込むと、その人の願望を映し出した世界を見ることが出来る。で、その光景は文字通りにグニャグニャしてる。ファンタジックだったり、グロテスクだったり、騙し絵的だったり、まぁ、イカレてる。こーいう世界観を創出するために、労力もスペックも（つまりはコストを）無駄遣いするＣＧへのスタンスが素晴らしい。ＣＧと人間様の関係とはそーいうものだ。人間様の脳内にだけ存在する光景をＣＧで再現させるのが正しいのであって、ＣＧ様がスペックにモノ言わせて作り出した現実世界風の絵に人間が感心なんかしてる場合じゃねぇ。あ、そうか、ここで言うＣＧってのが、そもそも、願望を投影するパルナサスの鏡と同等ってことなのか。哲学的なＣＧ活用だぞ、ギリアム。 話を戻す。 で、このパルナサス博士は、様々な人生の節目で悪魔に運命を握られている。悪魔との対比で一瞬、「キリストのメタファーか！？」と思わせぶりなところもグニャグニャだ。いや、その前に、この悪魔を演じているのがトム・ウェイツだという事実こそがグニャグニャしてる。僕は途中まで気づかなかった。特有のリズムとイントネーションによる台詞回しを聴いて、やっと「まさか、トム・ウェイツか！」と。 話を戻す。 で、博士の娘ヴァレンティナが美人なんだかブスなんだか微妙だけど、さしあたって飛び切りチャーミングってのもグンニャリだ。この主要メンバーの掌握だけでも、もうひとつ整理がつかない僕に新たな刺客。詐欺師のトニーだ。これ、まっじで性質が悪いぞ。ヒース・レジャー（本作が遺作なんですってね）として登場し、パルナサス博士の鑑の中の世界では顔がジョニー・デップに変貌。で、鏡から出てきたら、あれ？今度はジュード・ロウ？一見してジョニー・デップに見えなかった僕は、デップの変装能力を讃えるべきか、僕の観察力を疑うべきか、まぁ、ともかく混乱。で、いつになったら、トニーはジョニー・デップないしはヒース・レジャーの顔に戻るのだろうと期待していたら、コリン・ファレルの顔に変貌。実を言って、最後のクレジットロールまで、トニー役が４人も存在したことを知らなかったのだけれども、トニーの顔が変わり続ける件が、僕にとって最大のグニャグニャだったかな。 
トニーの変容によって、現実と非現実がグニャグニャに連鎖・反転し続ける幻想的な映像をガンガン見せつけられた上に、パルナサス博士と悪魔が異常に高い視座から事態を俯瞰しちゃって、そんなこんなにブンブンと振り回される僕は、実を言って、この映画が語る真相には全く接近していないことを自覚。でも、悪夢の中で漂うような感覚にドップリと漬かり、それが、無性に快感。【八方塞（ふさがり）の悪夢】って、すんごく怖くて、不快なのだけれども、あれは、その夢の中で脅えて立ち尽くす自分を認め、だから、自分が依存する対象（お母さんとか）を暗に認めるための方便なんじゃないか、と思えてきた。「悪夢って生暖かいなぁ」なんて本気で思えた。本作は眠らずに見る悪夢だ。【八方塞の悪夢】を拡大した成果が『未来世紀ブラジル』なのだ、と仮定した時、『ブラジル』の最終シーンの意味合いが全て解決するような気がした。本作、『ブラジル』的なアプローチが多かったと思うのだけれども、さしあたって、『ブラジル』よりも傑作であるような気がする。メレンゲ自慢会IIの映画レビュー一覧
【2011年に出会えてよかった映画 第１０位】
『Disney’s クリスマス・キャロル（原題： A CHRISTMAS CAROL）』
2009年、監督：ロバート・ゼメキス。 某サイトの解説によれば、「ロンドンが大不況にみまわれた1843年に出版されたチャールズ・ディケンズの『クリスマス・キャロル』は、絶望の日々を送っていた当時の市民たちに希望の光を灯し、今なお世界中で愛され続けている“世界で最も有名” なクリスマス・ストーリー」である、と。ごめん、存在も知らなかったわ。物語も初めて知った。ぶっちゃけ、『クリスマス・キャロル』ってのは、特定楽曲のタイトルなのだろうと思い込んでいた。 大雑把に言えば「冷酷な金貸しの老人に対し、精霊たちが過去・現在・未来のビジョンを見せ、改心させる」という物語。それが、クリスマスイブの夜に起きる奇跡として扱われていて、僕は、即座に「信仰心の薄い老婆を牛に変化した仏様が善光寺に誘う」というエピソードを思い出した。つまり、信仰心を煽る寓話ってライン。心の中のビジョンを実体化する手法は芥川龍之介の『杜子春』なんかも思い出す。いずれにせよ、【人間の弱い心】を宗教的側面から映し出した寓話ってことですね。一報、過去から未来に至るビジョンが一個人の心の闇を照らし出すといった発想は藤子不二雄のＳＦ短編作っぽいような気もする（ＦもＡも）。藤子作品には潜在的に宗教観があるのかも知れませんね。 「あぁ、宗教心を煽るクリスマス礼賛系な･･･」なんつって毒づきつつ、リアルに人間の表情を再現するＣＧには「だったら、人間が演じればいいじゃん」と批判的な態度で、本作を観始めたはずの僕だったんですが、まんまと説得された。面白かったですよ、本作。物語の構成力もさることながら、えぇ、ＣＧにも説得されました、まんまと。時空を移動する、移動し続ける状況を的確に表現するために３ＤＣＧの手法が採用された、ってわけですよね。で、その効果は抜群。ビュンビュンと飛ばしていく。このスピード感の中で一個人の人生を、しかも、一個人の人生のより闇の部分を俯瞰で観ることは、その人生を客観視し、カタログ的にペラ〜ッと並べることになって、でも、そのことが、不思議なくらいに、一個人の情感を照らし出す。これは、魔法でしたね。表現演出の魔法。僕は主人公のスクルージの後悔や苦悩や迷いをズドーンと実感。あぁ、その意味では、血が通い合ったわ、ＣＧのキャラクターと…。 クリスマスに特別の意味合いを認めず、一人ぼっちで過ごすスクルージは、物語の冒頭では、単なる個人の主義を実践しているだけに見える。しかし、スクルージが【他者のクリスマスへの想い】を否定し、拒否するに至り、どうしようもなく冷酷で喜びの無い人間に思えてくる。一方、スクルージと対比される人々は、家族や友人達と【特別な１日】を大事に過ごし、互いをもてなし合い、そのことに感謝し合い、その喜びを分け与えようとしている。スクルージは、自分にはクリスマスを共に過ごすべき人間が存在しないと思い込んでいるし、すぐ隣にいる人々が、クリスマスを共に過ごす要員であることを拒絶している。つまりは、人間関係の定義の仕方が違う。そこには、彼の生い立ちが影を落としたりもするわけなのだけれども、自身の過去に執着すればするほど、自分も周囲も不幸になっていることを、過去から現代に至るビジョンの中で知るわけですね。そして、「クリスマスという日に、他者をもてなし、感謝し、共に過ごす」というシンプルな形の中に無限の喜びを発見する。 あのね、僕、わかりますよ。こーいう言い方はマズいのかも知れないけど、敢えて言わせていただけば、結婚して子供が産まれて家族が出来てから、「クリスマスという日に、他者をもてなし、感謝し、共に過ごす」というシンプルな形の中に無限の喜びを見つけることが出来た。そーいう喜びを再定義できた映画。メレンゲ自慢会IIの映画レビュー一覧
2012年01月20日
新春の武蔵の青春
『宮本武蔵 二刀流開眼』『宮本武蔵 一乗寺の決斗』
『宮本武蔵 二刀流開眼』
1963年、監督：内田吐夢。 止められない。年が明けて、『武蔵』を楽しみに待つ週末だ。 本作で武蔵が立ち向かう相手は柳生石舟斎宗厳。強豪。なにしろ、生け花の切り口が違う。「どう違うのか」は僕に聴くな。武蔵が「むむっ！」と絶句するくらいに違うんだ。で、石舟斎が退け続ける挑戦者の中には吉岡清十郎の弟・伝七郎（平幹二朗）もいて、伝七郎は【石舟斎の生け花の切り口】に何も見出さなかったわけなんです。そのことをもって挑戦は完全に却下。一方の武蔵は「むむっ」と反応し、自らも生け花に非凡な切り口をつけて返せば、石舟斎の門弟達も「むむっ！」、と…。で、いろんな行き違いや、武蔵の感情の高ぶりなんかもあって、石舟斎の門弟と武蔵が一戦交えるわけなのだけれども、この際に、チラリと二刀流を披露。あ、本作で二刀流が登場するのはこのシーンのみ。武蔵は戦況の不利に、咄嗟に、本能的に、二刀流を編み出したわけなのですが、その不利の要因が「お通さん」の吹く笛の音。「こんなところに、お通さんがいるはずは…」なんつって、心を乱したわけなんですね。でも、いたんです、「こんなところ」に「お通さん」は。武蔵を追って全国を（基本的には）たった一人で女旅の「お通さん」、なにげに上手に生きている。沢庵和尚、峠の民芸品職人に続き、柳生石舟斎の家にちゃっかりと居候（いそうろう）してる。家と飯に不自由しない強運を持っている上に、要人に可愛がられるんだなぁ。だからって、要人から身体を要求されてはいない様子。ただひたすら、その器量と、働き者の特性と、つつましさを評価されているようだ。現象面だけ取り上げれば、大物実業家の秘書を歴任する女性って感じ。そんで、「お通さん」は武蔵の行く先を回りこんで、要所にかまえているんだ、何故か。つまり、武蔵よりも旅の進行速度が速いってこと。武蔵が柳生家に到着する頃合には、もうとっくに「お通さん」は石舟斎の信頼を獲得しているわけだから、映画内のオンタイムよりも、到着時期はかなりの前倒しなはず。で、剣豪の家で働いているならば、武蔵の訪問を想定しているかと言えば、案外、ボーッとしている。作為が無いんですね。そのせいか、武蔵とのニアミスの多いこと。苛々する。この苛々こそがメロドラマの要因だ。そして、本作では、【武蔵と「お通さん」のニアミス】が全ての主要人物に波及。京都の五条橋の上や下で主要プレイヤーが勢ぞろいするに至っては、もはや、「偶然」などと言う言葉が寒い。奇跡、ってのもどうなんだか。磁力ですね。強力な磁力。だいたい、普通に召集をかけても、定刻に確実に集まらないわけで。携帯電話での相互連絡やGPSへの依存一切なしで、素晴らしいチームワークだ。…って、チームかよ…。あ、磁力っつか、【神仏の加護】ってことか。その線で合意・納得。
そして、巻物の手紙をクルクルしながら読み進めば、遂に「佐々木小次郎」の文字が。直後、小次郎の初登場シーンに切り替わる鮮やかな演出。わー、健さんだ！華やかな衣装と、垂らした前髪がスタイリッシュです。惚れたです。 武蔵不在で、小次郎や吉岡清十郎の人間模様にクローズアップした結果、物語はちょい込み入ってきた。っつか、ゴチャゴチャしてきた。でも、吉岡が【２代目の苦悩】を嘆くシーンは響いた。江原真二郎の神経質な眼差しが効果的だ。まさに、【もつれあう青春群像劇】なんだな、『武蔵』は。メロドラマにして、青春群像劇。面白いわけだ。 侍役で唐突に登場する谷啓に僕はワックワクだ。【個性際立ち過ぎの剣豪】がワンサカ登場してくるのって楽しい。剣豪小説、っつか、剣豪漫画の世界。『赤胴鈴之助』とか『猿飛佐助』（杉浦茂）のような魅力がある。※俺、そーいう世代じゃないけど…。
萬屋（中村）錦之助 出演作品
高倉健 出演作品
江原真二郎 出演作品
【チャンバラ、ドンパチ、ハダカ、ギラギラ、時々猟奇 東映映画万歳】
メレンゲ自慢会IIの映画レビュー一覧
『宮本武蔵 一乗寺の決斗』
1964年、監督：内田吐夢。 公開当時、本シリーズは１年ごとに新作がリリースされていたわけじゃないですかぁ。しかも、時代的に、復習目的で前作DVDを自宅鑑賞するなど不可能で、たぶん、公開直前に前作をテレビ放映するような（日テレ風）プロモーションも無かったんじゃないか、と思う。それでも、映画館に足を運んで年に一本のシリーズを続けて観ることを、ごくごく自然に受け入れていた1960年代の日本人の時間感覚が素敵だ。…なんて考えてたら、本作で、初めて「これまでのあらすじ」が紹介された。 本作では、前作で武蔵に倒された吉岡清十郎（前作で書き忘れたけど、そーいうことなんですよ、清十郎、やられちゃったんですよ）の仇敵として、吉岡一門に狙われる武蔵。そして、吉岡の周辺をチョロチョロする佐々木小次郎。そーいう展開。
そんで、メロドラマ的人間関係の煩雑化は更に加速。まずは、関が原の合戦から故郷に帰還した武蔵（たけぞう）を追い回していた青木丹左衛門（花沢徳衛）が再登場する。何故か、宮本村時代の武蔵の親友：本位田又八（木村功）と懇意（谷啓も）。で、丹左衛門の息子は武蔵と偶然に知り合って弟子入りしているのだけど、その息子が、目下、【かつて丹左衛門が惚れていた「お通さん」】と一緒に旅している。グチャグチャしてきたでしょ？で、そこに宮本村のオババも合流。オババは又八の母で、武蔵を「息子の仇」と追い狙うが、そもそもは又八が「お通」の許婚で、オババは「お通」の許婚の母親だ。…って、何が何やら状態。狭い人間関係が広い日本国土の中で交錯し、グチャグチャともつれあう様子は韓流ドラマ的。そして、苛々とニアミスを繰り返す人間関係の中にあって、【最も苛立たしいニアミス】を繰り返してきた武蔵と「お通さん」が真正面から再会。そして、武蔵は「剣と恋の狭間で悩んできた旨」を告白。純情で素敵だ。心は通じ合った。…っつか、この場面を結実させる為に、苛々のニアミスを積み上げてきて、当時の観客は、この場面を４年間待ちわびたわけです。まさに、「武蔵、待ちわびたぞ！」、と…。この純愛場面によって、武蔵の人間的な一面がクローズアップされたわけなんだ。武蔵の人間味を堪能したながら見る錦之助の笑顔は貴乃花（横綱の方）に似ているんだな。そして、そんな笑顔の武蔵とクールな小次郎の対比が鮮明になるエピソード群が列挙されるにつけ、両者のコントラストが、後のコンテンツのキャラ設定に深く影響している事実を実感。【泥臭さとスマートさの対比】で言えば、星飛雄馬と花形満の雛形であるし、【ホットな熱血漢と冷酷なサディストという対比】では流全次郎と神竜剛次が思い出される（『男組』な）。だからこそ、吉岡一門との７３対１のハンディキャップマッチに望む武蔵の泥臭くて熱血な個性は魅力だ。武蔵は、戦略的に、（１）敵のトップを真っ先に殺し、（２）幹部連を斬り捨て、（３）後は逃げる逃げる。ドスドスと走る錦之助、四頭身の体型が重そうだ。水田の中を泥に足を奪われながら走る走る。追っ手は泥で滑る滑る（本気で泥臭くなってどうする？）。この決闘シーン、見応えあった（ところで、下がり松で武蔵を待ち受ける吉本一門の台詞が２箇所無音になっている。不適切な表現をカットしたか？ ）。
で、人間味全開・強さ全開の武蔵を吉野太夫が説教。琵琶のボディの中には若干ゆるんだ板が通っていて、この板を締めたり弛めたりすることで音色が変わる（シタールみたいな音がするのね）、といった楽器論を実機で説明。で、「（武蔵は）締めっぱなしの人間」だ、と。だから、「斬られる人間だ」、と。そして、最後には、吉岡一門の幼い大将を斬殺した武蔵が「外道、汝はそれでも人間か！？」となじられ、終了。 ※この緊迫した状況から１年間、続編を待てますか？ってんだ。。
萬屋（中村）錦之助 出演作品
高倉健 出演作品
江原真二郎 出演作品
東野英治郎 出演作品
【チャンバラ、ドンパチ、ハダカ、ギラギラ、時々猟奇 東映映画万歳】
メレンゲ自慢会IIの映画レビュー一覧
【シリーズ作】
第１作『宮本武蔵』
第２作『宮本武蔵 般若坂の決闘』
第５作『宮本武蔵 巌流島の決斗』（1965）
『宮本武蔵 二刀流開眼』
1963年、監督：内田吐夢。 止められない。年が明けて、『武蔵』を楽しみに待つ週末だ。 本作で武蔵が立ち向かう相手は柳生石舟斎宗厳。強豪。なにしろ、生け花の切り口が違う。「どう違うのか」は僕に聴くな。武蔵が「むむっ！」と絶句するくらいに違うんだ。で、石舟斎が退け続ける挑戦者の中には吉岡清十郎の弟・伝七郎（平幹二朗）もいて、伝七郎は【石舟斎の生け花の切り口】に何も見出さなかったわけなんです。そのことをもって挑戦は完全に却下。一方の武蔵は「むむっ」と反応し、自らも生け花に非凡な切り口をつけて返せば、石舟斎の門弟達も「むむっ！」、と…。で、いろんな行き違いや、武蔵の感情の高ぶりなんかもあって、石舟斎の門弟と武蔵が一戦交えるわけなのだけれども、この際に、チラリと二刀流を披露。あ、本作で二刀流が登場するのはこのシーンのみ。武蔵は戦況の不利に、咄嗟に、本能的に、二刀流を編み出したわけなのですが、その不利の要因が「お通さん」の吹く笛の音。「こんなところに、お通さんがいるはずは…」なんつって、心を乱したわけなんですね。でも、いたんです、「こんなところ」に「お通さん」は。武蔵を追って全国を（基本的には）たった一人で女旅の「お通さん」、なにげに上手に生きている。沢庵和尚、峠の民芸品職人に続き、柳生石舟斎の家にちゃっかりと居候（いそうろう）してる。家と飯に不自由しない強運を持っている上に、要人に可愛がられるんだなぁ。だからって、要人から身体を要求されてはいない様子。ただひたすら、その器量と、働き者の特性と、つつましさを評価されているようだ。現象面だけ取り上げれば、大物実業家の秘書を歴任する女性って感じ。そんで、「お通さん」は武蔵の行く先を回りこんで、要所にかまえているんだ、何故か。つまり、武蔵よりも旅の進行速度が速いってこと。武蔵が柳生家に到着する頃合には、もうとっくに「お通さん」は石舟斎の信頼を獲得しているわけだから、映画内のオンタイムよりも、到着時期はかなりの前倒しなはず。で、剣豪の家で働いているならば、武蔵の訪問を想定しているかと言えば、案外、ボーッとしている。作為が無いんですね。そのせいか、武蔵とのニアミスの多いこと。苛々する。この苛々こそがメロドラマの要因だ。そして、本作では、【武蔵と「お通さん」のニアミス】が全ての主要人物に波及。京都の五条橋の上や下で主要プレイヤーが勢ぞろいするに至っては、もはや、「偶然」などと言う言葉が寒い。奇跡、ってのもどうなんだか。磁力ですね。強力な磁力。だいたい、普通に召集をかけても、定刻に確実に集まらないわけで。携帯電話での相互連絡やGPSへの依存一切なしで、素晴らしいチームワークだ。…って、チームかよ…。あ、磁力っつか、【神仏の加護】ってことか。その線で合意・納得。 
そして、巻物の手紙をクルクルしながら読み進めば、遂に「佐々木小次郎」の文字が。直後、小次郎の初登場シーンに切り替わる鮮やかな演出。わー、健さんだ！華やかな衣装と、垂らした前髪がスタイリッシュです。惚れたです。 武蔵不在で、小次郎や吉岡清十郎の人間模様にクローズアップした結果、物語はちょい込み入ってきた。っつか、ゴチャゴチャしてきた。でも、吉岡が【２代目の苦悩】を嘆くシーンは響いた。江原真二郎の神経質な眼差しが効果的だ。まさに、【もつれあう青春群像劇】なんだな、『武蔵』は。メロドラマにして、青春群像劇。面白いわけだ。 侍役で唐突に登場する谷啓に僕はワックワクだ。【個性際立ち過ぎの剣豪】がワンサカ登場してくるのって楽しい。剣豪小説、っつか、剣豪漫画の世界。『赤胴鈴之助』とか『猿飛佐助』（杉浦茂）のような魅力がある。※俺、そーいう世代じゃないけど…。萬屋（中村）錦之助 出演作品
高倉健 出演作品
江原真二郎 出演作品
【チャンバラ、ドンパチ、ハダカ、ギラギラ、時々猟奇 東映映画万歳】
メレンゲ自慢会IIの映画レビュー一覧
『宮本武蔵 一乗寺の決斗』
1964年、監督：内田吐夢。 公開当時、本シリーズは１年ごとに新作がリリースされていたわけじゃないですかぁ。しかも、時代的に、復習目的で前作DVDを自宅鑑賞するなど不可能で、たぶん、公開直前に前作をテレビ放映するような（日テレ風）プロモーションも無かったんじゃないか、と思う。それでも、映画館に足を運んで年に一本のシリーズを続けて観ることを、ごくごく自然に受け入れていた1960年代の日本人の時間感覚が素敵だ。…なんて考えてたら、本作で、初めて「これまでのあらすじ」が紹介された。 本作では、前作で武蔵に倒された吉岡清十郎（前作で書き忘れたけど、そーいうことなんですよ、清十郎、やられちゃったんですよ）の仇敵として、吉岡一門に狙われる武蔵。そして、吉岡の周辺をチョロチョロする佐々木小次郎。そーいう展開。
そんで、メロドラマ的人間関係の煩雑化は更に加速。まずは、関が原の合戦から故郷に帰還した武蔵（たけぞう）を追い回していた青木丹左衛門（花沢徳衛）が再登場する。何故か、宮本村時代の武蔵の親友：本位田又八（木村功）と懇意（谷啓も）。で、丹左衛門の息子は武蔵と偶然に知り合って弟子入りしているのだけど、その息子が、目下、【かつて丹左衛門が惚れていた「お通さん」】と一緒に旅している。グチャグチャしてきたでしょ？で、そこに宮本村のオババも合流。オババは又八の母で、武蔵を「息子の仇」と追い狙うが、そもそもは又八が「お通」の許婚で、オババは「お通」の許婚の母親だ。…って、何が何やら状態。狭い人間関係が広い日本国土の中で交錯し、グチャグチャともつれあう様子は韓流ドラマ的。そして、苛々とニアミスを繰り返す人間関係の中にあって、【最も苛立たしいニアミス】を繰り返してきた武蔵と「お通さん」が真正面から再会。そして、武蔵は「剣と恋の狭間で悩んできた旨」を告白。純情で素敵だ。心は通じ合った。…っつか、この場面を結実させる為に、苛々のニアミスを積み上げてきて、当時の観客は、この場面を４年間待ちわびたわけです。まさに、「武蔵、待ちわびたぞ！」、と…。この純愛場面によって、武蔵の人間的な一面がクローズアップされたわけなんだ。武蔵の人間味を堪能したながら見る錦之助の笑顔は貴乃花（横綱の方）に似ているんだな。そして、そんな笑顔の武蔵とクールな小次郎の対比が鮮明になるエピソード群が列挙されるにつけ、両者のコントラストが、後のコンテンツのキャラ設定に深く影響している事実を実感。【泥臭さとスマートさの対比】で言えば、星飛雄馬と花形満の雛形であるし、【ホットな熱血漢と冷酷なサディストという対比】では流全次郎と神竜剛次が思い出される（『男組』な）。だからこそ、吉岡一門との７３対１のハンディキャップマッチに望む武蔵の泥臭くて熱血な個性は魅力だ。武蔵は、戦略的に、（１）敵のトップを真っ先に殺し、（２）幹部連を斬り捨て、（３）後は逃げる逃げる。ドスドスと走る錦之助、四頭身の体型が重そうだ。水田の中を泥に足を奪われながら走る走る。追っ手は泥で滑る滑る（本気で泥臭くなってどうする？）。この決闘シーン、見応えあった（ところで、下がり松で武蔵を待ち受ける吉本一門の台詞が２箇所無音になっている。不適切な表現をカットしたか？ ）。
で、人間味全開・強さ全開の武蔵を吉野太夫が説教。琵琶のボディの中には若干ゆるんだ板が通っていて、この板を締めたり弛めたりすることで音色が変わる（シタールみたいな音がするのね）、といった楽器論を実機で説明。で、「（武蔵は）締めっぱなしの人間」だ、と。だから、「斬られる人間だ」、と。そして、最後には、吉岡一門の幼い大将を斬殺した武蔵が「外道、汝はそれでも人間か！？」となじられ、終了。 ※この緊迫した状況から１年間、続編を待てますか？ってんだ。。萬屋（中村）錦之助 出演作品
高倉健 出演作品
江原真二郎 出演作品
東野英治郎 出演作品
【チャンバラ、ドンパチ、ハダカ、ギラギラ、時々猟奇 東映映画万歳】
メレンゲ自慢会IIの映画レビュー一覧
【シリーズ作】
第１作『宮本武蔵』
第２作『宮本武蔵 般若坂の決闘』
第５作『宮本武蔵 巌流島の決斗』（1965）
2012年01月18日
30年間にブレなし、矢沢永吉
『E.YAZAWA ROCK』『矢沢永吉 ラン＆ラン（ＲＵＮ＆ＲＵＮ）』
『E.YAZAWA ROCK』
2009年、監督：増田久雄、監修：矢沢永吉。 そっか、YAZAWAの全キャリアを網羅したヒストリー系のドキュメンタリーを期待してた。それなりに【振り返り映像】もあるものの、基本は、『武道館100回公演』（2007年）を軸としたドキュメンタリー。予想外にライヴシーンが多かった。あ、つまりね、だからね、俺、もっと、ヒストリーを観たかったし、もっともっと、【YAZAWAの言葉】を聴きたかったよ。
でもね、けどね、冒頭のスタジオリハのシーン、いきなり、心を鷲掴み。演奏を止めてはいちいち細かい注文をつけてくるYAZAWAに目と耳が釘付けだ。先ずは「そこんとこ、もっとガーンとさ･･･」みたいな抽象的な表現があって、次に「ここ、ダーンダダダッって･･･」と身振りを踏まえた口三味線での指導がある。凄いのは、バンドはYAZAWAの抽象的な要求をポーンと実現しちゃうの（もちろん、音が決まるまでの長〜〜い経緯を映画ではカットしているだけのことかも知れないのだけれども･･）。で、もっと、凄いのは、その成果にYAZAWAがいちいち大喜びすること。こりゃあ、部下を喜ばせるボスだわ。松下幸之助クラスだわ。以降、レコーディングやゲネプロの光景が続くのだけれども、もう、何から何まで、スタイルは同じ。流れを止めて、細かい指摘を入れて、問題解決時には「最高よ！」なんつって笑顔。で、YAZAWAが全てに指示を出していることに気づき、軽く鳥肌。全てに、だ。音楽においてさえ、「そこまでアレンジに口を出してんのかぁ〜」と驚いた（これは、僕が音楽家としてのYAZAWAの領域を安く見積もっていた証拠ですね･･）のだけれども、照明や美術やエフェクト等の舞台演出にも事細かいチェックと指示を怠らないし、映像撮影にも主たる被写体でありながらも容赦ない。自分を主役としたあらゆるコンテンツを完全に仕切っている。たぶん、自分を取り巻くあらゆるビジネスを仕切っているに違いない。有能なビジネスマンだ。同じ資質の人がミック・ジャガーですね。あぁ、確かに、この二人は近いかも知れないわ。【自身のサウンド】が安定的に固定しているかに見せつつ、柔軟に外部要員を引き込むことで、サウンドを刷新し続ける革新性の高いスタンスや、その際の人選の嗅覚とか。自身の身体（体型・筋力・体力）の維持向上に至る完璧主義者。つまり、極限にストイック、ってことです。真剣に作り込むゲネプロを緊張しながら観た直後に武道館での本番映像に「ドーン」と切り替わると「ドーン」と感動しちゃう。こりゃ、宗教だわ。俺、ついて行けるわ、YAZAWAに。まじで。
マイクをブンブン振り回して息切れもなく、相変わらずメチャウマで歌い続けるYAZAWAのステージを観ているとついつい忘れがちだけど、この人、還暦。インタビューでは総括論も。「16歳ぐらいの時に、スコーンと来れたか来れないかで人生は決まる」（YAZAWAはビートルズがスコーンと来た）などの哲学は【ロック世代の還暦】っぽい（若干の稚拙さも含めて）。そして、意外なほどに内省的な発言が続き、僕を打つ。成功して、金と名誉を得た代わりに「失ったもの」「苦痛だったもの」を差し引きすれば、【スターである自分】は【一般の人】と「イーブン」だと言い張る。また、政治や地球温暖化を音楽で表現しないけれども、１ファンに「武道館を観て、また来年頑張れる」と言わせることは出来る。それが自分の音楽のレベルだ、と発言するに至って、自身への呆れるほどの客観分析と、それでも、なお、自身の資質を肯定できる力強さに惚れた。やっぱ、【ロック世代の還暦】だ（稚拙な意味を許容するって意味だぜ）。 改めて、日本のロックに対するYAZAWAの貢献の大きさを思い知った。ロックミュージシャンのステータスや財力を向上させる突破口であっただけではない。日本全国の会場をロック仕様に変革したのがYAZAWAだ。つまり、【ロックの流通】を定義した張本人ってこと。YAZAWAがメジャーとして頂点に君臨してくれたことで、インディー等の裾野を広げてもくれたわけで、だから、アンタが認めなくても、アンタはとっくにYAZAWAの恩恵に預かってんだよ！
【矢沢永吉関連コンテンツ】
『TONIGHT THE NIGHT 〜ありがとうが爆発する夜〜 矢沢永吉』
『STAR IN HIBIYA／矢沢永吉』
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メレンゲ自慢会IIの映画レビュー一覧
『矢沢永吉 ラン＆ラン（ＲＵＮ＆ＲＵＮ）』
1980年、監督：根本順善。 こっちは30歳前後の矢沢。『E.YAZAWA ROCK』の30年前。30歳と60歳のYAZAWAを比較すると、肉付きだとか、毛髪量だとか、まぁ、普通に加齢の部分での差異には気が付くし、シャウト主体の歌唱が30年後にはかなりマイルドな技巧を向上させたのだな、と気づく。あ、でもね、その差異は、２つのドキュメンタリーを見比べた時に、あまりにも瑣末で、全然重要じゃないですよ。何が重要かって、人生や音楽やビジネスにおけるYAZAWAのスタンスが30年間で全く変わっていないってことだよ！ 手法も哲学も意識も、30歳にして完全に確立しているし、それは、その後の30年間を全くブレずに進むための【事業計画】として機能しているかのようだ。たかだか30歳で芸能の最頂点に君臨して誉めそやされている真っ只中で、「（有名税の高額な）芸能人としてではなく、実業家として成功していればよかった、と後悔している」と大真面目に発言。冷めた認識を持っているし、【実業家としての成功】という型をモデルケースとして常に意識していることが窺える。本作でも紹介されるリハへの集中力が（少なくとも）30年間持続された【超人的なポテンシャル】を思えば、【YAZAWAの成功】はどのジャンルでも適応された、と納得できるわ。だからこそ、その哲学は意外なほど現実的で、【曖昧で幻想性の高い夢】なんか全然信じていない。例えば、「ミュージシャン連中にハッパかけるために」ってことで、キャデラックや大豪邸を引き合いに出すんだけど、そこまではお約束だわ。キャラを守ってる。でもね、「彼等に言いたい。後半、僕、楽ね。あなた、キツいね」って言葉が凄い。しかも、この言葉には、「ロックの表現者として適切な年代（夢だとか、体力だとか、親の財力だとか、全部を含んで･･･）」に対する、「峠を越えてからの年代」というフェーズに対する意識が含まれており、それは、日本の大衆音楽の頂点に立つ身で思い描くことが困難であるだけでなく、「ロックの表現者として適切な年代」の人間がこぞって先送りにして目を背ける問題なのであって、なんつうか、この意識を持ちながらロック表現を実践していたYAZAWAの思想って深すぎるぞ。30歳のYAZAWA、30歳をとっくに越えた僕よりも大人だ。
相変わらず、リハでは不服そうに考え込んでは、指示飛ばし、音の向上に大喜びする。バンドと向かい合った位置で各パートのフレーズから調整する様は、まるでPCで音楽制作・編集をしているかのようだ。オペレーターに絶対服従してくれるＰＣと違い、生身の人間を相手にどこまでも作り込みを止めないって、すっごく強い信念と誠実さが無ければ不可能ですよ。
で、後半はライブ映像。客は暴走族ばっかだ。怖えー！ 「俺なんか暴走族頑張ってっから、永チャンも頑張って欲しい」って、ちょっと「頑張るの軸」が違うと思うのだけれども、彼等にとってYAZAWAが格別の存在であることだけは伝わる。『トラベリング・バス』の途中で音を下げさせて客席の喧嘩を仲裁するYAZAWA。このシーン、ジーンときた。「ねぇねぇ、止めようよぉ。ハッピーにやろうよぉ」と、あまりにも低姿勢。「おい、こら、そこ！」とかいう【上から姿勢】じゃない。非情に抑制された【ファンとの関係形成】の一環であるように思う。YAAZWAは、こうやってファンとの距離を作りながら、ファンの意識を受け止めてきたんだ･･･。とんでもねぇカリスマだってことだ。 巨大モニタもバリライトも無く、出音も悪そうなステージだが、間違いなく70年代のトップレベル。マイクを掴んだ瞬間の「ガッ」という音や、マイクスタンドが床に当たる「ドガッ」という音が完全に拾われているのが、やっぱり、時代性を感じるし、でも、この臨場感、僕はすっごく好きだ。っつか、そのノイズはYAZAWAが故意に鳴らしたものであり、それを【ロックの象徴】と思い込んでいたんじゃないか、と思うと、なんか、素敵で微笑ましい。
【矢沢永吉関連コンテンツ】
『TONIGHT THE NIGHT 〜ありがとうが爆発する夜〜 矢沢永吉』
『STAR IN HIBIYA／矢沢永吉』
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『E.YAZAWA ROCK』
2009年、監督：増田久雄、監修：矢沢永吉。 そっか、YAZAWAの全キャリアを網羅したヒストリー系のドキュメンタリーを期待してた。それなりに【振り返り映像】もあるものの、基本は、『武道館100回公演』（2007年）を軸としたドキュメンタリー。予想外にライヴシーンが多かった。あ、つまりね、だからね、俺、もっと、ヒストリーを観たかったし、もっともっと、【YAZAWAの言葉】を聴きたかったよ。
でもね、けどね、冒頭のスタジオリハのシーン、いきなり、心を鷲掴み。演奏を止めてはいちいち細かい注文をつけてくるYAZAWAに目と耳が釘付けだ。先ずは「そこんとこ、もっとガーンとさ･･･」みたいな抽象的な表現があって、次に「ここ、ダーンダダダッって･･･」と身振りを踏まえた口三味線での指導がある。凄いのは、バンドはYAZAWAの抽象的な要求をポーンと実現しちゃうの（もちろん、音が決まるまでの長〜〜い経緯を映画ではカットしているだけのことかも知れないのだけれども･･）。で、もっと、凄いのは、その成果にYAZAWAがいちいち大喜びすること。こりゃあ、部下を喜ばせるボスだわ。松下幸之助クラスだわ。以降、レコーディングやゲネプロの光景が続くのだけれども、もう、何から何まで、スタイルは同じ。流れを止めて、細かい指摘を入れて、問題解決時には「最高よ！」なんつって笑顔。で、YAZAWAが全てに指示を出していることに気づき、軽く鳥肌。全てに、だ。音楽においてさえ、「そこまでアレンジに口を出してんのかぁ〜」と驚いた（これは、僕が音楽家としてのYAZAWAの領域を安く見積もっていた証拠ですね･･）のだけれども、照明や美術やエフェクト等の舞台演出にも事細かいチェックと指示を怠らないし、映像撮影にも主たる被写体でありながらも容赦ない。自分を主役としたあらゆるコンテンツを完全に仕切っている。たぶん、自分を取り巻くあらゆるビジネスを仕切っているに違いない。有能なビジネスマンだ。同じ資質の人がミック・ジャガーですね。あぁ、確かに、この二人は近いかも知れないわ。【自身のサウンド】が安定的に固定しているかに見せつつ、柔軟に外部要員を引き込むことで、サウンドを刷新し続ける革新性の高いスタンスや、その際の人選の嗅覚とか。自身の身体（体型・筋力・体力）の維持向上に至る完璧主義者。つまり、極限にストイック、ってことです。真剣に作り込むゲネプロを緊張しながら観た直後に武道館での本番映像に「ドーン」と切り替わると「ドーン」と感動しちゃう。こりゃ、宗教だわ。俺、ついて行けるわ、YAZAWAに。まじで。
マイクをブンブン振り回して息切れもなく、相変わらずメチャウマで歌い続けるYAZAWAのステージを観ているとついつい忘れがちだけど、この人、還暦。インタビューでは総括論も。「16歳ぐらいの時に、スコーンと来れたか来れないかで人生は決まる」（YAZAWAはビートルズがスコーンと来た）などの哲学は【ロック世代の還暦】っぽい（若干の稚拙さも含めて）。そして、意外なほどに内省的な発言が続き、僕を打つ。成功して、金と名誉を得た代わりに「失ったもの」「苦痛だったもの」を差し引きすれば、【スターである自分】は【一般の人】と「イーブン」だと言い張る。また、政治や地球温暖化を音楽で表現しないけれども、１ファンに「武道館を観て、また来年頑張れる」と言わせることは出来る。それが自分の音楽のレベルだ、と発言するに至って、自身への呆れるほどの客観分析と、それでも、なお、自身の資質を肯定できる力強さに惚れた。やっぱ、【ロック世代の還暦】だ（稚拙な意味を許容するって意味だぜ）。 改めて、日本のロックに対するYAZAWAの貢献の大きさを思い知った。ロックミュージシャンのステータスや財力を向上させる突破口であっただけではない。日本全国の会場をロック仕様に変革したのがYAZAWAだ。つまり、【ロックの流通】を定義した張本人ってこと。YAZAWAがメジャーとして頂点に君臨してくれたことで、インディー等の裾野を広げてもくれたわけで、だから、アンタが認めなくても、アンタはとっくにYAZAWAの恩恵に預かってんだよ！【矢沢永吉関連コンテンツ】
『TONIGHT THE NIGHT 〜ありがとうが爆発する夜〜 矢沢永吉』
『STAR IN HIBIYA／矢沢永吉』
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『矢沢永吉 ラン＆ラン（ＲＵＮ＆ＲＵＮ）』
1980年、監督：根本順善。 こっちは30歳前後の矢沢。『E.YAZAWA ROCK』の30年前。30歳と60歳のYAZAWAを比較すると、肉付きだとか、毛髪量だとか、まぁ、普通に加齢の部分での差異には気が付くし、シャウト主体の歌唱が30年後にはかなりマイルドな技巧を向上させたのだな、と気づく。あ、でもね、その差異は、２つのドキュメンタリーを見比べた時に、あまりにも瑣末で、全然重要じゃないですよ。何が重要かって、人生や音楽やビジネスにおけるYAZAWAのスタンスが30年間で全く変わっていないってことだよ！ 手法も哲学も意識も、30歳にして完全に確立しているし、それは、その後の30年間を全くブレずに進むための【事業計画】として機能しているかのようだ。たかだか30歳で芸能の最頂点に君臨して誉めそやされている真っ只中で、「（有名税の高額な）芸能人としてではなく、実業家として成功していればよかった、と後悔している」と大真面目に発言。冷めた認識を持っているし、【実業家としての成功】という型をモデルケースとして常に意識していることが窺える。本作でも紹介されるリハへの集中力が（少なくとも）30年間持続された【超人的なポテンシャル】を思えば、【YAZAWAの成功】はどのジャンルでも適応された、と納得できるわ。だからこそ、その哲学は意外なほど現実的で、【曖昧で幻想性の高い夢】なんか全然信じていない。例えば、「ミュージシャン連中にハッパかけるために」ってことで、キャデラックや大豪邸を引き合いに出すんだけど、そこまではお約束だわ。キャラを守ってる。でもね、「彼等に言いたい。後半、僕、楽ね。あなた、キツいね」って言葉が凄い。しかも、この言葉には、「ロックの表現者として適切な年代（夢だとか、体力だとか、親の財力だとか、全部を含んで･･･）」に対する、「峠を越えてからの年代」というフェーズに対する意識が含まれており、それは、日本の大衆音楽の頂点に立つ身で思い描くことが困難であるだけでなく、「ロックの表現者として適切な年代」の人間がこぞって先送りにして目を背ける問題なのであって、なんつうか、この意識を持ちながらロック表現を実践していたYAZAWAの思想って深すぎるぞ。30歳のYAZAWA、30歳をとっくに越えた僕よりも大人だ。 
相変わらず、リハでは不服そうに考え込んでは、指示飛ばし、音の向上に大喜びする。バンドと向かい合った位置で各パートのフレーズから調整する様は、まるでPCで音楽制作・編集をしているかのようだ。オペレーターに絶対服従してくれるＰＣと違い、生身の人間を相手にどこまでも作り込みを止めないって、すっごく強い信念と誠実さが無ければ不可能ですよ。 
で、後半はライブ映像。客は暴走族ばっかだ。怖えー！ 「俺なんか暴走族頑張ってっから、永チャンも頑張って欲しい」って、ちょっと「頑張るの軸」が違うと思うのだけれども、彼等にとってYAZAWAが格別の存在であることだけは伝わる。『トラベリング・バス』の途中で音を下げさせて客席の喧嘩を仲裁するYAZAWA。このシーン、ジーンときた。「ねぇねぇ、止めようよぉ。ハッピーにやろうよぉ」と、あまりにも低姿勢。「おい、こら、そこ！」とかいう【上から姿勢】じゃない。非情に抑制された【ファンとの関係形成】の一環であるように思う。YAAZWAは、こうやってファンとの距離を作りながら、ファンの意識を受け止めてきたんだ･･･。とんでもねぇカリスマだってことだ。 巨大モニタもバリライトも無く、出音も悪そうなステージだが、間違いなく70年代のトップレベル。マイクを掴んだ瞬間の「ガッ」という音や、マイクスタンドが床に当たる「ドガッ」という音が完全に拾われているのが、やっぱり、時代性を感じるし、でも、この臨場感、僕はすっごく好きだ。っつか、そのノイズはYAZAWAが故意に鳴らしたものであり、それを【ロックの象徴】と思い込んでいたんじゃないか、と思うと、なんか、素敵で微笑ましい。【矢沢永吉関連コンテンツ】
『TONIGHT THE NIGHT 〜ありがとうが爆発する夜〜 矢沢永吉』
『STAR IN HIBIYA／矢沢永吉』
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2012年01月13日
新春の武蔵
『宮本武蔵』『宮本武蔵 般若坂の決闘』
『宮本武蔵』
1961年、監督：内田吐夢。 新年、あけましておめでとうございます。 というわけで、新年早々、【めでたい映画】の主旨で本作をピックアップ。一人の偉人の成長・立身を描く大河劇である点が【めでたい】の論拠。 歴史劇に関心も薄く、だから、必須知識を何ら持たない僕にとって、宮本武蔵も忠臣蔵に続き、ぜひとも吸収しておくべきコンテンツ情報ではあった。そんな、軽い【お勉強モード】で観始めた本作だったはずだったんでしたけど、しかし…。 もう、圧倒されましたわ。全てが壮大ですわ。人生訓も強烈なのだけれども、いやいや、その前に娯楽映画として完璧。その人物像や、原作力を確信した上で、映像の説得力をなおも信じ、徹底的に追求した成果であることは明白。 雄大な自然光景を狙ったロケーションに、先ずは圧倒される。日本、美しい。そんでド迫力。オーラが凄げぇ。あ、この映画自体がパワースポットだって思いますよ。モニターの向こうから、とんでもねぇエネルギーがほとばしってくる。顔や精神にビチビチャとエネルギーがぶつかってくる。また、最大限に活かされた自然光が凄い。眩しくて、温かい。っつか、暑い。そんで、熱い。モニタを観ているだけで日焼けしそうだ。そして、雄大な自然光景に負けないエネルギーを発する役者陣が凄い。中でも、萬屋錦之介が凄い。錦之介が大自然の中で全身を使って動き回る、その動きの全てが優良なアクションだ。アップでの【好い顔】だけでなく、ロングの映像で見せる身体能力も素晴らしい。これぞ、役者。それから、じっくりと吟味された上で、集中力をもって実現されたアングルやカメラの動きにも圧倒される。完璧。で、そんな要素が全て組み合わされて、信じられない超ロング映像の中で錦之介が走り回るシーンなどは、それだけで胸が高鳴った。 
お蔭様で、【お勉強】の方も良好。 そうか、武蔵は“関が原の合戦”には豊臣勢として参戦したかぁ。しかも、武蔵は「むさし」ではなく「たけぞう」であったか。関が原の合戦の惨敗によって、“豊臣方残党”のレッテルを貼られ、しかも、（落ち延びた先でのアレコレで）出身地宮本村の親友：又八が（女に走って）村を捨てた根本原因をなすりつけられ、四面楚歌の武蔵。追われ、命を狙われ、ひもじく、暖かい言葉など全く無く、罵られ、だから、心は荒（すさ）み、未来を喪失し、憎悪ばかりの人間だ。あまりにも未熟な魂が成長を待つ様は、大河ドラマの開始点としては極上だぞ。【（本作においては）全く予兆の無い成長】が２作目以降に待ちかまえているわけなんでしょ？うんうん、そーいう映画を年始に観たかったわけさ。で、沢庵和尚（三国連太郎）という人格者が対比軸となって【憎悪する武蔵】の【未熟な人格】を強調。千本杉に吊り下げた武蔵に沢庵和尚が「野獣はどう強くとも野獣に過ぎん。人間以下のものでしかないんだ。哀れな奴だ。智恵の光を知らぬ奴だ。人間の真の強さとはそんなものじゃない」と説く。なるほど、乱暴者で直線的な武蔵は、きっとこの後、智恵に目覚めるはず。うんうん、めでたいコンテンツだぞ。だから、千本杉から救出され、「俺は生きてるぞー！」と歓喜する武蔵の発声に打たれた。あのぉ、この「生きてる」は「死ななかった」の「生きてる」ではなくて、「どこにでも変わっていくチャンスを得続けている」の「生きてる」なんですね。この叫びの瞬間、モニターから発せられるエネルギーがピークになった。うんうん、いい映画を観たぞ。【武蔵（たけぞう）時代】の最期を飾る白鷺城「あかずの間」での武蔵幽閉。祖先の亡霊が無念の想いと共に「祖先の血を浄化するためにも生きよ！」と武蔵に告げるシーンに感激した。うんうん、新年には、こーいう【生きる必然をドカーンと実感できる映画】を観なければいけなませんね。 全５作の本シリーズ、観進むのが楽しみな反面、今から、観終わるのが淋しいや。うんうん、本当に良い映画と出会えた。 時に手癖バリバリの伊福部スコア、それでも、ゴジラとは異質なテーマを背負っていることが伝わってくる。うんうん、いいぞぉ。
萬屋（中村）錦之助 出演作品
三國連太郎 出演作品
宮口精二 出演作品
【チャンバラ、ドンパチ、ハダカ、ギラギラ、時々猟奇 東映映画万歳】
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『宮本武蔵 般若坂の決斗』
1962年、監督：内田吐夢。 第１作を観終わると、貪るように第２作に手が伸びた。第1作のラストが、本作の冒頭につながり、当たり前だけれども、第１作と第２作の質感は同じ。監督も役者も同じ。音楽は伊福部昭先生ではないが、他のスタッフは恐らく同じ。同じ…であるはずなのに、違う！決定的に違う。 白鷺城「あかずの間」で三年間を一人で精神修行しながら過ごした武蔵（たけぞう）は、人格が変わり、風貌も変わり、名前も宮本武蔵（むさし）に変わる。声をひっくり返して荒々しく叫んでいた武蔵（たけぞう）に比べ、武蔵（むさし）の声は低く落ち着いた丁寧語に変貌。謙虚で礼儀正しい好青年だ。しかも、強い。そんな、武蔵（たけぞう）から武蔵（むさし）への成長・変貌に、僕なんか、ササッと気分を変えて、次フェーズに便乗してみたものの、早くも、（つい、数十分前に観ていた）武蔵（たけぞう）時代が懐かしい…。つまり、このシリーズと僕の関係は良好、ってことだ。うんうん。
修行の旅に出た、ってんで、本作は娯楽性を飛躍的に向上させている。三年間、じっと武蔵（たけぞう）を待っていた「お通（つう）さん（入江若葉）」の健気な想いを断ち切り、山道を歩く歩く。自然がでかい。そして、武蔵が相対するのは奈良宝蔵院の槍名人の坊さん達と、心の荒くれた浪人衆。ここで、僕が学んだ知識を披露する。本作の浪人ってのは、殿中で刃傷沙汰を起こした主君の実刑によって御家が断絶された結果の家来の行く末というものとは違う。わかるか？違うんだよ。関が原の合戦で敗れた豊臣勢が、揃って浪人となっているわけなんだ。雇用される当てもなく、飢えて、汚れて、ムシャクシャしているわけなんだ。その数１０万人だって。【ただの失業者】ではなく、【「敵」というレッテルのついた失業者】ってわけだから、辛いわ。「戦争の落とし子の道は険しい。お主も心して行くがよい」と沢庵和尚。そうそう、武蔵も豊臣勢だった浪人なのだったんだった。おー、歴史の薀蓄知識をひけらかすのって気持ちいいな。でも、どうせ、この程度のことはアンタ知ってたんだろ、そうなんだろ？ で、その浪人達は、盗みはするわ、強姦はするわ、そのくせ、剣術は弱くて、いかがわしい商売を企むわ、で、まぁ、救いが無い。こーいう生き方は駄目ですね。武蔵を商売に勧誘して「馬鹿〜！」って怒鳴られてるし。武蔵も浪人なのだから、つまりは、心の持ち方次第ってことですね。で、浪人衆の弱さ（腕も弱いが、気も弱い）と武蔵の強さ（腕も強いが、勇気もある）を対比させる中心軸的存在が宝蔵院の坊主。木製の槍の一撃で浪人を即死させた坊主が、武蔵の木刀の一撃で即死。坊主との勝負の直後、老僧から「もっと弱くならにゃあかん」とたしなめられる武蔵。お、【哲学】が匂ってきましたな。３作目以降のテーマなんだろうな、【哲学】。 浪人の悪い企みで、宝蔵院の坊主軍団との決戦を覚悟した武蔵が「逃げられないのが侍というものだ」と一言。そうそう、武蔵はベラボウに強いのに、確実に恐怖を感じていて、だから、恐怖を克服する必要があって、だからこそ冷静である、という資質を感じる。「恐怖を克服」というテーマが全体に貫かれている点は実に好ましい。 立ち回りシーンのカットの長さと、カメラの動きが完璧で、コンテとかリハとか、今の映画つくりとは全然違うんのだろうな、と。もちろん、役者のスキルも違う。 違うと言えば、この時代（江戸時代初期）の待ち合わせが凄い。指定時刻には１０日間ぐらいの幅があるし、「あの辺の宿場にいるから聴いて回れ」といった場所指定。携帯電話の無い時代にこんなアバウトでやっていけたのか？と疑問を持つのだけれども、こーいうアバウトな約束で日本人は生きていけたのだ、ってことなのですよね。「５日間、同時刻に、同じ場所で待っているからな」っていう約束の悠長さと大らかさが心から羨ましい。
萬屋（中村）錦之助 出演作品
三國連太郎 出演作品
宮口精二 出演作品
江原真二郎 出演作品
山本麟一 出演作品
【チャンバラ、ドンパチ、ハダカ、ギラギラ、時々猟奇 東映映画万歳】
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【シリーズ作】
第３作『宮本武蔵 二刀流開眼』（1963）
第４作『宮本武蔵 一乗寺の決斗』（1964）
第５作『宮本武蔵 巌流島の決斗』（1965）
『宮本武蔵』
1961年、監督：内田吐夢。 新年、あけましておめでとうございます。 というわけで、新年早々、【めでたい映画】の主旨で本作をピックアップ。一人の偉人の成長・立身を描く大河劇である点が【めでたい】の論拠。 歴史劇に関心も薄く、だから、必須知識を何ら持たない僕にとって、宮本武蔵も忠臣蔵に続き、ぜひとも吸収しておくべきコンテンツ情報ではあった。そんな、軽い【お勉強モード】で観始めた本作だったはずだったんでしたけど、しかし…。 もう、圧倒されましたわ。全てが壮大ですわ。人生訓も強烈なのだけれども、いやいや、その前に娯楽映画として完璧。その人物像や、原作力を確信した上で、映像の説得力をなおも信じ、徹底的に追求した成果であることは明白。 雄大な自然光景を狙ったロケーションに、先ずは圧倒される。日本、美しい。そんでド迫力。オーラが凄げぇ。あ、この映画自体がパワースポットだって思いますよ。モニターの向こうから、とんでもねぇエネルギーがほとばしってくる。顔や精神にビチビチャとエネルギーがぶつかってくる。また、最大限に活かされた自然光が凄い。眩しくて、温かい。っつか、暑い。そんで、熱い。モニタを観ているだけで日焼けしそうだ。そして、雄大な自然光景に負けないエネルギーを発する役者陣が凄い。中でも、萬屋錦之介が凄い。錦之介が大自然の中で全身を使って動き回る、その動きの全てが優良なアクションだ。アップでの【好い顔】だけでなく、ロングの映像で見せる身体能力も素晴らしい。これぞ、役者。それから、じっくりと吟味された上で、集中力をもって実現されたアングルやカメラの動きにも圧倒される。完璧。で、そんな要素が全て組み合わされて、信じられない超ロング映像の中で錦之介が走り回るシーンなどは、それだけで胸が高鳴った。 
お蔭様で、【お勉強】の方も良好。 そうか、武蔵は“関が原の合戦”には豊臣勢として参戦したかぁ。しかも、武蔵は「むさし」ではなく「たけぞう」であったか。関が原の合戦の惨敗によって、“豊臣方残党”のレッテルを貼られ、しかも、（落ち延びた先でのアレコレで）出身地宮本村の親友：又八が（女に走って）村を捨てた根本原因をなすりつけられ、四面楚歌の武蔵。追われ、命を狙われ、ひもじく、暖かい言葉など全く無く、罵られ、だから、心は荒（すさ）み、未来を喪失し、憎悪ばかりの人間だ。あまりにも未熟な魂が成長を待つ様は、大河ドラマの開始点としては極上だぞ。【（本作においては）全く予兆の無い成長】が２作目以降に待ちかまえているわけなんでしょ？うんうん、そーいう映画を年始に観たかったわけさ。で、沢庵和尚（三国連太郎）という人格者が対比軸となって【憎悪する武蔵】の【未熟な人格】を強調。千本杉に吊り下げた武蔵に沢庵和尚が「野獣はどう強くとも野獣に過ぎん。人間以下のものでしかないんだ。哀れな奴だ。智恵の光を知らぬ奴だ。人間の真の強さとはそんなものじゃない」と説く。なるほど、乱暴者で直線的な武蔵は、きっとこの後、智恵に目覚めるはず。うんうん、めでたいコンテンツだぞ。だから、千本杉から救出され、「俺は生きてるぞー！」と歓喜する武蔵の発声に打たれた。あのぉ、この「生きてる」は「死ななかった」の「生きてる」ではなくて、「どこにでも変わっていくチャンスを得続けている」の「生きてる」なんですね。この叫びの瞬間、モニターから発せられるエネルギーがピークになった。うんうん、いい映画を観たぞ。【武蔵（たけぞう）時代】の最期を飾る白鷺城「あかずの間」での武蔵幽閉。祖先の亡霊が無念の想いと共に「祖先の血を浄化するためにも生きよ！」と武蔵に告げるシーンに感激した。うんうん、新年には、こーいう【生きる必然をドカーンと実感できる映画】を観なければいけなませんね。 全５作の本シリーズ、観進むのが楽しみな反面、今から、観終わるのが淋しいや。うんうん、本当に良い映画と出会えた。 時に手癖バリバリの伊福部スコア、それでも、ゴジラとは異質なテーマを背負っていることが伝わってくる。うんうん、いいぞぉ。萬屋（中村）錦之助 出演作品
三國連太郎 出演作品
宮口精二 出演作品
【チャンバラ、ドンパチ、ハダカ、ギラギラ、時々猟奇 東映映画万歳】
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『宮本武蔵 般若坂の決斗』
1962年、監督：内田吐夢。 第１作を観終わると、貪るように第２作に手が伸びた。第1作のラストが、本作の冒頭につながり、当たり前だけれども、第１作と第２作の質感は同じ。監督も役者も同じ。音楽は伊福部昭先生ではないが、他のスタッフは恐らく同じ。同じ…であるはずなのに、違う！決定的に違う。 白鷺城「あかずの間」で三年間を一人で精神修行しながら過ごした武蔵（たけぞう）は、人格が変わり、風貌も変わり、名前も宮本武蔵（むさし）に変わる。声をひっくり返して荒々しく叫んでいた武蔵（たけぞう）に比べ、武蔵（むさし）の声は低く落ち着いた丁寧語に変貌。謙虚で礼儀正しい好青年だ。しかも、強い。そんな、武蔵（たけぞう）から武蔵（むさし）への成長・変貌に、僕なんか、ササッと気分を変えて、次フェーズに便乗してみたものの、早くも、（つい、数十分前に観ていた）武蔵（たけぞう）時代が懐かしい…。つまり、このシリーズと僕の関係は良好、ってことだ。うんうん。 
修行の旅に出た、ってんで、本作は娯楽性を飛躍的に向上させている。三年間、じっと武蔵（たけぞう）を待っていた「お通（つう）さん（入江若葉）」の健気な想いを断ち切り、山道を歩く歩く。自然がでかい。そして、武蔵が相対するのは奈良宝蔵院の槍名人の坊さん達と、心の荒くれた浪人衆。ここで、僕が学んだ知識を披露する。本作の浪人ってのは、殿中で刃傷沙汰を起こした主君の実刑によって御家が断絶された結果の家来の行く末というものとは違う。わかるか？違うんだよ。関が原の合戦で敗れた豊臣勢が、揃って浪人となっているわけなんだ。雇用される当てもなく、飢えて、汚れて、ムシャクシャしているわけなんだ。その数１０万人だって。【ただの失業者】ではなく、【「敵」というレッテルのついた失業者】ってわけだから、辛いわ。「戦争の落とし子の道は険しい。お主も心して行くがよい」と沢庵和尚。そうそう、武蔵も豊臣勢だった浪人なのだったんだった。おー、歴史の薀蓄知識をひけらかすのって気持ちいいな。でも、どうせ、この程度のことはアンタ知ってたんだろ、そうなんだろ？ で、その浪人達は、盗みはするわ、強姦はするわ、そのくせ、剣術は弱くて、いかがわしい商売を企むわ、で、まぁ、救いが無い。こーいう生き方は駄目ですね。武蔵を商売に勧誘して「馬鹿〜！」って怒鳴られてるし。武蔵も浪人なのだから、つまりは、心の持ち方次第ってことですね。で、浪人衆の弱さ（腕も弱いが、気も弱い）と武蔵の強さ（腕も強いが、勇気もある）を対比させる中心軸的存在が宝蔵院の坊主。木製の槍の一撃で浪人を即死させた坊主が、武蔵の木刀の一撃で即死。坊主との勝負の直後、老僧から「もっと弱くならにゃあかん」とたしなめられる武蔵。お、【哲学】が匂ってきましたな。３作目以降のテーマなんだろうな、【哲学】。 浪人の悪い企みで、宝蔵院の坊主軍団との決戦を覚悟した武蔵が「逃げられないのが侍というものだ」と一言。そうそう、武蔵はベラボウに強いのに、確実に恐怖を感じていて、だから、恐怖を克服する必要があって、だからこそ冷静である、という資質を感じる。「恐怖を克服」というテーマが全体に貫かれている点は実に好ましい。 立ち回りシーンのカットの長さと、カメラの動きが完璧で、コンテとかリハとか、今の映画つくりとは全然違うんのだろうな、と。もちろん、役者のスキルも違う。 違うと言えば、この時代（江戸時代初期）の待ち合わせが凄い。指定時刻には１０日間ぐらいの幅があるし、「あの辺の宿場にいるから聴いて回れ」といった場所指定。携帯電話の無い時代にこんなアバウトでやっていけたのか？と疑問を持つのだけれども、こーいうアバウトな約束で日本人は生きていけたのだ、ってことなのですよね。「５日間、同時刻に、同じ場所で待っているからな」っていう約束の悠長さと大らかさが心から羨ましい。萬屋（中村）錦之助 出演作品
三國連太郎 出演作品
宮口精二 出演作品
江原真二郎 出演作品
山本麟一 出演作品
【チャンバラ、ドンパチ、ハダカ、ギラギラ、時々猟奇 東映映画万歳】
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【シリーズ作】
第３作『宮本武蔵 二刀流開眼』（1963）
第４作『宮本武蔵 一乗寺の決斗』（1964）
第５作『宮本武蔵 巌流島の決斗』（1965）
2012年01月11日
七草の髪飾り
2012年01月06日
暴力団排除なし、K-POPあり。
第62回 ＮＨＫ紅白歌合戦 総評
まったり観てたら、中身もまったりしてた。前回よりも事態は悪化しているか、と。全視聴者層にマルチに対応せんとする八方美人キャスティングが裏目に出続けて１０数年経っていると思うのだけれども、それは、つまり、裏目を感じているのは僕ぐらいで、NHKとしては、この路線を肯定的に継続していることの証なのだろう。韓流バッシングとか暴力団排除機運とか、そーいう瑣末なトレンドにはピクリとも動揺しない、ってことか。「動揺しない＝マンネリ」とも言い換えられますが。なんつうか、番組全体に漂うコンサバ感は、近年、高値安定しているように思う。若年層が支持している、エロっぽかったり、ワルっぽかったり、そんなのをフランクに起用しちゃいます的傾向が、完全に定着しちゃって、むしろ、全くコンサバ。くーちゃん、もう、全然エロくないしな。
・・・というまったり紅白で、テンションがあがったのは以下のアーティストのパフォーマンス。
■椎名林檎 『カーネーション』・・・価値あった。あぁ、叩きつけたな、と。大満足。椎名林檎、全開。NHKを完全に征したな、って思う。だからさ、そーいう志で臨む紅白ってのは、会場でパフォーマンスしなくちゃ駄目だと思うんです。中継なんか駄目だよ。レーザー使いまくって東北に（芝居っ気たっぷりに）メッセージする長渕とか駄目だってば。聖子だって会場で歌うべきだってば。で、もはや、ＮＨＫホールを【我が物】に出来ない浜崎あゆみの穴を完全に埋めてたわ、椎名林檎。それも、余裕だったわ。完全に勝ちだわ。
■KARA 『KARA 2011スペシャルメドレー』・・・メドレーって、たった２曲かよ。長渕のトーク３分間をKARAに回して欲しかったぞ（『ゴーゴー・サマー』が聴きたかった！季節はずれだけど…）。『ジェットコースター・ラブ』から『ミスター』に移る瞬間のニコルの英語のシャウトが最高でしたね。かっこよかった。ニコルのモチベーションが高い時のＫＡＲＡのステージは熱気があると思うな。ダンスがややツッコミ気味でさぁ。でもね、生歌と口パクのミックスみたいな変チクリンサウンドがちょっと・・・。
■Perfume 『レーザービーム』・・・もう、とっくにイメージが安定しているのに、Perfumeは観るたびに嬉しい。「嬉しい」って感じ、わかる？２０１１年は、まぁ、歌番組でＰｅｒｆｕｍｅばっかり観たな、って印象があるのだけれども、不思議と飽和しないのな。 三人とも、太股が（焼いたりして食ったら）美味そうだと思うんですけど…。
■少女時代 『GENIE』・・・メドレーでもよかったのに・・・。僕の趣味的には、ルックス・ダンスはKARAが上で、楽曲は少女時代が上。 『GENIE』に乗った日本語と、その発声には、テクノポップを作ったことのある身として、心から嫉妬してます。
■西田敏行 『あの街に生まれて』・・・歌が上手かった。
■氷川きよし 『情熱のマリアッチ』・・・完璧。この人、楽曲の企画性だけで継続しているトリッキーなアイドル歌手なんかじゃねぇよな。どの楽曲でも平歌（ひらうた）を完全に自分のモノにしているところに注目すべきだ。つまりは、企画性の高いサビが出る前に、とっくに強烈な訴求力を持っているってこと。「コブシが上手である」だけではなく、「歌が上手い」。おまけに歌に個性がある。「演歌復興に当て込まれた若手歌手」というフェーズは、とっくに脱している。今、歌謡曲を【完全な進化形】として守っているのは、この人だけなんだと思うよ。守護神きよし、リサイタルを生で観たい！
■松任谷由実 『（みんなの）春よ、来い』・・・軽く泣いた。他の出演者がこぞって歌う「東北へのメッセージソング」が、どれも「頑張れ！」というエネルギー注入型だったり、故郷回顧型で、特に僕はEXILEの『Rising Sun』には歯が浮いたんだけど、あのぉ、つまり、「東北で被災した人達の痛み」を等身大で受け止めていないと思ったわけなんです。その、最も、目を背けてしまう箇所で、本当に目を背けたまま、きれいごとを並べやがって、ってヤツです。「まずは、一緒に哀しみを共有する」という最初のフェーズが抜け落ちてる。長渕剛の楽曲も、目線が客観的すぎたと僕は思うな。その点、 『（みんなの）春よ、来い』は、被災者の痛みを共に味わい、抱きしめ、共に泣き、その瞬間を立脚点にしている。そして、ただただ、共に春を待つ。「頑張れ」ではなく、一緒に待つ。つまり、一緒に耐え続けることを決意している。 本楽曲が、震災前にとっくに存在した楽曲であり、東北のことも、震災のことも一切触れない楽曲であるのに、マキシマムに東北と直結したメッセージだと僕は感じた。 あ、思い出しても、泣けた。
■北島三郎 『帰ろかな』・・・この曲、いいと思わない？ この楽曲が、然るべき時代の、然るべき属性の人々に活力を与え、場合によっては、命をも救ったのだと思う。歌謡曲の底力。J-POPには無い。 氷川君にせよ、ユーミンにせよ、その歌謡曲の底力を完全に信じて、鉄壁のプレゼンテーションをしているわけなんだと思う。もちろん、サブちゃんが『まつり』を歌わなかった理由も同じだ。※あのね、サブちゃんは自粛目的で『まつり』を封印したのかも知れないけど、 EXILEは『まつり』を堂々と歌ったに等しいんだからね。
一方、つまんな過ぎて意識を失ってたのが、FUNKY MONKEY BABYS、西野カナ、AAA、川中美幸、水樹奈々、ポルノグラフィティ、伍代夏子、和田アキ子、いきものがかり、SMAP・・・。 Aikoはトイレに行ったから観ていないけど、観ていたら、意識を失ったはず。 あ、ちょっぴり、嘘。いきものがかりには反応したわ、俺。意識あったわ。 １コーラスだけ歌詞を読んで、奥さんに、「ねぇ、主題、読み取れた？」って聴いたわ。
FUNKY MONKEY BABYS、西野カナ、AAA、ポルノグラフィティ、いきものがかり、Aikoってさ、なんか、観ていて辛くなる。なんて言うか…、【一発屋になれなかった人達】って感じよ。ダラダラと継続しちゃっている痛み、っつうの？ 悪魔に不老不死の薬を飲まされ、死ぬことも出来ずに、ゾンビ化している人達って感じ。そんで、継続に価値を感じにくい。終わらせてあげようよ、って思う。あー、つまり、サザン・オールスターズとは違うし、たぶん、B’zとも違う。そんで、きっと、来年も再来年も紅白に出場するんだと思う。死ねない。 この人達が、紅白のコンサバ指向の主要因だと思うな。演歌系のレギュラー化とは意味合いが違う。新陳代謝しないポピュラー音楽ってのは事態としてリスキーだってことだ。（本当は、俺だって、演歌にも新陳代謝を求めたいのは山々だってば！）
アンジェラ・アキや絢香も、ゾンビ枠に入りつつあるし、あぁ、忘れてた、SMAPこそ本命だ・・・。
和田アキ子も・・。
まったり観てたら、中身もまったりしてた。前回よりも事態は悪化しているか、と。全視聴者層にマルチに対応せんとする八方美人キャスティングが裏目に出続けて１０数年経っていると思うのだけれども、それは、つまり、裏目を感じているのは僕ぐらいで、NHKとしては、この路線を肯定的に継続していることの証なのだろう。韓流バッシングとか暴力団排除機運とか、そーいう瑣末なトレンドにはピクリとも動揺しない、ってことか。「動揺しない＝マンネリ」とも言い換えられますが。なんつうか、番組全体に漂うコンサバ感は、近年、高値安定しているように思う。若年層が支持している、エロっぽかったり、ワルっぽかったり、そんなのをフランクに起用しちゃいます的傾向が、完全に定着しちゃって、むしろ、全くコンサバ。くーちゃん、もう、全然エロくないしな。
・・・というまったり紅白で、テンションがあがったのは以下のアーティストのパフォーマンス。
■椎名林檎 『カーネーション』・・・価値あった。あぁ、叩きつけたな、と。大満足。椎名林檎、全開。NHKを完全に征したな、って思う。だからさ、そーいう志で臨む紅白ってのは、会場でパフォーマンスしなくちゃ駄目だと思うんです。中継なんか駄目だよ。レーザー使いまくって東北に（芝居っ気たっぷりに）メッセージする長渕とか駄目だってば。聖子だって会場で歌うべきだってば。で、もはや、ＮＨＫホールを【我が物】に出来ない浜崎あゆみの穴を完全に埋めてたわ、椎名林檎。それも、余裕だったわ。完全に勝ちだわ。
■KARA 『KARA 2011スペシャルメドレー』・・・メドレーって、たった２曲かよ。長渕のトーク３分間をKARAに回して欲しかったぞ（『ゴーゴー・サマー』が聴きたかった！季節はずれだけど…）。『ジェットコースター・ラブ』から『ミスター』に移る瞬間のニコルの英語のシャウトが最高でしたね。かっこよかった。ニコルのモチベーションが高い時のＫＡＲＡのステージは熱気があると思うな。ダンスがややツッコミ気味でさぁ。でもね、生歌と口パクのミックスみたいな変チクリンサウンドがちょっと・・・。
■Perfume 『レーザービーム』・・・もう、とっくにイメージが安定しているのに、Perfumeは観るたびに嬉しい。「嬉しい」って感じ、わかる？２０１１年は、まぁ、歌番組でＰｅｒｆｕｍｅばっかり観たな、って印象があるのだけれども、不思議と飽和しないのな。 三人とも、太股が（焼いたりして食ったら）美味そうだと思うんですけど…。
■少女時代 『GENIE』・・・メドレーでもよかったのに・・・。僕の趣味的には、ルックス・ダンスはKARAが上で、楽曲は少女時代が上。 『GENIE』に乗った日本語と、その発声には、テクノポップを作ったことのある身として、心から嫉妬してます。
■西田敏行 『あの街に生まれて』・・・歌が上手かった。
■氷川きよし 『情熱のマリアッチ』・・・完璧。この人、楽曲の企画性だけで継続しているトリッキーなアイドル歌手なんかじゃねぇよな。どの楽曲でも平歌（ひらうた）を完全に自分のモノにしているところに注目すべきだ。つまりは、企画性の高いサビが出る前に、とっくに強烈な訴求力を持っているってこと。「コブシが上手である」だけではなく、「歌が上手い」。おまけに歌に個性がある。「演歌復興に当て込まれた若手歌手」というフェーズは、とっくに脱している。今、歌謡曲を【完全な進化形】として守っているのは、この人だけなんだと思うよ。守護神きよし、リサイタルを生で観たい！
■松任谷由実 『（みんなの）春よ、来い』・・・軽く泣いた。他の出演者がこぞって歌う「東北へのメッセージソング」が、どれも「頑張れ！」というエネルギー注入型だったり、故郷回顧型で、特に僕はEXILEの『Rising Sun』には歯が浮いたんだけど、あのぉ、つまり、「東北で被災した人達の痛み」を等身大で受け止めていないと思ったわけなんです。その、最も、目を背けてしまう箇所で、本当に目を背けたまま、きれいごとを並べやがって、ってヤツです。「まずは、一緒に哀しみを共有する」という最初のフェーズが抜け落ちてる。長渕剛の楽曲も、目線が客観的すぎたと僕は思うな。その点、 『（みんなの）春よ、来い』は、被災者の痛みを共に味わい、抱きしめ、共に泣き、その瞬間を立脚点にしている。そして、ただただ、共に春を待つ。「頑張れ」ではなく、一緒に待つ。つまり、一緒に耐え続けることを決意している。 本楽曲が、震災前にとっくに存在した楽曲であり、東北のことも、震災のことも一切触れない楽曲であるのに、マキシマムに東北と直結したメッセージだと僕は感じた。 あ、思い出しても、泣けた。
■北島三郎 『帰ろかな』・・・この曲、いいと思わない？ この楽曲が、然るべき時代の、然るべき属性の人々に活力を与え、場合によっては、命をも救ったのだと思う。歌謡曲の底力。J-POPには無い。 氷川君にせよ、ユーミンにせよ、その歌謡曲の底力を完全に信じて、鉄壁のプレゼンテーションをしているわけなんだと思う。もちろん、サブちゃんが『まつり』を歌わなかった理由も同じだ。※あのね、サブちゃんは自粛目的で『まつり』を封印したのかも知れないけど、 EXILEは『まつり』を堂々と歌ったに等しいんだからね。
一方、つまんな過ぎて意識を失ってたのが、FUNKY MONKEY BABYS、西野カナ、AAA、川中美幸、水樹奈々、ポルノグラフィティ、伍代夏子、和田アキ子、いきものがかり、SMAP・・・。 Aikoはトイレに行ったから観ていないけど、観ていたら、意識を失ったはず。 あ、ちょっぴり、嘘。いきものがかりには反応したわ、俺。意識あったわ。 １コーラスだけ歌詞を読んで、奥さんに、「ねぇ、主題、読み取れた？」って聴いたわ。
FUNKY MONKEY BABYS、西野カナ、AAA、ポルノグラフィティ、いきものがかり、Aikoってさ、なんか、観ていて辛くなる。なんて言うか…、【一発屋になれなかった人達】って感じよ。ダラダラと継続しちゃっている痛み、っつうの？ 悪魔に不老不死の薬を飲まされ、死ぬことも出来ずに、ゾンビ化している人達って感じ。そんで、継続に価値を感じにくい。終わらせてあげようよ、って思う。あー、つまり、サザン・オールスターズとは違うし、たぶん、B’zとも違う。そんで、きっと、来年も再来年も紅白に出場するんだと思う。死ねない。 この人達が、紅白のコンサバ指向の主要因だと思うな。演歌系のレギュラー化とは意味合いが違う。新陳代謝しないポピュラー音楽ってのは事態としてリスキーだってことだ。（本当は、俺だって、演歌にも新陳代謝を求めたいのは山々だってば！）
アンジェラ・アキや絢香も、ゾンビ枠に入りつつあるし、あぁ、忘れてた、SMAPこそ本命だ・・・。
和田アキ子も・・。
2012年01月01日
2011年12月31日
2011年、ありがとう。
いろいろあった年でしたね。皆も僕も。
変化があった。
準備は整った。
2012年が、楽しみ。
お疲れ様でした。
ありがとう。
変化があった。
準備は整った。
2012年が、楽しみ。
お疲れ様でした。
ありがとう。
2011年12月30日
2011年に出会えてよかった映画
（１）『フィッシュストーリー』
（２）『告白』
（３）『インセプション』
（４）『ミックマック』
（５）『悪人』
（６）『オーケストラ！』
（７）『乱暴と待機』
（８）『キック・アス』
（９）『パンドラの匣』
（10）『Ｄｒ．パルナサスの鏡』
（11）『プチ・ニコラ』
（12）『ちょんまげプリン』
（13）『パーマネント野ばら』
（14）『アヒルと鴨のコインロッカー』
（15）『キサラギ』
（16）『恋に落ちる確率』
（17）『水の中のつぼみ』
（18）『ノーウェア・ボーイ ひとりぼっちのあいつ』
（19）『カールじいさんの空飛ぶ家』
（20）『破戒』
【次点】
『ヤギと男と男と壁と』
『オリンダのリストランテ』
『太陽の子 てだのふあ』
『西の魔女が死んだ』
『ロング・エンゲージメント』
『シェフとギャルソン、リストランテの夜』
『秘密』
『ＤＲＩＶＥ ドライブ』
『新幹線大爆破』
『有りがたうさん』
以上、今年の希望をありがとう！
2010年に出会えてよかった映画
（２）『告白』
（３）『インセプション』
（４）『ミックマック』
（５）『悪人』
（６）『オーケストラ！』
（７）『乱暴と待機』
（８）『キック・アス』
（９）『パンドラの匣』
（10）『Ｄｒ．パルナサスの鏡』
（11）『プチ・ニコラ』
（12）『ちょんまげプリン』
（13）『パーマネント野ばら』
（14）『アヒルと鴨のコインロッカー』
（15）『キサラギ』
（16）『恋に落ちる確率』
（17）『水の中のつぼみ』
（18）『ノーウェア・ボーイ ひとりぼっちのあいつ』
（19）『カールじいさんの空飛ぶ家』
（20）『破戒』
【次点】
『ヤギと男と男と壁と』
『オリンダのリストランテ』
『太陽の子 てだのふあ』
『西の魔女が死んだ』
『ロング・エンゲージメント』
『シェフとギャルソン、リストランテの夜』
『秘密』
『ＤＲＩＶＥ ドライブ』
『新幹線大爆破』
『有りがたうさん』
以上、今年の希望をありがとう！
2010年に出会えてよかった映画
2011年12月29日
2011年に出会えてよかった音楽ソフト
（１）『ヨーロッパ・コンサート2000〜10周年記念コンサート〜（ベートーヴェン：交響曲第9番ニ短調作品125「合唱」ほか ）／アバド＆ベルリン・フィルハーモニー管弦楽団』
（２）『NHK島唄の世界 沖縄本島 唱者 登川誠仁』
（３）『live image + -010531- ／V.A.』
（４）『CROSSOVER JAPAN ‘03』（����）
（５）『トーキング・ヘッズ／ストップ・メイキング・センス』
（６）『レディース＆ジェントルメン／ザ・ローリング・ストーンズ』
（７）『愛しきベイルート／アラブの歌姫』
（８）『サンタナ／セイクリッド・ファイアー〜ライヴ・イン・メキシコ』
（９）『ドアーズ／まぼろしの世界（原題：WHEN YOU‘RE STRANGE）』
（１０）『E.YAZAWA ROCK』 『ロンドンの大休日／チューリップ』
以上、今年の感動をありがとう！
（２）『NHK島唄の世界 沖縄本島 唱者 登川誠仁』
（３）『live image + -010531- ／V.A.』
（４）『CROSSOVER JAPAN ‘03』（����）
（５）『トーキング・ヘッズ／ストップ・メイキング・センス』
（６）『レディース＆ジェントルメン／ザ・ローリング・ストーンズ』
（７）『愛しきベイルート／アラブの歌姫』
（８）『サンタナ／セイクリッド・ファイアー〜ライヴ・イン・メキシコ』
（９）『ドアーズ／まぼろしの世界（原題：WHEN YOU‘RE STRANGE）』
（１０）『E.YAZAWA ROCK』 『ロンドンの大休日／チューリップ』
以上、今年の感動をありがとう！
2011年12月28日
年末名作大放出（２）
『プチ・ニコラ』『バーン・アフター・リーディング』
『プチ・ニコラ（原題：LE PETIT NICOLAS／LITTLE NICHOLAS）』
2009年、監督：ローラン・ティラール。 60年代にフランスの新聞で連載された漫画の実写版。原作漫画のキャラクターデザインを眺めつつ、サザエさんの実写版（複数事例）を思い出してみれば、アレレ、本作はよく出来た実写化だぞ。ここで僕が言う【よく出来た】とは、「原作漫画のキャラと登場役者がソックリ！」ということでは全くない。むしろ逆。「原作漫画のことを僕が一切考慮する必要が無かった」という点が【よく出来た】の論拠だ。原作からは中核のエッセンスだけを抽出し、だから、【表層面の事象への執着】は無く、呪縛されていない。つまり、原作の旨味成分を高純度で保有した上で、自在に振る舞う権利を取得、と。原作漫画の映画（ドラマ）化って、そーいうスタンスが正しいと思うのですが、やっぱ、似てなきゃ駄目ですか･･･？ 原作漫画に隷属した関係性をエクスキューズにしたり、実写化映画の中で至らない欠損を原作漫画に差し戻すような、原作漫画とベタついた関係の未熟映画と本作は格段に志が違うし、出来栄えが違う。あ、『ALWAYS三丁目の夕日』と近い精度かも。60年代のフランスを舞台とし、当時の生活や文化・風習を再現している本作の味わいも、昭和30年代の東京を再現した『ALWAYS〜』と近しい。「原作漫画の精神を約50年前の自国の文化・風習ごと継承し、現代にアプローチする」という一致したテーマの映画2本を並べてみると、映画作品に託した両国の美徳的な国民性の差異が明白になる。日本人が「貧乏であっても勤勉で、未来への希望を片時も忘れない性質」を持つならば、フランス人は「保守的な圧力に英知と勇気で刃向う革新勢力に新時代への改革要因を見出す性質」を持っているように思える。でも、それは、1960年代ならではの改革意識の高まりや、戦後の国家的立場の差異なんかも色濃く反映した結果だろう。だからこそ、両作品に登場する子供の生活文化だけに着目して、その質感を比べてみると、両国の差異はより端的に顕れる。フランスはウィットでチャームだし、日本はウェットでウォームだ、ってことだ。ジーンと泣ける場面でさえ、軽い悪ふざけを忘れないフランスのセンス、僕は好きだ。スコーンと原色で塗り分けた美術観も好きだ。なんだか、それだけでフランス的だ。本作には、時代性云々でなく（どうせ、僕は時代的差異なんか知らないし）、【汎用的でシンボリックなフランス】がガツンと存在する（あのぉ、つまり、60年代に日本人が抱いたフランスのイメージって、「芸術の都」的なステロ表現か、イヤミの「おフランスざんす」的な羨望＆劣等感でしかなかった、っていう事情ごとガツンと存在していて、だから、日本人にさえ汎用性があると思いますよ）。
そんで、汎用のおフランスったら、ウエットとチャームに続く【第三のフランスっぽさアイテム】を提示してくれた。それはね、【不細工】。ニコルの小学校の仲間達が６名ほどいて、こいつらの中には美少年とブサ男子が混在。これ、なんだか、フランスっぽい。アラン・ドロンとジャン＝ポール・ベルモンドが普通に並んでいて、何故か、ベルモンドの方が魅力的･･･というマジックが、本作の中に自然に成立。ブサ男子が圧倒的に魅力的で目が離せない。美少年も、行動的にズッコケて、精神的にブサを背負った瞬間にチャームが増す。「ブサイク」ってのは、この場合、「ワンパク」とか「イタズラ」とかに変換されるべきニュアンスで、つまりは、「保守」に対する「革新」を意味しているように思える。そして、それこそが、僕にとっての【おフランス的イメージ】だ。 少年ならではの発想が、【少年ならではのワンパクな行動】として秘密基地から発信され、トンチンカンだけど一生懸命で、ズルかったり、残忍だったりもして、それはつまり、少年的で、革新的で、だから、ブサイクである、そんな映画。いろんな意味で『アメリ』との共通項があった。 食卓を囲む家族が腹を抱えて笑い合うシーンは極上だ。涙が出た。 満ち足りました。
メレンゲ自慢会IIの映画レビュー一覧
【2011年に出会えてよかった映画 第１１位】
『バーン・アフター・リーディング（原題：BURN AFTER READING）』
2008年、監督：イーサン・コーエン、ジョエル・コーエン。 軽妙に進行し、後には何も残さずに、サク〜〜ッと終わる映画。テンポの良さもさることながら、後始末が完璧。何も残さない。血の一滴も残さず、100%の除染。 偶然が連鎖し、大の大人である登場人物達が個人の範疇で身勝手に盛り上がり、犯罪に暴走し、そんで、何人かが死に、なのに、さしたる事件として成立もせずに、サササッと処理されて終わっちゃう。形跡なし。個人にとっては、【全霊を賭けて人生を転換させるための期待】だったり、【文字通りに命を賭けた計画行動】だったりするのに、モニターのコッチ側の僕達にとっては、それは、【極めて２次元的な情報リソース】でしかなくて、【画面の向こう側】で誰かが２次元的に蠢くフィクションの軽薄さや残忍さの実態を極めて冷静に諭されているような気分になった。だからさ、誰かの死を軽率でチープな事象情報として簡単に処理した僕は「死んでやんの」なんつってクスクス笑いをしてしまったわけなんです。このシニカルで乾いたスタンスが実にコーエン兄弟的であり、実にポップ。 そもそも、【元ＣＩＡ】（解雇されてＣＩＡの暴露本を執筆中）との離婚を目論み、夫のＰＣの情報をコピーしたCD-Rをトレーニングジムで落とした弁護士、という発端がマヌケだ。軽率だ。で、そのCD-Rを拾った【筋肉バカ】が思い込みだけで、一攫千金を目論み、暴走を始めちゃう。ＣＩＡのスキャンダル情報と決め付け、ＣＩＡをユスったり、ロシアに売り込んだり。あ、どっちも相手にされないんだけどね。で、「真の機密情報を盗もう」ってんで、【元ＣＩＡ】宅に忍び込んだら、奥さんと不倫中の財務省連邦保安官と鉢合わせしてハズミで絶命･･･、って、エピソードを文字で列挙すると、ホント、バカみたいなストーリーですね。
事実、【おバカ映画】を意図されていると思うわけなんですが、そのバカ加減が本気で壮絶なんだわ。何しろ、役者が本気。本気になって【軽率でチープな２次元的情報リソース】を創出している。【元ＣＩＡ】のジョン・マルコビッチは全身の毛穴までキレまくっているし、【筋肉バカ】のブラッド・ピットは、トレーニングとiPodに夢中で、ヤベぇ、ガチで脳ミソが停止してらぁ。財務省連邦保安官のジョージ・クルーニーは相変わらず一点に執着しながら色気過剰で女にダラシない。今回のクルーニーの執着対象はランニング。他の一般人がランニングにハマる健全な状況というものが、何故か、この人にだけはスライドされない。アレとコレとは全く違う。「ま〜た走ってやがる」という苦笑が最終的には「こいつが走ると気持ち悪りぃ･･･」という域にまで到達。さすがはクルーニーだ。かつてポマードに固執したように、今度はランニングに固執。今回のクルーニーは珍しく二点買いで、工作のオタクでもあるわけなのだけれども、不倫相手に電動チンコの付いた【揺り木馬】をプレゼント。この無駄なエピソードを敢えて挿入した意図は、クルーニーがブラピとの【バカ比べ】で負けたくなかっただけなんじゃないか、って気がする。この人は心から笑われたがっているんですね。･･･と、三人の男優のイカレっぷりだけで、とっくに【K点越え】なんだが、ここにフランシス・マクドーマンドが加わる。フランシスは全身整形の夢に全力疾走中で、腕のタポタポを殊更に強調。『ファーゴ』では指摘しにくかったけど、この人、変ですよね･･･。 ランニングやトレーニングや全身整形に固執しているキャラの勢揃いって、すなわち、【肉体改造】への過剰な執着ってことであって、これって、過度な健康志向のアメリカ人への皮肉なんでしょ。そんで、彼等の計画や行動が、どれもこれも場当たり的で、穴だらけで、案の定、失敗するわけだから、やっぱ、その皮肉は容赦ないわけです。
2011年、コーエン兄弟に始まって、コーエン兄弟に終わった（メレンゲ自慢会�怯撚茱譽咼紂次砲任靴拭�お世話様でした。良いお年をお迎えください。じゃあ、また！
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メレンゲ自慢会IIの映画レビュー一覧
『プチ・ニコラ（原題：LE PETIT NICOLAS／LITTLE NICHOLAS）』
2009年、監督：ローラン・ティラール。 60年代にフランスの新聞で連載された漫画の実写版。原作漫画のキャラクターデザインを眺めつつ、サザエさんの実写版（複数事例）を思い出してみれば、アレレ、本作はよく出来た実写化だぞ。ここで僕が言う【よく出来た】とは、「原作漫画のキャラと登場役者がソックリ！」ということでは全くない。むしろ逆。「原作漫画のことを僕が一切考慮する必要が無かった」という点が【よく出来た】の論拠だ。原作からは中核のエッセンスだけを抽出し、だから、【表層面の事象への執着】は無く、呪縛されていない。つまり、原作の旨味成分を高純度で保有した上で、自在に振る舞う権利を取得、と。原作漫画の映画（ドラマ）化って、そーいうスタンスが正しいと思うのですが、やっぱ、似てなきゃ駄目ですか･･･？ 原作漫画に隷属した関係性をエクスキューズにしたり、実写化映画の中で至らない欠損を原作漫画に差し戻すような、原作漫画とベタついた関係の未熟映画と本作は格段に志が違うし、出来栄えが違う。あ、『ALWAYS三丁目の夕日』と近い精度かも。60年代のフランスを舞台とし、当時の生活や文化・風習を再現している本作の味わいも、昭和30年代の東京を再現した『ALWAYS〜』と近しい。「原作漫画の精神を約50年前の自国の文化・風習ごと継承し、現代にアプローチする」という一致したテーマの映画2本を並べてみると、映画作品に託した両国の美徳的な国民性の差異が明白になる。日本人が「貧乏であっても勤勉で、未来への希望を片時も忘れない性質」を持つならば、フランス人は「保守的な圧力に英知と勇気で刃向う革新勢力に新時代への改革要因を見出す性質」を持っているように思える。でも、それは、1960年代ならではの改革意識の高まりや、戦後の国家的立場の差異なんかも色濃く反映した結果だろう。だからこそ、両作品に登場する子供の生活文化だけに着目して、その質感を比べてみると、両国の差異はより端的に顕れる。フランスはウィットでチャームだし、日本はウェットでウォームだ、ってことだ。ジーンと泣ける場面でさえ、軽い悪ふざけを忘れないフランスのセンス、僕は好きだ。スコーンと原色で塗り分けた美術観も好きだ。なんだか、それだけでフランス的だ。本作には、時代性云々でなく（どうせ、僕は時代的差異なんか知らないし）、【汎用的でシンボリックなフランス】がガツンと存在する（あのぉ、つまり、60年代に日本人が抱いたフランスのイメージって、「芸術の都」的なステロ表現か、イヤミの「おフランスざんす」的な羨望＆劣等感でしかなかった、っていう事情ごとガツンと存在していて、だから、日本人にさえ汎用性があると思いますよ）。
そんで、汎用のおフランスったら、ウエットとチャームに続く【第三のフランスっぽさアイテム】を提示してくれた。それはね、【不細工】。ニコルの小学校の仲間達が６名ほどいて、こいつらの中には美少年とブサ男子が混在。これ、なんだか、フランスっぽい。アラン・ドロンとジャン＝ポール・ベルモンドが普通に並んでいて、何故か、ベルモンドの方が魅力的･･･というマジックが、本作の中に自然に成立。ブサ男子が圧倒的に魅力的で目が離せない。美少年も、行動的にズッコケて、精神的にブサを背負った瞬間にチャームが増す。「ブサイク」ってのは、この場合、「ワンパク」とか「イタズラ」とかに変換されるべきニュアンスで、つまりは、「保守」に対する「革新」を意味しているように思える。そして、それこそが、僕にとっての【おフランス的イメージ】だ。 少年ならではの発想が、【少年ならではのワンパクな行動】として秘密基地から発信され、トンチンカンだけど一生懸命で、ズルかったり、残忍だったりもして、それはつまり、少年的で、革新的で、だから、ブサイクである、そんな映画。いろんな意味で『アメリ』との共通項があった。 食卓を囲む家族が腹を抱えて笑い合うシーンは極上だ。涙が出た。 満ち足りました。メレンゲ自慢会IIの映画レビュー一覧
【2011年に出会えてよかった映画 第１１位】
『バーン・アフター・リーディング（原題：BURN AFTER READING）』
2008年、監督：イーサン・コーエン、ジョエル・コーエン。 軽妙に進行し、後には何も残さずに、サク〜〜ッと終わる映画。テンポの良さもさることながら、後始末が完璧。何も残さない。血の一滴も残さず、100%の除染。 偶然が連鎖し、大の大人である登場人物達が個人の範疇で身勝手に盛り上がり、犯罪に暴走し、そんで、何人かが死に、なのに、さしたる事件として成立もせずに、サササッと処理されて終わっちゃう。形跡なし。個人にとっては、【全霊を賭けて人生を転換させるための期待】だったり、【文字通りに命を賭けた計画行動】だったりするのに、モニターのコッチ側の僕達にとっては、それは、【極めて２次元的な情報リソース】でしかなくて、【画面の向こう側】で誰かが２次元的に蠢くフィクションの軽薄さや残忍さの実態を極めて冷静に諭されているような気分になった。だからさ、誰かの死を軽率でチープな事象情報として簡単に処理した僕は「死んでやんの」なんつってクスクス笑いをしてしまったわけなんです。このシニカルで乾いたスタンスが実にコーエン兄弟的であり、実にポップ。 そもそも、【元ＣＩＡ】（解雇されてＣＩＡの暴露本を執筆中）との離婚を目論み、夫のＰＣの情報をコピーしたCD-Rをトレーニングジムで落とした弁護士、という発端がマヌケだ。軽率だ。で、そのCD-Rを拾った【筋肉バカ】が思い込みだけで、一攫千金を目論み、暴走を始めちゃう。ＣＩＡのスキャンダル情報と決め付け、ＣＩＡをユスったり、ロシアに売り込んだり。あ、どっちも相手にされないんだけどね。で、「真の機密情報を盗もう」ってんで、【元ＣＩＡ】宅に忍び込んだら、奥さんと不倫中の財務省連邦保安官と鉢合わせしてハズミで絶命･･･、って、エピソードを文字で列挙すると、ホント、バカみたいなストーリーですね。
事実、【おバカ映画】を意図されていると思うわけなんですが、そのバカ加減が本気で壮絶なんだわ。何しろ、役者が本気。本気になって【軽率でチープな２次元的情報リソース】を創出している。【元ＣＩＡ】のジョン・マルコビッチは全身の毛穴までキレまくっているし、【筋肉バカ】のブラッド・ピットは、トレーニングとiPodに夢中で、ヤベぇ、ガチで脳ミソが停止してらぁ。財務省連邦保安官のジョージ・クルーニーは相変わらず一点に執着しながら色気過剰で女にダラシない。今回のクルーニーの執着対象はランニング。他の一般人がランニングにハマる健全な状況というものが、何故か、この人にだけはスライドされない。アレとコレとは全く違う。「ま〜た走ってやがる」という苦笑が最終的には「こいつが走ると気持ち悪りぃ･･･」という域にまで到達。さすがはクルーニーだ。かつてポマードに固執したように、今度はランニングに固執。今回のクルーニーは珍しく二点買いで、工作のオタクでもあるわけなのだけれども、不倫相手に電動チンコの付いた【揺り木馬】をプレゼント。この無駄なエピソードを敢えて挿入した意図は、クルーニーがブラピとの【バカ比べ】で負けたくなかっただけなんじゃないか、って気がする。この人は心から笑われたがっているんですね。･･･と、三人の男優のイカレっぷりだけで、とっくに【K点越え】なんだが、ここにフランシス・マクドーマンドが加わる。フランシスは全身整形の夢に全力疾走中で、腕のタポタポを殊更に強調。『ファーゴ』では指摘しにくかったけど、この人、変ですよね･･･。 ランニングやトレーニングや全身整形に固執しているキャラの勢揃いって、すなわち、【肉体改造】への過剰な執着ってことであって、これって、過度な健康志向のアメリカ人への皮肉なんでしょ。そんで、彼等の計画や行動が、どれもこれも場当たり的で、穴だらけで、案の定、失敗するわけだから、やっぱ、その皮肉は容赦ないわけです。 2011年、コーエン兄弟に始まって、コーエン兄弟に終わった（メレンゲ自慢会�怯撚茱譽咼紂次砲任靴拭�お世話様でした。良いお年をお迎えください。じゃあ、また！
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メレンゲ自慢会IIの映画レビュー一覧
2011年12月27日
ＫＡＲＡのプレゼント
そして、サンタさんから僕にもプレゼント。ＫＡＲＡのカレンダー！（あ、タイトルはそのまんまです。）
サンタさんって本当にいるんだぁ！
僕が一番欲しいモノをくれるんだもの。
あれ？ 知りませんでした？ 実は、僕、ＫＡＲＡに夢中なんですぅ。
なんか、カミングアウトするタイミングを逸してた。
今、告白します。
僕、ＫＡＲＡが大好きなんですぅ。
このカレンダー、一等地に張ってます。
サンタさん、ありがとう！
美食倶楽部（クリスマス編）
クリスマス。
１人暮らしの時よりも夫婦２人の生活が、そして、夫婦２人の生活よりも子供のいる生活が、クリスマスを充実させてくれることを実感。
子供がいると、クリスマスの期間が長い。つまり、クリスマス関連のイベントが小刻みに複数回、複数日に渡って展開するので、【クリスマスな気分】がジワジワと継続するわけなんですね。これ、楽しいです。得した気分です。
まず、子供達は【本番】までに複数人のサンタクロースを目撃するわけなんです。我が家の事例で言えば、近所のショッピングモールに登場したウルトラセブンのサンタクロースに始まり（いや、これが、ホントに、セブンの着ぐるみの上からサンタコスチュームを着てるんだわ！ 何故、セブンかは不明･･･）、児童館の職員さんや、幼稚園にやってきたサンタさんを目撃し、でも、彼等が【本番】（＝本物）を想定している以上、【本番前】にフライングしてきたサンタを「ありゃ、偽者」って明確に認識されていて、その【偽サンタ】がお菓子とかチャチなプレゼントでお茶を濁すにつけ、【本番】（＝本物）への期待は、イコール、プレゼントの高価値感への過剰な期待となって積みあがっていったのでした。
そんで、そんな子供達の長引く期待と共に過ごすことが、すなわち、長いクリスマスの実態なのであって、24日のイブ当日にプレゼントを調達した【本番のサンタ】としては冷や冷やもしたし、期待が重くもあったけれども、やっぱ、長いクリスマスは楽しいです。
例年では、イブになって初めてクリスマスな音楽を流していたのだけれども、今年は、ジョン・レノンの命日（9日）を過ぎた辺りからハードローテでかけまくり。色んな意味で長く楽しんだクリスマスでしたね。
そんな【本番のサンタ】に届いたプレゼントが、イケアのプレミアムメニュー。これが太っ腹。イケアからチケットが届き、プレミアムメニューがペアで無料だ、と。スープ＋サラダ＋ハムステーキ＆ローストビーフ＋ワイン＋デザートのセットが無料だ、と。２人前で約3000円也が無料だ、と。ペアってくらいだから、僕と奥さんが食べるべきメニューである、と。子供には単品メニューや子供メニューをあてがっておけばいい、と。 で、23日（金）子供に単品メニューをあてがって（この単品がバカ美味なんだけどね）、僕達はワインで乾杯して、一足早いクリスマスなランチを満喫したのでした。イケアさん、ありがとう。
で、24日（土）は、【本番のサンタ】がトイザラス方面と食材集めに奔走し、（１）サンドイッチ、（２）ローズマリーのマリネチキン焼き、（３）クラムチャウダー、（４）サラダのクリスマスメニューでディナー。子供達にはスペシャルなクリスマスプレートだ。チキンライス（チキンでなく、ウインナーを使用）＋焼き鳥２本･･･。クリスマスだから鶏食うんでしょ？ ってわけで、このプレートは、僕の発案＆調理。スパークリングジュース（ブドウ味）で乾杯。食後のケーキまで、子供達就寝後の（クリスマス系）映画鑑賞まで、キッチリと、クリスマスモード全開のクリスマスイブが明けた翌日、【本番のサンタ】が届けてくれたプレゼントを開封した瞬間に、クリスマスモードがその頂点記録を更新。
子供のいるクリスマスは終わらない。
１人暮らしの時よりも夫婦２人の生活が、そして、夫婦２人の生活よりも子供のいる生活が、クリスマスを充実させてくれることを実感。
子供がいると、クリスマスの期間が長い。つまり、クリスマス関連のイベントが小刻みに複数回、複数日に渡って展開するので、【クリスマスな気分】がジワジワと継続するわけなんですね。これ、楽しいです。得した気分です。
まず、子供達は【本番】までに複数人のサンタクロースを目撃するわけなんです。我が家の事例で言えば、近所のショッピングモールに登場したウルトラセブンのサンタクロースに始まり（いや、これが、ホントに、セブンの着ぐるみの上からサンタコスチュームを着てるんだわ！ 何故、セブンかは不明･･･）、児童館の職員さんや、幼稚園にやってきたサンタさんを目撃し、でも、彼等が【本番】（＝本物）を想定している以上、【本番前】にフライングしてきたサンタを「ありゃ、偽者」って明確に認識されていて、その【偽サンタ】がお菓子とかチャチなプレゼントでお茶を濁すにつけ、【本番】（＝本物）への期待は、イコール、プレゼントの高価値感への過剰な期待となって積みあがっていったのでした。そんで、そんな子供達の長引く期待と共に過ごすことが、すなわち、長いクリスマスの実態なのであって、24日のイブ当日にプレゼントを調達した【本番のサンタ】としては冷や冷やもしたし、期待が重くもあったけれども、やっぱ、長いクリスマスは楽しいです。
例年では、イブになって初めてクリスマスな音楽を流していたのだけれども、今年は、ジョン・レノンの命日（9日）を過ぎた辺りからハードローテでかけまくり。色んな意味で長く楽しんだクリスマスでしたね。
そんな【本番のサンタ】に届いたプレゼントが、イケアのプレミアムメニュー。これが太っ腹。イケアからチケットが届き、プレミアムメニューがペアで無料だ、と。スープ＋サラダ＋ハムステーキ＆ローストビーフ＋ワイン＋デザートのセットが無料だ、と。２人前で約3000円也が無料だ、と。ペアってくらいだから、僕と奥さんが食べるべきメニューである、と。子供には単品メニューや子供メニューをあてがっておけばいい、と。 で、23日（金）子供に単品メニューをあてがって（この単品がバカ美味なんだけどね）、僕達はワインで乾杯して、一足早いクリスマスなランチを満喫したのでした。イケアさん、ありがとう。
で、24日（土）は、【本番のサンタ】がトイザラス方面と食材集めに奔走し、（１）サンドイッチ、（２）ローズマリーのマリネチキン焼き、（３）クラムチャウダー、（４）サラダのクリスマスメニューでディナー。子供達にはスペシャルなクリスマスプレートだ。チキンライス（チキンでなく、ウインナーを使用）＋焼き鳥２本･･･。クリスマスだから鶏食うんでしょ？ ってわけで、このプレートは、僕の発案＆調理。スパークリングジュース（ブドウ味）で乾杯。食後のケーキまで、子供達就寝後の（クリスマス系）映画鑑賞まで、キッチリと、クリスマスモード全開のクリスマスイブが明けた翌日、【本番のサンタ】が届けてくれたプレゼントを開封した瞬間に、クリスマスモードがその頂点記録を更新。子供のいるクリスマスは終わらない。
2011年12月23日
年末名作大放出（１）
『オーケストラ！』『キック・アス』
『オーケストラ！（原題：LE CONCERT）』
2009年、監督：ラデュ・ミヘイレアニュ。 良かった！ ヒューマンな感動なんぞはとっくに大前提として在って、悪意のあるユーモアや、“感動映画”には登場しっこない悪性の高いキャラがサラリと登場しては、泥臭い存在感を醸成して、鑑賞者を丸ごと包んでくれる。 共産主義時代の”ユダヤ主義者排斥”の波に飲み込まれ、楽団を追われ、音楽から遠く生きていた天才指揮者アンドレイと演奏家達が集結してパリの演奏会に出演する、という大枠には感動の予感ありあり。ところが、ボリショイ交響楽団を偽装して主催者を欺くというヒネクレ展開。正攻法のルートなんか踏むもんか、という敵意がメラメラだ。30年前に彼等を追いやったコッテコテの共産党員をマネージャーに据え、様々な職業で生き延びているメンバー達を呼び寄せ･･･という段階は、まぁ、小気味よく進行。ジプシーのバイオリン弾きに楽器を調達だけでなく、パスポートやビザの偽造まで委託する経緯で雲行きは怪しい。調子こいて、トップソリストのアンヌ＝マリーを招き入れるに至り、空気は完全に別物。不穏な空気感が一人前に謎をかける。●こいつら、本当に演奏できんのか？●演目の『チャイコフスキーのヴァイオリン協奏曲』に秘められた過去とは？●アンヌ＝マリーとアンドレイの過去とは？ その解明がサクサク進むかと思えば、パリ入りした楽団メンバーは行方不明で音信不通になっちゃうし、アンドレイのファースト（←？）コンタクトで、アンヌ＝マリーが不信感を募らせてキレ気味。演奏会の不成功要因ばかりが積みあがっていく。本っっっっっ当に演奏できるの？演奏会の主催者も訝しがり始めた。アンドレイは「リハーサル無しのブッツケ本番でいく」と宣言。正気か･･･？
で、何も解決しないまま、ブッツケの本番に突入しちゃう。例えば、全ての懸念事項を解消してから、皆が一丸となって本番に臨むとか、そーいう正攻法の感動ルートではないわけです。敵意メラメラです。辛うじて本番前に集合したメンバー（演奏中に駆け込んだ奴も･･･）が、本当に、「せーの」で音を出しちゃう。当たり前に下手。アンヌ＝マリーが絶望的に軽蔑的に睨む。あ、言い忘れてた、アンヌ＝マリー、すごく綺麗な女性です。綺麗な人が睨むと、無条件で萎縮しちゃいます。で、アンヌ＝マリーのソロに突入。いい？もう一度整理しますよ。この時点で、楽団の演奏はボロボロ、アンヌ＝マリーは怒ってる、全ての謎は解明の糸口さえも無い。それなのに、ソロに突入ですよ。山場ですよ。ムチャクチャですね？そうですね？ところが、このソロで全てが解明され、色彩が急変し、楽団の演奏力が急激に向上しちゃうの。マネージャーは投げやりな祈りが神に届き【奇跡】が起こった、と投げやりに驚いている。僕も、その辺の帳尻に関しては【奇跡】ってことで解決させちゃって全然問題ないかと思います。だって、このソロ演奏の中で解明されるアンヌ＝マリーの境遇を知り得ただけで僕は圧倒的に感激だ。「彼女のソロに宿っているモノ」の正体を掌握できれば、駄目楽団の演奏が急に上手くなる奇跡なんか当然のことと思える。･･･と、長い演奏シーンで【遠い過去から未来への全て】を無言で見せるシークエンスが見事。泣けた。でも、感激のピークで悪意のあるユーモアを挟み込まれた。敵意メラメラだから。もはや、僕は敵意ごと感激。 長い演奏シーン、俳優の顔とプロの演奏者の手を別撮影とかっていうセコいアプローチではない。難しい運指を俳優達が見事にこなす。こーいう肉体的な完成があってこそ映画の品質が確定する。こーいう山場で手を抜く映画はクズだ（安直なCG多用も同罪だ！）。本作は覚悟は本気だ。その覚悟に全責任を負ったまま、堂々と正攻法を避けてヒネクレたということだ。どんだけ練習を積んだか知れない演奏シーンのハイライトでユーモアシーンを挟み込む悪意って、揺らがない信念の顕れだ。ほんと、素晴らしい映画だった。
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【2011年に出会えてよかった映画 第６位】
『キック・アス（原題：KICK-ASS）』
2010年、監督：マシュー・ヴォーン。 嘘。面白いじゃん。感動までしたじゃん。そんなはずなくね？ 本作鑑賞前の印象は【アメコミヒーローのパロディ】ってなところで、いや、それは、事実、そーいう骨子にはなってんだ。スーパーマンやバットマンやスパイダーマンが既知のコンテンツとして物語内に存在していて、それを踏まえた上で本作が立脚している、という立ち位置は、全く隠されていないし、それを前提にしなければ、本作の存在意義はない。で、既知ヒーローへのリスペクトも愛情もあるけれども、批判も忘れていない、そんなスタンスで、敢えて、新規のヒーローを提案し、新しいヒーローのビジョンを提供するのが本作。そのヒーローを志願するのが、スパイダーマン系の童貞くんキャラ。志願である点がミソ。自己指名ね。ネット通販でコスチュームを購入してやんの。しかも、ダッサダサ。この【なんちゃってヒーロー】の名前（自分で命名）がキック・アス。当然、悪に立ち向かう腕力も度胸もない。ぜいぜいが、近所の不良の車泥棒を阻止しようとすることが関の山（＝完全に阻止できるわけではないので、「しようとすること」まで）。「傍観者でいたくない」＝「リスクを負ってでも、現代にヒーローを復活させ、悪を撲滅したい」という動機は立派だが、実際のリスクは手厳しく、「正義のヒーローは痛い」という事実を身をもって知ることになる。しかも、形にばかりこだわっている主人公には、【社会的な悪】に属する同級生の実情にさえも気づかない。･･･と、ここで、本作が終われば、既知ヒーローの威光の上に立脚してシニカルで先細りなパロディを展開した三流映画だったわけだ。 違うんだ。本作が提案する【新規のヒーロー】は、実は、キック・アスではないんだ。
で、真の【新規のヒーロー】がヒット・ガール。ヒット・ガール、ヒーロー映画のタブーを破り、完全に新しい定義を掲げた革命的キャラだ。この革命は事件だと思うぞ。 素顔は、超美人ではないけど、過度に可愛い印象の美少女（クロエ・グレース・モレッツ。設定は11歳？）。フニャっとした顔のパーツは芦田愛菜を思い出す。でも、芦田愛菜では絶対にお目にかかれない特性を持ってんだ。父親（ニコラス・ケイジ）が個人的な復讐のために育て上げた【殺人マシーン】であり、「おまんこ」って台詞を吐き散らして、疾走しながら複数の大人をバッタバッタと殺しまくっちゃうんだ。大流血のアクションシークエンスに「いいぞ！」と大拍手の僕。殺戮っぷりも見事ならヤラれっぷりも。おー、11歳の少女をグーパンチでボコりますか？鼻血出てるし。･･･と、11歳の少女をバイオレンスの渦に放り込む【いきすぎ】だけがタブー破りではない。既知のヒーローが悪を成敗するってことは【痛みと流血を伴う殺戮】だった、ってことをスルッと告発しちゃったわけなんだ、本作は。また、個人の復讐心がヒーローの行動原理を形成する様は『ダークナイト』のタブー破りにチャッカリと便乗だ（既知ヒーローとの、この距離感が見事なんですわ！）。そうやって、本作が既知ヒーローに対するシニカルなアプローチをすればするほど、機知ヒーローは否定されるわけでなく、今更ながらに、既知ヒーローの物語性に新たな肉付け的解釈が施されていくような【先達への敬意】のあり方がさり気なく素晴らしい。 バットマン、ロビン、スパイダーマン等の元ネタが明白な４大（なんちゃって）ヒーローを登場させることで、【ヒーロー映画の外周】に立脚するスタンスを装いながら、その中に【本物】を混入することで、チャッカリとヒーロー映画の奥座敷に居座って、【ヒーロー映画の代表】みたいな顔して、中核の本質を勝手に暴露しちゃうような映画。謙虚っぽいけど図々しい。 ヒーローがコミュニケーション手段等々でネット通販、youtube、SNSを使っている様が妙に笑えた。 続編、本気で楽しみ。早くヒット・ガールと再会したい！
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【2011年に出会えてよかった映画 第８位】
『オーケストラ！（原題：LE CONCERT）』
2009年、監督：ラデュ・ミヘイレアニュ。 良かった！ ヒューマンな感動なんぞはとっくに大前提として在って、悪意のあるユーモアや、“感動映画”には登場しっこない悪性の高いキャラがサラリと登場しては、泥臭い存在感を醸成して、鑑賞者を丸ごと包んでくれる。 共産主義時代の”ユダヤ主義者排斥”の波に飲み込まれ、楽団を追われ、音楽から遠く生きていた天才指揮者アンドレイと演奏家達が集結してパリの演奏会に出演する、という大枠には感動の予感ありあり。ところが、ボリショイ交響楽団を偽装して主催者を欺くというヒネクレ展開。正攻法のルートなんか踏むもんか、という敵意がメラメラだ。30年前に彼等を追いやったコッテコテの共産党員をマネージャーに据え、様々な職業で生き延びているメンバー達を呼び寄せ･･･という段階は、まぁ、小気味よく進行。ジプシーのバイオリン弾きに楽器を調達だけでなく、パスポートやビザの偽造まで委託する経緯で雲行きは怪しい。調子こいて、トップソリストのアンヌ＝マリーを招き入れるに至り、空気は完全に別物。不穏な空気感が一人前に謎をかける。●こいつら、本当に演奏できんのか？●演目の『チャイコフスキーのヴァイオリン協奏曲』に秘められた過去とは？●アンヌ＝マリーとアンドレイの過去とは？ その解明がサクサク進むかと思えば、パリ入りした楽団メンバーは行方不明で音信不通になっちゃうし、アンドレイのファースト（←？）コンタクトで、アンヌ＝マリーが不信感を募らせてキレ気味。演奏会の不成功要因ばかりが積みあがっていく。本っっっっっ当に演奏できるの？演奏会の主催者も訝しがり始めた。アンドレイは「リハーサル無しのブッツケ本番でいく」と宣言。正気か･･･？ 
で、何も解決しないまま、ブッツケの本番に突入しちゃう。例えば、全ての懸念事項を解消してから、皆が一丸となって本番に臨むとか、そーいう正攻法の感動ルートではないわけです。敵意メラメラです。辛うじて本番前に集合したメンバー（演奏中に駆け込んだ奴も･･･）が、本当に、「せーの」で音を出しちゃう。当たり前に下手。アンヌ＝マリーが絶望的に軽蔑的に睨む。あ、言い忘れてた、アンヌ＝マリー、すごく綺麗な女性です。綺麗な人が睨むと、無条件で萎縮しちゃいます。で、アンヌ＝マリーのソロに突入。いい？もう一度整理しますよ。この時点で、楽団の演奏はボロボロ、アンヌ＝マリーは怒ってる、全ての謎は解明の糸口さえも無い。それなのに、ソロに突入ですよ。山場ですよ。ムチャクチャですね？そうですね？ところが、このソロで全てが解明され、色彩が急変し、楽団の演奏力が急激に向上しちゃうの。マネージャーは投げやりな祈りが神に届き【奇跡】が起こった、と投げやりに驚いている。僕も、その辺の帳尻に関しては【奇跡】ってことで解決させちゃって全然問題ないかと思います。だって、このソロ演奏の中で解明されるアンヌ＝マリーの境遇を知り得ただけで僕は圧倒的に感激だ。「彼女のソロに宿っているモノ」の正体を掌握できれば、駄目楽団の演奏が急に上手くなる奇跡なんか当然のことと思える。･･･と、長い演奏シーンで【遠い過去から未来への全て】を無言で見せるシークエンスが見事。泣けた。でも、感激のピークで悪意のあるユーモアを挟み込まれた。敵意メラメラだから。もはや、僕は敵意ごと感激。 長い演奏シーン、俳優の顔とプロの演奏者の手を別撮影とかっていうセコいアプローチではない。難しい運指を俳優達が見事にこなす。こーいう肉体的な完成があってこそ映画の品質が確定する。こーいう山場で手を抜く映画はクズだ（安直なCG多用も同罪だ！）。本作は覚悟は本気だ。その覚悟に全責任を負ったまま、堂々と正攻法を避けてヒネクレたということだ。どんだけ練習を積んだか知れない演奏シーンのハイライトでユーモアシーンを挟み込む悪意って、揺らがない信念の顕れだ。ほんと、素晴らしい映画だった。メレンゲ自慢会IIの映画レビュー一覧
【2011年に出会えてよかった映画 第６位】
『キック・アス（原題：KICK-ASS）』
2010年、監督：マシュー・ヴォーン。 嘘。面白いじゃん。感動までしたじゃん。そんなはずなくね？ 本作鑑賞前の印象は【アメコミヒーローのパロディ】ってなところで、いや、それは、事実、そーいう骨子にはなってんだ。スーパーマンやバットマンやスパイダーマンが既知のコンテンツとして物語内に存在していて、それを踏まえた上で本作が立脚している、という立ち位置は、全く隠されていないし、それを前提にしなければ、本作の存在意義はない。で、既知ヒーローへのリスペクトも愛情もあるけれども、批判も忘れていない、そんなスタンスで、敢えて、新規のヒーローを提案し、新しいヒーローのビジョンを提供するのが本作。そのヒーローを志願するのが、スパイダーマン系の童貞くんキャラ。志願である点がミソ。自己指名ね。ネット通販でコスチュームを購入してやんの。しかも、ダッサダサ。この【なんちゃってヒーロー】の名前（自分で命名）がキック・アス。当然、悪に立ち向かう腕力も度胸もない。ぜいぜいが、近所の不良の車泥棒を阻止しようとすることが関の山（＝完全に阻止できるわけではないので、「しようとすること」まで）。「傍観者でいたくない」＝「リスクを負ってでも、現代にヒーローを復活させ、悪を撲滅したい」という動機は立派だが、実際のリスクは手厳しく、「正義のヒーローは痛い」という事実を身をもって知ることになる。しかも、形にばかりこだわっている主人公には、【社会的な悪】に属する同級生の実情にさえも気づかない。･･･と、ここで、本作が終われば、既知ヒーローの威光の上に立脚してシニカルで先細りなパロディを展開した三流映画だったわけだ。 違うんだ。本作が提案する【新規のヒーロー】は、実は、キック・アスではないんだ。 
で、真の【新規のヒーロー】がヒット・ガール。ヒット・ガール、ヒーロー映画のタブーを破り、完全に新しい定義を掲げた革命的キャラだ。この革命は事件だと思うぞ。 素顔は、超美人ではないけど、過度に可愛い印象の美少女（クロエ・グレース・モレッツ。設定は11歳？）。フニャっとした顔のパーツは芦田愛菜を思い出す。でも、芦田愛菜では絶対にお目にかかれない特性を持ってんだ。父親（ニコラス・ケイジ）が個人的な復讐のために育て上げた【殺人マシーン】であり、「おまんこ」って台詞を吐き散らして、疾走しながら複数の大人をバッタバッタと殺しまくっちゃうんだ。大流血のアクションシークエンスに「いいぞ！」と大拍手の僕。殺戮っぷりも見事ならヤラれっぷりも。おー、11歳の少女をグーパンチでボコりますか？鼻血出てるし。･･･と、11歳の少女をバイオレンスの渦に放り込む【いきすぎ】だけがタブー破りではない。既知のヒーローが悪を成敗するってことは【痛みと流血を伴う殺戮】だった、ってことをスルッと告発しちゃったわけなんだ、本作は。また、個人の復讐心がヒーローの行動原理を形成する様は『ダークナイト』のタブー破りにチャッカリと便乗だ（既知ヒーローとの、この距離感が見事なんですわ！）。そうやって、本作が既知ヒーローに対するシニカルなアプローチをすればするほど、機知ヒーローは否定されるわけでなく、今更ながらに、既知ヒーローの物語性に新たな肉付け的解釈が施されていくような【先達への敬意】のあり方がさり気なく素晴らしい。 バットマン、ロビン、スパイダーマン等の元ネタが明白な４大（なんちゃって）ヒーローを登場させることで、【ヒーロー映画の外周】に立脚するスタンスを装いながら、その中に【本物】を混入することで、チャッカリとヒーロー映画の奥座敷に居座って、【ヒーロー映画の代表】みたいな顔して、中核の本質を勝手に暴露しちゃうような映画。謙虚っぽいけど図々しい。 ヒーローがコミュニケーション手段等々でネット通販、youtube、SNSを使っている様が妙に笑えた。 続編、本気で楽しみ。早くヒット・ガールと再会したい！メレンゲ自慢会IIの映画レビュー一覧
【2011年に出会えてよかった映画 第８位】
